Share
Slipp blyanter og papir, slå av skanneren, og glem Live Spor, det er på tide å illustrere med vektorer. Denne opplæringen vil gå gjennom prosessen med å lage kunstverk - fra konsept til ferdig produkt - helt i Illustrator.
Dårlige nyheter: Det er ingen hemmelighet å lage kunstverk helt innenfor Adobe Illustrator. Hvis du leter etter en magisk pille for å spenne deg av skanne-og-spore-tilnærmingen, forteller jeg deg akkurat nå at det ikke finnes noen. Når det er sagt, tilbyr Illustrator kunstnere så mange fantastiske muligheter for å skape kunst, at hvis du er interessert i å tegne ved hjelp av vektorer, er det massevis av fordeler og tidsbesparende som kan få deg til å hekta på øvre kurver og poeng for alltid. Det som følger er ikke så mye a Tips og triks opplæringen; Det er en trinnvis oppdeling av min kreative prosess med noen teknikker, ideer og meninger kastet i veien.
Du finner kildefilene i katalogen merket kilde som kom inn i filene du lastet ned. Du kan ønske å se gjennom dem kort før vi begynner.
Mitt arbeid er født 100% fra fantasi, så jeg bruker ikke modeller, bilder eller objekter som referanse for ofte. Dette betyr at jeg må begynne å tegne mine ideer og deretter forfine dem etter at jeg har fullført utførlige versjoner. Illustrator er det perfekte verktøyet for dette fordi du kan mutere objektene dine og omorganisere farger og sammensetning fritt og uten grenser. Du trenger aldri å trekke ut et nytt stykke papir for å endre størrelsen på et tegn eller flytte et hus. Det er uendelig forandret, og tilbyr kunstneren et smorgasbord av ideer og variasjoner.
Når jeg kommer opp med en ide (i dette tilfellet, en stor cyclops spiser byen og en bosatt bunny bestemmer seg for å ta en stand ved å løsne en mektig røykkanin fra skorstenen), begynner jeg å tegne det ut på et tomt dokument, og sørg for at å isolere primære objekter eller grupper av objekter alene grundig-merket lagene.
Vanligvis rydder jeg ut alle panelene (stifter, børster, stiler) for å gjøre plass til mine skreddersydde elementer. Også, selv om jeg bruker en Wacom tegnepute, pleier jeg å bruke pennverktøyet til å tegne nesten alle mine gjenstander fordi jeg liker presisjonen og muligheten til å enkelt bytte fra buede linjer til rette linjer. Her er min første grove versjon av illustrasjonen i spørsmålet.
Som et eksempel på hvordan jeg begynner et bilde som dette, kan vi se på opprettelsen av cyclops. Ved hjelp av pennverktøyet tegner jeg grunnleggende, grov form av kroppen med nesten ingen detaljer. Dette gir meg en ide om hvordan tegnet skal se og styre plasseringen og størrelsen på vedlegg, funksjoner, osv.
Det er veldig viktig å merke seg at å lage elementer som disse er sterkt avhengig av din personlig stil. Min stil er en blanding av presisjon og med vilje av eller rotete linjer. Noen mennesker er veldig ryddige, noen er virkelig løs, men det er egentlig ikke noe feil med hensyn til stil. Det er dine valg som gjør din kunst din.
Tilbake til syklene, etter at jeg er ferdig med kroppen, legger jeg armer og gjør dem til en helt annen farge. Jeg forener dem senere, men for nå bruker jeg en kontrastfarge for å få dem til å skille seg ut og definere sine grenser. Senere, når skyggelegging kommer inn i spillet, vil gul-oransje være borte.
Nå som jeg har dannet en mer konkret ide om hvor jeg skal med denne karakteren, kan jeg legge til noen detaljer for å forbedre hans personlighet. For fargen på hvit i øyet, prøver jeg oransje av kroppen og skru den ned, eller gjør det lettere, i fargepanelet. For å gjøre dette, se bildet nedenfor.
Grunnen til at jeg lager fargene ved hjelp av denne metoden, er bare for kontroll. Konstant å skape nye farger fra grunnen kan føre til en veldig uhåndterlig palett, mens å basere nye farger på gamle farger kan gi et nivå av kontroll og enhetlighet til et bilde. I hovedsak er det et stilistisk valg, men jeg vil si at det er en ganske god praksis, spesielt for folk som ikke er komfortable med farge. I tillegg legger jeg nesten alltid nye farger til fargepanelet, bare hvis jeg trenger å få dem senere. Selv for de sprøeste, mest off-the-wall artister, er organisasjonen veldig nyttig.
Jeg vet at han kommer til å være en cyclops, og jeg vet at fare nærmer seg ovenfra (i form eller en gigantisk røykkanin), så etter at jeg trekker i øyeform, lager jeg en oppadgående glansende iris. Selv om jeg bruker en klipsmaske for å fullt ut innlemme iris i øyet, la jeg det fritt mens jeg fortsetter å rive ut monsteret. Dette gjør det enkelt å omplassere og bidrar til å øke hastigheten på de tidlige stadiene av tegningen.
Jeg legger til en munn (farge basert på kroppens oransje igjen, denne gangen med svart (K) lagt til i fargepanelet). Til slutt legger jeg i et halvkomplett stykke hus bak hendene. For raskt å plassere hendene over huset, velger jeg begge armene og trykker på kommandoen + Shift + venstre brakett-tast (bringe til fronten) på tastaturet. Jeg pleier å bruke tastaturet for så mange ting som mulig for å redusere klikk, da det virkelig senker arbeidsflyten.
Monster er ferdig ... for nå. Jeg gjentar denne metoden for alle de primære objektene i konseptet mitt, og prøver å definere fargene jeg vil ha mens jeg lager nye objekter. Farge er veldig viktig for stemningen og følelsen av kunstverket mitt. Når jeg føler at jeg har et fullstendig konsept og jeg er fornøyd med fargene, er det på tide å gå videre og kutte ut sammensetningen.
Når jeg er fornøyd med konseptet, grunnleggende sammensetningen og retningen av kunstverket, legger jeg til og bytter elementer i påvente av detaljarbeid. I dette tilfellet var jeg ikke fornøyd med skyens former og jeg ønsket å legge til flere ødelagte hus å fylle ut sammensetningen, legge til dybde og forbedre følelsen av ødehet. Jeg prøver å unngå å kopiere og lime inn elementer for å gi illustrasjonene mine en mer håndtegnet følelse. Igjen, det utseendet jeg drar for er avhengig av uregelmessigheter, så ensartetheten av kopi og lim er trolig ikke det beste alternativet.
Vanligvis mens jeg jobber ser jeg muligheter til å legge til ekstra elementer som vil forbedre følelsen av arbeidet. I dette tilfellet tenkte jeg en fin touch ville være å legge til en kanin som gjemmer seg, forkledd som en busk, så jeg trakk ham inn på sitt eget lag. For å få tilstrekkelig til å trekke av tillegget, legger jeg også busk til vegetasjonslaget på bildet.
Noen av de ødelagte husene ligger på toppen av cyclops-monsteret. De må velges, kuttes og limes på et nytt lag som ligger bak monsteret (jeg kaller dette laget "huser bak").
Her er en rask titt på hele komposisjonen før vi går videre til neste trinn.
Nå er det på tide å grave inn, legge til detaljer og forbedringer. Jeg liker å jobbe hele bildet på en gang hvis jeg kan, ikke fokusere for mye på en detalj eller et område. Når det er sagt, angriper jeg ting med en plan. Jeg starter vanligvis med det øverste laget, og legger omtrent det samme detaljnivået til hvert element som jeg jobber nedover i listen. Det hjelper til med å avverge kjedsomhet og virkelig gjør et stykke føler at det kommer til liv. I tilfelle av denne spesielle illustrasjonen er det øverste laget "skjult kanin", laget som inneholder kaninen forkledd som en busk.
Den første detaljen jeg legger til i dette elementet er små halvmåneformer for å gi bushen en følelse av, vel, bushiness. Jeg tegner halvmidlene ved hjelp av pennverktøyet, og jeg bruker en gal lysfarge for å skille dem fra bushen.
Den lyse fargen hjelper ikke bare halvmåneene til å skille seg ut, det gjør dem også lett valgbare. Jeg velger en, gå til toppen av skjermen, og velg Velg Same> Fill Color. Jeg bruker Velg mye i løpet av en illustrasjon.
Etter at jeg har valgt alle crescents, bruker jeg eyedropper til å velge en tidligere brukt farge for de nye figurene. Jeg velger fargen på bushen, som i utgangspunktet høres rarlig ut, men jeg endrer blandemodus til Multiplisere i gjennomsiktighetspanelet. Dette gjør at crescents kan bruke en fin, skyggeaktig variasjon av den originale bushfarge.
Nå er det på tide å feather gjenstandene for å myke kantene. Det finnes en rekke måter å myke kanter og skygger, men fjæring er min favoritt fordi den er rask og lett kvantifiserbar. Mengden mykhet direkte tilsvarer et nummer, så det er en kino å endre og kontrollere, og det gir mening.
Jeg blir feathering gjenstander gjennom hele denne opplæringen, så vær klar for det. I dette tilfellet setter jeg mengden fjær til 0,75 piksler, slør kantene på krysene enda litt så:
Hvis du er organisert og tenk på det mens du lager, gjør hva jeg gjorde og legg til utseendet til en av halvmåne til stilpanelet. Dette vil bidra til å fremskynde illustrasjonsprosessen, spesielt gitt at du fortsatt har å bruke lignende detaljer til de andre buskene.
Et annet element jeg bruker veldig ofte i min kunst er klippemasken. Jeg vet at noen foretrekker elegansen til stiften, men det er noe veldig bra med klipping masker som gjør dem overlegen, etter min mening: de er helt ikke-destruktivt og elementene inne forblir redigerbare. I Illustrator CS4, avkuttet elementer fungerer akkurat som vanlige ting (de klippede områdene er helt skjulte for øynene dine og markøren din), noe som gjør dem enda sterkere.
I tilfelle av denne kaninen, skal jeg maskere irisene i øynene, forene hele øyet som ett objekt (som vil hjelpe senere når jeg skygger øynene). For å gjøre dette, velger jeg det hvite i øyet, kopierer det (Command + C), limer det foran (Command + F), send det til forsiden av stabelen (Command + Shift + Right Bracket) og bytt farge på elementet, bytte på fyll og slag (Command + X). Jeg holder Shift nede for å velge de andre to øyeelementene (originalen hvit og iris) og trykk på Command + 7 for å lage en utklippsmaske. Dette kan høres ut som en kompleks prosess, men når du får tak i det, er det super fort, bare å ta et sekund eller to.
Ørene er maskert på samme måte. I utgangspunktet sykler jeg gjennom resten av lagene og legger til detaljer og samler gjenstandene, og gjør så detaljelementer (øyne, ører, vinduer osv.) I utklippsmasker. Jeg forlater skyggelegging og tekstur til slutt som de pleier å være de mest prosessor-intensive elementene i designet.
Flytter ned listen over lag, jeg kommer til "røyk" laget, som inneholder den mektige røykkaninen. Jeg vil gjerne gjøre dette elementet litt mer skyaktig, så jeg tar ut det trofaste pennverktøyet og legger til disse grønne objektene på toppen av originalen.
Etter at de er tegnet, lager jeg dem samme farge som det opprinnelige røykeobjektet og fusjonerer dem alle sammen (unntatt de små skyene) sammen med Forene knappen på Pathfinder-panelet. Jeg vil også gå inn og tegne små røykige tenner og et skummelt øye.
Selv om jeg allerede har lagt til detaljer i buskene, har jeg ennå ikke detaljert furutrærne. For å foreslå spikiness av furutrærne, liker jeg å bruke en enkel trekantet kunstbørste. Jeg tegner en trekant, fyll den med 100% svart (K) og la slaget være tomt. Jeg bruker sjeldent sjelden, ettersom stilen min ikke egentlig krever det. Etter at den er trukket, drar jeg den inn i børstepanelet og lager en ny kunstbørste. Innstillingene vises nedenfor.
Fyll triangelen med svart og sette penselens fargeringsmetode til Tints gjør at kunstbørsten kan arve hvilken som helst farge du velger for slag, noe som gjør den veldig allsidig. Toggling Proportional låser i pensjonens proporsjonale integritet, krymper og vokser hele formen for å passe til størrelsen på ditt slag.
Nå er det på tide å pusse på trekanten. Jeg søker dem på hvert tre, og gjør små slag fra topp til bunn. Jeg prøver å unngå at merkene ser for ryddige eller ensartede ut. Jeg varierer størrelser og til og med subtilt kurve mine slag for å blande opp ting. Når jeg er ferdig, ser det slik ut.
Etter å ha tegnet i alle trekantene, velger jeg ganske enkelt dem alle (velg en, og velg deretter Velg> Samme slag) og bytt farge ved å bruke en samme farge som jeg brukte for trærne selv, sette blandemodus til Multiply, og snu Opacity til 70%.
Da jeg fortsetter å legge til detalj i bildet, forbereder jeg også områder og endrer ting jeg ikke liker. I tilfelle av cyclops legger jeg på pelsdetalj på samme måte som jeg tilføyer sky-like detaljer til røykkaninen, legger til tenner, refinerer øynene og kaster i noen biter av huset for ekstra mål. Jeg bytter også føttene og omformer bena litt for å gjøre dem mer til min smak. Ingenting for fancy her, for det meste bare noen Pen verktøy arbeid og et par Clipping Masks.
Å legge til i ekstra detaljer hjelper virkelig å heve en illustrasjon, og jeg tror at endringene her gjør det ganske tydelig.
Jeg hater virkelig å forlate store, tomme, flate områder i vektorgrafikene mine. Det rene utseendet på vektorkunst kan se for sterilt og teknisk noen ganger. Noen mennesker importerer teksturer eller legger til elementer i Photoshop. Jeg liker å legge til vektordetaljer som foreslår abstrakte elementer og forbedrer stemningen. I tilfelle av fjellene legger jeg til ekte linjer og snøhetter:
Som du ser, beholder jeg kontrasten lav ved å bruke subtile fargevarianter og transparenter. Etter at de er trukket inn, innlemmer jeg dem i fjellkjeden ved hjelp av en kappemaske (samme metode som brukes ovenfor i trinn 3C).
Når jeg legger til detalj, lager jeg fargejusteringer og beveger noen av elementene litt for å forbedre sammensetningen før jeg begynner å skygge. Her er en titt på illustrasjonen etter detaljeringsfasen.
Skygge er langt en av mine favorittsteg i å lage en illustrasjon. Det er når jeg føler at stykket virkelig kommer til liv. Det finnes tusenvis av forskjellige metoder og kombinasjoner av metoder som vektorartister bruker for å skygge sine objekter, og det ser ut til at alle liker sin måte best. Jeg bruker en kombinasjon av fjærede objekter, gradienter og kappemasker, men hvis du har en annen skyggemetode, foretrekker du personlig, for all del, bruk hva som fungerer for deg. Min metode virker for meg fordi den er rask, den er basert på skyggelegging som objekter (jeg pleier å bryte bildene mine ned i objekter), og det er veldig enkelt å redigere.
Stikker med samme fremgangsmåte som jeg brukte når jeg legger til detaljer i bildet mitt, begynner jeg med det øverste laget, som er den skjulte kaninen. Dette er et godt objekt å fokusere på for dette trinnet, fordi det er ganske enkelt.
Jeg begynner med et øre. Da jeg opprettet denne karakteren, brukte jeg klipping masker for å inkludere alle elementene (øre og indre øre) for hvert øre. Dette hjelper enormt med skyggeprosessen fordi nå er alt jeg trenger å gjøre er å gå inn i klippemasken (Dobbeltklikk på begge øre vil gjøre kunsten). Etter at jeg går inn tegner jeg formen på min skyggeobjekt.
Som med før, holder jeg fargene mine enkle, ved hjelp av en multiplisert versjon av den opprinnelige ørefargen. Dette gir en veldig fin, dyp blå skyggefarge. Legg også merke til den store ekstra svergen av skyggeobjekt utenfor grensene til klyngemasken. Jeg trenger dette for å trekke av fjæringen.
Med skyggebjektet valgt, drar jeg ned Effect> Stylize> Feather. Jeg justerer nivået på feathering til det ser ut som jeg vil ha det til, sørg for å klikke på forhåndsvisningsalternativet slik at jeg kan se hva jeg får.
Etter at jeg er ferdig med å skygge et øre, legger jeg til skyggenobjektets utseende på stilpanelet (det er fortsatt tre flere kaninører å gå). Hvis jeg vil endre nivået på fjerning, kan jeg alltid få tilgang til objektets fjærinnstillinger i Utseendepanelet.
I tillegg til å skygge objekter legger jeg nesten alltid en gradient til det opprinnelige basisobjektet. For eksempel, her legger jeg gradient til bush kaninen gjemmer seg inn.
I dette tilfellet er det et skyggeobjekt som sitter på toppen av basisobjektet (bushen) allerede, slik at gradienten bare forsterker den, legger til dybdenes illusjon og gir objektet et annet estetisk element som hjelper til med å avverge fryktet altfor ren se noen vektorbilder kan ha. Ett tips for gradientbrukere: subtilitet. Hold gradienterne lav kontrast som høy kontrast ekstrem gradienter kan ofte føre til en amatørlig følelse.
Jeg legger også til skyggeobjekter til mindre gjenstander som øynene og føttene, men jeg liker å blande ting opp og la dem unfeathered. Grunnen? Det er et stilistisk valg. For mange myke og skygger har det en tendens til å få bildet til å se litt gauzy og noen ganger (men ikke i dette tilfellet) enda litt for realistisk. Å legge til i noen harde, definerte skygge bringer inn en tegneserieaktig følelse som jeg virkelig liker.
Igjen jobber jeg gjennom de forskjellige lagene på omtrent samme måte, og legger til skygge og gradienter.
For røykkaninen brukte jeg en litt modifisert versjon av den fargede skyggenobjektet teknikken som er beskrevet ovenfor. I utgangspunktet har jeg opprettet en grafisk stil (lyseblå fylle, blend sett til å multiplisere, feathered - som vist nedenfor i Utseende panelet), deretter lagt den til stilpanelet, valgte stilen og brukt Illustrator CS4s nye Blob Brush til å søke den. The Blob Brush legger til en veldig naturlig følelse å skygge og inkorporerer en fjærform i den skaper en helt ny, mer naturlig tilnærming til skygging i Illustrator.
Husene fortjener ikke mye tid fordi de er ganske enkle vektorformer. Jeg tegner dem for å se 3D, så skyggen er ganske mye på plass veldig tidlig. Bortsett fra å legge til noen gradienter og liten detaljskygging (under takkanten og rundt toppen av skorstenen), er det et annet element jeg la til: stripene. Stripene kan virke ubetydelige, men jeg tror de virkelig legger til den generelle stilen og følelsen av stykket. Deres uregelmessige former og farger legger til dynamikken og hjelper til med å rettferdiggjøre det feilfylte perspektivet.
Teknikker som disse ble popularisert tilbake til midten av det 20. århundre da illustratorer lånte uendelig fra den moderne kunstbevegelsen. Google artister som Jim Flora og Mary Blair for å se hva jeg mener. De er en endeløs kilde til inspirasjon.
Det store cyclops-monsteret er uten tvil den mest komplekse karakteren for å skygge, spesielt gitt sin arm situasjon. Det er på tide å fullt integrere armene med resten av ham. Før jeg gjør det, forbereder jeg hendene ved å legge til poeng med pennverktøyet og manipulere disse punktene.
Og legg stripe detaljering og vinduer til bunken av huset han holder.
Jeg kopierer og limer armene inn i et nytt lag kalt "ekstra armer". Jeg skal bruke dem på en liten stund, men for nå skjuler jeg dem. Jeg velger armene på "Big Monster" -laget, send dem til baksiden (Command + Shift + Left Bracket-tasten), og bruk Pathfinder-panelet for å forene dem med resten av kroppen.
Da legger jeg til en subtil gradient i kroppen.
Deretter viser jeg "ekstra armer" laget igjen. Ved hjelp av viskelærverktøyet, jeg kutte opp hendene vekk fra armene gjør det som hansker.
Og jeg velger og sletter overarmene.
Jeg bruker en gradient til hver hånd for å hjelpe både å skille dem fra og blande dem inn med resten av kroppen. Jeg bruker Illustrator CS4, så jeg velger å blande hendene inn ved å gjøre den ene siden av graden helt gjennomsiktig (Opacity 0%).
Til slutt låser jeg "ekstra armer" -laget og legger fargede skyggeobjekter til cyclops på den måten som er beskrevet ovenfor. Jeg rydder også opp eventuelle detaljer eller inkonsekvenser som jeg legger merke til.
Her er en titt på bildet etter at skygge og gradienter er lagt til.
Normalt som jeg jobber, tweak jeg farger og til og med legger til elementer som jeg tror vil forbedre bildet. I dette tilfellet trodde jeg fjellene trengte litt ekstra dybde, og jeg ønsket å utdype noen av tonene, spesielt de av røykkaninen.
Vi har en haug med skygge, men ingen skygger har blitt kastet? Tid til å fikse det.
Rett over "veiene" -laget legger jeg til et nytt lag kalt "skygger". Jeg tegner i vage skyggeformer i tre forskjellige lyse, enkle å skille farger. Grunnen til at jeg bruker tre forskjellige farger for mine skygger er enkelt: Jeg lager tre forskjellige grafiske stiler og bruker dem ved å velge Velg> Samme fyll.
Du kan legge merke til at jeg har skapt noen kunst utenfor grensene til Kunststyret. Jeg gjør nesten alltid dette når jeg lager kunstverk beregnet på vegger eller galleri. Dette gir fleksibilitet når du skriver ut, spesielt hvis du trenger å endre størrelsen eller la noen overlappe. For eksempel har jeg hatt å skrive ut bilder på lerret før, og jeg trengte litt ekstra blø, slik at bildet ville vikle rundt bårene uten å kompromittere den opprinnelige komposisjonen. Hvis du trenger å rydde opp kantene dine for en klient, er det mange måter å gjøre det på, men når jeg lager kunst for kunstens skyld, vil slurvete kanter ikke skade noe.
Jeg tror du kjenner til fargen min nå: variasjoner på farger som allerede finnes i bildet. I dette tilfellet bruker jeg en slags rød lerfarge, en mørkere variasjon av fargene som brukes til bakken. Som jeg nevnte tidligere, skal jeg lage grafiske stiler for hver fargegruppe. I utgangspunktet vil hver stil ha en fyllfarge med Blend Mode satt til Multiply, Opacity slått litt, og Feathering brukes. Høres kjent ut? Det er på samme måte som jeg opprettet skyggen. Jeg forhåndsviser alltid stilene før jeg bruker dem masse til en gruppe fargekodende objekter. Som bildet nedenfor viser, er skyggene i ryggen dempet versjoner av de foran, som bidrar til å etablere illusjonen av dybden.
Nå er det tid for det siste store tillegget: tekstur. Jeg lager alltid mine egne teksturer i Illustrator, mest med pensler. For å fake en pels "tekstur", skal jeg bruke en tilpasset trekantet kunst pensel som den som pleide å dekorere furutrærne i trinn 5, samme penselinnstillinger og alt. Etter at jeg har opprettet børsten, går jeg inn i en tegnes klippemaske og bruker den nye penselen til tegnet, ved hjelp av lyse, skiller farger for å angi retningen hår peker.
Jeg velger en av børstens merker og Velg> Samme slag. Legg merke til Utseendepanelets innhold vist nedenfor.
Da utvider jeg utseendet og fullstendig ungroup objektene. Utseendepanelet skal vise dem som banen, ikke gruppen.
På dette punktet velger jeg en enkelt hår og bruk den til å sette en grafisk stil for resten av hårene som beveger seg i samme retning. Jeg bruker en to-fargegradient til den, begge farger satt til å være den samme lysorange fargen (overraskelse, en variant av den originale oransjen som brukes til kroppen), men jeg satte en av gradientens stopp til 0% opacity. Dette hjelper hårene å blande seg inn. Jeg bruker gradienten til objektet, og dekker bare den delen av håret jeg vil blanding inn i kroppen. Deretter legger jeg til det nye utseendet til panelet Grafisk stil.
Jeg velger deretter en av de lilla objektene, Velg> Samme fylle, og bruk stilen jeg nettopp har opprettet.
Jeg gjentar denne teknikken for de andre fargene, med samme gradient, men endrer retningen i henhold til retningen til de enkelte hårene.
Etter at alt håret har blitt stylet (har, har) merker jeg pelsen på venstre side av monsteret er for lik i farge til monsterets kropp. Jeg vil lette det, men først må jeg velge alle disse hårene. For å gjøre dette, klikker jeg på en av hårene og Velg> Samme fylle. Dette velger selvfølgelig alle hårene, så jeg bytter til Lasso Tool (Q), holder Alt-tasten og drar en lasso rundt alle hårene jeg ikke vil endre. Dette vil trekke dem fra valget.
Deretter redigerer jeg fargene på gradienten for objektene som er valgt, og velger en lysere oransjefarge.
Som med tidligere gjentar jeg disse trinnene for de andre gjenstandene som trenger pels (de to kaniner).
Den endelige teksten jeg legger til, er til himmelen og bakken. Jeg skal splekke dem med en scatterpensel. Jeg begynner med å tegne en uregelmessig formet svart sirkel og krympe den ned til en veldig liten størrelse, omtrent 2pt ved 2pt.
Jeg drar formen inn i penselpanelet og velger Scatter brush. Jeg bruker en Wacom-pute, så jeg liker å sette mine børsteløsninger for å reagere på trykket på pennen. Legg merke til de små trekanter på glidebryterne i bildet under. De grå trekantene bestemmer hva som skjer når pennen har lite eller intet trykk påført. Tilsvarende verdi vises i boksen til venstre. Den svarte trekant indikerer hva som skjer ved fullt trykk og tilsvarende verdi er i boksen til høyre.
Så jeg har satt størrelsen på hver prikk for å vokse når pennen trykkes, og jeg har satt mellomrom mellom hver prikk for å vokse mindre etter hvert som presset intensiverer, noe som gjør at prikkene vokser og klumper når trykk påføres. Det flotte med å lage børster som dette er at du alltid kan gå tilbake og redigere børsten senere (bare dobbeltklikk på den i børstepanelet) hvis resultatene ikke er det du ønsket eller forventet.
Nå som jeg har opprettet børsten, kan jeg bruke den. Med "land" -laget isolert (alle de andre skjult), børster jeg på bakken, bruker mer trykk i forgrunnen (bunnen av jordhøyden) og mindre press i bakgrunnen (toppen av landhøyden). Her er hva som skjer.
Hvorfor gjorde jeg penselen svart? Å bruke penselens Tint-metode, selvfølgelig. Jeg velger alle mine penselstreker og endrer slagfargen til en rød-leirefarge som ligner på bakken. Jeg endrer deretter lånemodus for å multiplisere og snu Opacity vei ned.
Folk spør hele tiden om mine teksturer og lurer på hvordan jeg lager dem ved hjelp av Illustrator. De er ikke så komplekse. Hemmeligheten er virkelig subtil. Mange kunstnere har en tendens til å trekke for mye oppmerksomhet til teksturene, noe som gjør dem til fokuspunktet for bildet. Hvis dette er målet ditt, så gjør du virkelig høyt, oppmerksomhetsfarende teksturer. Men hvis du bare ser for å forbedre arbeidet ditt, må du tone dem ned så de er bare knapt der.
Og der har du det, et ferdig stykke med en særegen stil som er opprettet helt i Adobe Illustrator. Sikker på at jeg brukte mange verktøy og teknikker for å skape bildet, men det er neppe en mestring av triks eller teknisk kunnskap som skaper kunst; det er kunstneren. Ingen blir en bedre artist på grunn av programvare. Det krever øvelse og observasjon.
Se på andre kunstners arbeid, dissekere deres stiler og teknikker, og se hvordan du kan jobbe med nye ideer i arbeidet ditt. Fokuser på å skape det du liker i din egen stil, med din egen kunstneriske stemme. Å lære verktøyene er den enkle delen; Å bruke dem til din egen unike visjon er utfordringen.
Hvis du vil se mer om hva jeg har gjort med Adobe Illustrator, kan du besøke ne
Accentsconagua