Share
Alle fotografer har sin egen stil og syn. Gjennom årene har mitt eget fokus vært landskap og prøver å fange hvordan det føles å faktisk være "der." Jeg er også en designer av handel, så jeg har alltid ønsket større bilder og høyere oppløsninger.
Jeg skyter digital, så oppløsning er min konstante nemesis. Jo større bildet er, desto mer kan du gjøre med det og skarpere det ser på redusert skala. Med disse målene i tankene var spranget til multi-shot kompositter nesten naturlig.
I lengst tid jobbet jeg med ingenting mer enn et enkelt pek-og-skyt kamera (Canon SD800is). Jeg elsket det kameraet, men da det ble svart og hvitt var det ganske dårlig å fange mørkere toner og kontrast. For å reprodusere det jeg så med mine egne øyne, ble jeg vant til å tilpasse kontraster og belysning i Photoshop etter behov. I dag har jeg et mye bedre kamera, men jeg legger fortsatt til et siste lag med polsk til hvert skudd for å drille ut potensialet til skuddet. Jeg får mer inn i det nedenfor, for nå la oss få denne opplæringen startet med hvordan du går om å få en håndfull separate skudd for å blande sømløst inn i en.
Et advarsel: For å fokusere på kjernekonseptene i denne opplæringen antar jeg en viss forkunnskap om hvordan Photoshop fungerer på din side. Hvis du ikke er kjent med lagets gjennomsiktighet, gratis transformasjon, Eraser-verktøyet, børster, justeringslag, lagmasker eller hurtigmasker, kan det være bra å peke inn i dem litt først.
Jeg skal begynne med en bekjennelse: Hovedårsaken til hvorfor jeg syr mine bilder sammen for hånd er stolthet. Fra det jeg hører, er det noen slick plugins (eller programmer) der ute som vil hjelpe denne prosessen enormt, men for meg selv ... Jeg liker å kunne si at bildene mine er mine egne kreasjoner. Jeg er også en fryktelig perfeksjonist. Så du har blitt advart - det er potensielt enklere måter å gjøre dette på.
Ideen bak å gjøre flere-skutt kompositter er to ganger. Først får du en mye bredere (eller høyere) visning av hva det er du fanger. Dette er i likhet med hva du ville se hvis du skjøt med en ekstremt vidvinkelobjektiv. Forskjellen er at hver av bildene du setter sammen er den fulle oppløsningen kameraet ditt er i stand til å ta.
Det første trinnet er (naturlig) å ta bilder du vil jobbe med. Jeg kommer ikke til å gå inn i rudimentene for fotografering her (jeg antar at du er på toppen av det selv). Jeg gjøre Men ønsker å lage to poeng som er spesielt viktige for BW kompositter.
Når du tar svart-hvitt fotografi på et digitalkamera, må du sørge for å stille kameraet til svart-hvitt-modus. Å ta et fargebilde og desaturere det senere er ikke veien å gå (med mindre du skyter RAW uten komprimering). Årsaken til dette er at digitale kameraer leverer JPG-bilder. JPG-bilder er uunngåelig komprimert, det er formatets enkle natur.
Vanligvis er dette ikke et problem siden JPG-komprimering er ganske bra, men fangsten er at JPG komprimerer for å optimalisere for det du har, ikke hva du håper å gjøre senere. Dette betyr at mens du kanskje har en JPG av en rød blomst, og det ser bra ut, vil fjerning av fargen avsløre alle slags gjenstander som øyet ditt ikke kunne oppdage - og de blir bare verre hvis du vil tilpasse kontrast senere. I utgangspunktet, hvis du tror du vil ha et skudd for å være i fargen senere, skyter du det to ganger-kilobytes er billige!
De fleste av mine kompositter er horisontale sprekker, noe som betyr at jeg setter i en sirkel (ser litt latterlig ut) tar en serie bilder mens jeg går. Når du tar ditt eget sett med bilder, må du sørge for at 30-50% overlapper mellom bilder. Du trenger den plassen senere, bare stole på meg på denne. Nedenfor er spredningen jeg skal sy sammen. Legg merke til hvor mye bildeinnhold er duplisert blant de separate bildene ... dette gjør livet mye lettere nedover veien.
Som et sidemerkelov skyter jeg nesten alltid fotoreserien min for hånd, ikke stativ. Dette skyldes for det meste at jeg nesten alltid glemmer å ta med stativet med meg, men jeg savner sjelden det. Uansett om du bruker et stativ selv, er det opp til deg, det vil sannsynligvis føre til en bedre spredning (minimere innholdet tapt for beskjæring), men litt øvelse uten at det kan få deg til å skyte freestyle med gode resultater.
Lag et nytt dokument i Photoshop som er bred nok til å imøtekomme alle dine egne bilder pluss wiggle room. Det er godt å gjøre det minst 1,5 ganger høyden på bildene dine også, fordi du sannsynligvis vil forvride og rotere bilder mens du syr dem. Trekk alle dine egne bilder i dette dokumentet som lag og få dem grovt lagt ut for å bekrefte at du har nok plass til å jobbe.
Tidligere nevnte jeg at multi-shot panorama er i utgangspunktet den samme ideen som å ta et enkelt skudd med et vidvinkelobjektiv. Dette konseptet kommer tilbake nå som vi tenker på hvor du skal begynne. når du har mer enn ett bilde, kommer du til å få uunngåelig forvrengning mens du beveger deg over bildene som prøver å rette opp ting. Mitt råd er alltid å starte fra sentrum, slik at det sentrale bildet blir uforstyrret og sy / forvridning først til venstre, så til høyre. På denne måten vil du ikke ende opp med et horribly skævt bilde når du er ferdig. Selvfølgelig kan du prøve å justere det etterpå i Photoshop, men siden de fleste av bildene blir ganske store (min nåværende rekord er 24 000 px bred), vil jeg foreslå at du har en bok praktisk når du venter på at datamaskinen skal tenke at prosessen gjennom . Åh, og datamaskinen hater deg!
La oss starte med det store bildet: ideen bak sying er å ta to bilder og få en til å flyte sømløst inn i den andre. For å gjøre dette må vi legge over ett bilde over det andre, rette dem opp så godt vi kan, og slet deretter kantbitene som ikke flettes sømløst. Konseptuelt er det et stykke kake. Faktisk gjør det ... vel, her er hvordan. For enkelhets skyld vil jeg referere til oppsettet ovenfor ("gjør det på denne måten" en) når det gjelder hvilket bilde som er hvilket.
Første trinn for å stikke "photo2" på "photo1" er å sørge for at laget av "photo2" er over "photo1's." Når det er gjort, ta en titt på "photo1" og photo2 og velg en fremtredende detalj som er til stede på begge. Ideelt sett på "photo2" bør denne detalj være et sted nær høyre kant og vertikalt senter av bildet.
For å unngå unødvendig frustrasjon, la meg si dette en og annen gang: Når vi prøver å få de to bildene rettet opp, er det viktig å huske at Vi bryr oss bare om å lime opp sømmen mellom "photo1" og "photo2." Det er virkelig ingen måte å få alt å stille opp på disse på grunn av kameraforvrengning, så ikke bry deg om å prøve. Vi leter etter nær nok, ikke perfekt justering ... kreativ sletting vil bidra til å forsegle avtalen i neste trinn.
Finn en detalj til stede i begge bildene som ligger nær høyre kant og vertikalt senter for "photo2".
Lag "photo2" ca 50% ugjennomsiktig og legg den på "photo1" slik at de to detaljene rager opp. Siden de fleste kameraer har en liten objektivforvrengning av noe slag, vil du sannsynligvis se et morsomt sirkulært mønster som ting blir mer og mer ujustert.
Linseforvrengning på kameraet kan gi noen trippy-effekter når du overlegger bilder.
Odds er også gode at de to bildene er rotasjonsmessig av en viss grad. For å motvirke dette (og ikke miste justeringspunktet), trykk Kommando + T (eller Rediger> Gratis transformasjon) for "photo2" -laget. Dra transformsenterpunktet slik at det er over justeringspunktet ditt. Dette vil tillate deg å rotere "photo2" etter behov uten å miste stedet.
Når du roterer "photo2", vil du legge merke til at ting går inn og ut av fokus. Det er mulig at du også må spille med å forvride bildet også for å få ting til å stille opp riktig ... du kan gjøre dette ved å holde nede skiftet mens du drar hjørnene. Husk at det ikke trenger å være perfekt, bare tett.
Forvreng og roter bildet for å få den rette kanten så nært som mulig. Det trenger ikke å være perfekt, bare tett.
Når du har kommet til et anstendig sted, bruk transformasjonene og ta laget ditt tilbake til 100% Opacity.
Det siste trinnet er å slette kant på "photo2" (vist nedenfor). Du vil i utgangspunktet slette akkurat nok til å drepe kanten og gjemme sømmen din, men ikke nok til å avsløre hvordan bildene ikke rager helt ut. Som sådan kan det være litt av en kunstform. Dette er vanligvis punktet der jeg forbanner min dumme stolthet, men det kan gjøres - og resultatene er vanligvis gode nok til at ingen kan fortelle hvor du kom med de to bildene.
Ditt oppdrag: drepe kanten.
En annen viktig ting å huske på når vi begynner å slette er at det menneskelige øye er egentlig Godt å plukke ut linjer. Vi kan gjøre det selv når linjene ikke er der. Trikset for å unngå en åpenbar (eller til og med antydet) sletningslinje hvor de to bildene går sammen, er å slette i et ujevnt mønster hvor det er mulig.
Jeg bruker vanligvis en nettbrett som jeg gjør dette, og foretrekker en mellomstor fuzzy børste siden jeg har trykkvariasjon for å hjelpe meg ut. Hvis du bruker en mus, vil du nok gjøre det fint med en fuzzy børste, men mindre kan være bedre. For å hjelpe meg med å finne kanten, holder jeg vanligvis fingrene på Command + I for å omdanne "photo2" etter behov og se hvor jeg er på.
Ovenfor er et eksempel på hva du vil se etter når du går opp på linjen. Det er ingenting verre enn å finne en av disse savnede kanten stedene etter at du har fullført hele bildet - ta vare på dem nå. Pass også på at når du sletter, avslører du ikke punkter som ikke justerer seg. Disse områdene vil vanligvis dukke opp oftere jo lenger bort fra sømmen du går, men det kan hende du må slette rundt problemer i nærheten også. Som jeg sa, kan det være en kunstform til tider. Vær særlig oppmerksom på naturlige linjer, hvor spesiell oppmerksomhet kan trenge å bli betalt. Disse inkluderer vegger, tregrener, bergarter og horisonter.
Til slutt vil du gå fra å se dette:
Til dette:
Gjenta denne prosessen for de andre bildene. Stitching er en vanskelig oppgave, og jeg forstår helt om du er uenig med meg om hvorvidt det er verdt smerten ... det kan være verdt det for bragging rettighetene alene;).
Mens det er mange kreative ting du kan gjøre med en kompositt panoramautsikt. Jeg pleier å beskære min til et rektangel og gå derfra. Det kan hende du finner at den endelige kompositten trenger litt roterende (avhengig av hvor stabil du var da du tok bildesekvensen) før du beskjærer.
Som en sidemerking, hvis du har åpnet PSD-filen for komposisjon, vil du legge merke til at jeg endte opp med å bare ha fire av de fem originale bildene i spredningen min. Det er en god posisjon å være i ... du vil helst ha ekstra overlappende bilder enn et gap.
Jeg er sikker på at du alle har spilt med nivåer eller kurver før. Muligens har du spilt med lagmasker og quickmasks også. Har du noen gang brukt hurtigmasker til å lage komplekse lagmasker på justeringslag for å muliggjøre finjustert kontroll av mørkene og lysene i bildet? Hvis du sa ja, du er en rockestjerne (og kan sannsynligvis hoppe over til trinn 1). Hvis ikke, les videre ...
Jeg har bare kastet ut en masse Photoshop-terminologi for en liten setning, så la meg gå gjennom det stykke for seg.
Ideen bak quickmasks er at du kan bruke verdien mellom svart og hvitt for å kontrollere maskens opasitet. På denne måten kan du tegne en maske for hva du trenger. Verktøyet gir utrolig kontroll og kan brukes på mange forskjellige måter. Hurtigmaskemodus (hvor du lager masken din) er oppgitt (og avsluttet) ved å klikke på knappen fremhevet på verktøylinjen nedenfor.
Hvis du bruker hurtigmasker, kan du for eksempel angi hurtigmaskemodus, skrive navnet ditt i en svart pensel (det vises som rødt), og gå ut av hurtigmaskemodus. Du vil da ha et telt i form av navnet ditt. For å være spesifikk, bør du ha en maske i form av området rundt ditt navn ... dette er en god tid å bli komfortabel med tastaturgenveien til Command + Shift + I for å invertere masker.
Hvis du brukte en fuzzy børste, vil navnet ditt maskere tilsvarende uklar rundt kantene. Hvis du fortsatt er forvirret av hurtigmasker, vil jeg oppfordre deg til å leke med dem for å hjelpe deg med å bryte deg om hva de gjør. Jeg har lagt merke til når de forklarer dem for andre at hurtigmasker er a få det umiddelbart eller ikke slags funksjon, men alle kommer rundt til slutt.
Dette er hurtigmask-bryteren / knappen.
Lagmasker er et verktøy som lar deg skjule eller vise deler av et lag uten å slette permanent. Hvis du klikker på et lag og deretter klikker du på knappen som er markert i bildet nedenfor, vil du legge merke til at en hvit boks vises på lagmenyen. Dette er en vedlagt lagmaske.
Lagmasker fungerer nøyaktig det samme som hurtigmasker, hovedsakelig din hvitt er vis laget, og svarte er gjem laget. Igjen, å spille med dette er en langt bedre lærer av hvordan lagmasken virker enn jeg forteller deg - eksperimenter med dette slik at du er komfortabel.
Ikonet med liten kjede indikerer at masken er bundet til laget ditt, noe som betyr at når du flytter laget ditt i dokumentet, vil maskeelementene flytte også. Hvis du klikker på låsen, kobles lagmasken, slik at den blir stasjonær når du flytter lagelementene. Det er en tid og en bruk for begge modi.
Dette er lagmaske-knappen og en lagmaske som er påført et lag.
Justeringslag er i utgangspunktet lag som styrer redigerbare filtre som kurver, nyansmetning og nivåer. Disse er blant de mest nyttige verktøyene du noensinne kan be om å perfeksjonere bildet ditt ... siden du har oppdaget dem, bruker jeg sjeldent rett justeringsfiltre til bildene mine lenger. Hvorfor ville du da et justeringslag ville gjøre like godt og forbli fullt redigerbart? Enda viktigere er at de kommer med lagmasker forhåndsapplikert, slik at du ikke bare kan redigere innstillingene for justeringsfiltret, men også måten på applikasjonen. Jeg elsker disse tingene.
For å legge til et justeringslag, klikk bare på ikonet jeg har vist uthevet nedenfor, og velg hvilken type lag du trenger. Du vil legge merke til at den kommer med en lagmaske som allerede er brukt.
Dette er justeringslagerknappen og alternativmenyen.
Ok, la oss komme tilbake til jobb. Flat kompositt- og brukerveiledningene dine for å markere minimumene når det gjelder bredde og høyde. Pass på å beskjære eventuelle resterende kanter langs toppen og bunnen av komposittbildet. Lag et rektangulært telt inne i støttelinjene (teltet burde snappe til dem) og beskjære til det valget.
Beskjær minimumene når det gjelder bredde og høyde.
Beskjæring skal gi deg et fint, rektangulært bilde som er primet og klar for fotografisk tweaks.
Beskåret komposittfoto
Avhengig av din spesielle fotografiske stil, vil du naturligvis variere mengden kontrast og tweaking du gjør fra det jeg viser deg her. Generelt prøver jeg å fange hele spekteret av verdi i mine svart-hvite bilder, fra ren svart til strålende hvit. Trikset er, du vil ikke bare bruke nivåer på tvers av hele bildet ... som vanligvis resulterer i områder som enten er for mørke eller blåst ut.
For å unngå dette, vil vi utnytte de naturlige verdiene til bildet i en Quickmask og bruke det til det aktuelle lagringslaget vi trenger. Velg hele bildet (Command + A) og kopier det (Command + C). Så, med hele bildet i utklippstavlen, bytt til Quickmask-modus og lim inn (Command + V). Dette kan ta et øyeblikk hvis bildet ditt er stort, men til slutt bør du se hele bildet slå varierende nyanser av rødt, som vist nedenfor.
Legger bildet i hurtigmaskemodus
Bytt ut av hurtigmaske, og du bør se at bildet ditt går litt nuts med de animerte punktene i utvalgsmarkeringene.
Utvalgsmerker
Gå over til lagpaletten og opprett et nivåjusteringslag. Du vil legge merke til at lagmasken festet til justeringslaget automatisk brukte hele bildemasken til å opprette varierende mørk og lys. Du har nettopp opprettet et justeringslag som justerer verdiene til bildet mer eller mindre, avhengig av hvor mørkt eller lys selve bildet er. Hvis du vil opprette andre justeringslag med samme lagmaske, kan du bare kommando-klikke på den første lagmasken for å velge den er gjennomsiktig og opprette et nytt justeringslag med det valget.
Dette er den rå teknikken for å gjøre justeringer til bildet ditt. Hvis du åpner PSD-filen "del 2", vil du se at jeg kombinerte utvalgsmetoden vi nettopp gikk gjennom med mer selektive håndlagde lagmasker for Hovedjusteringer lagsettet. Du vil nok ende med å gjøre det samme, ved å bruke brushwork for å legge til flere justering til deler og mindre til andre. Det viktige er nå du vet hvordan du får det store første trinnet ... alt annet derfra, er bare detaljer og din personlige smak.
På et organisatorisk notat, holder jeg vanligvis det opprinnelige komposittbildet (forhåndsjustering) skilt ut og gjør alt mitt arbeid inne i lagssettene ... dette gjør at jeg kan flette hele mengden justeringer enkelt og gå videre til neste trinn. Ta en titt på "del 2" PSD og du vil se hva jeg mener.
Stepping lenger inn i personlig stil, det neste jeg gjør etter at jeg har fått komposittfotoet mitt pent oppryddet og kontrastivt, er at lyset (vanligvis min hovedperson) er godt representert. Lys er slutten av alt i et bilde for meg, den store aktøren i hvordan øyet er rettet mot scenen. Lys kan gjøre eller ødelegge en sammensetning avhengig av hvordan den er fanget. Som sådan liker jeg å gi bildene mine litt ekstra kjærlighet for å hjelpe dem med å kommunisere til seeren hvordan lyset spiller om scenen.
Jeg kan ikke gå for langt i dybden med dette trinnet fordi det er helt avhengig av bildet. Men jeg vil forklare tankene mine bak det som det gjelder dette bildet. Ved å bruke laget settet med mine store justeringer som en base (flatet), starter jeg et nytt sett og deretter pause for å se på bildet mitt så langt. Spørsmålene jeg prøver å svare på er som følger:
Bildet nedenfor har noen av svarene jeg kom opp med.
Analyserer bildet for potensielle forbedringer ...
Med dette i tankene prøver jeg å gjøre hva lyset gjør litt mer tydelig. Omgivende gjenstander bør lyser litt mer, og deres skygger skal bli litt mer uttalt for å la lyset vise seg bedre. Elementer i full sollys bør få en finere behandling, slik at de ikke blir blåst ut.
Hvis lyset er spesielt sterkt (som på toppen av bildet), kan jeg ta litt kreativt lisens og legge til en liten diffust glød for å kommunisere sin glans. Til slutt legger jeg også lys inn igjen for å få detaljer, som vannets virvel og tekstur av fossen. Nedenfor er det endelige forbedrede bildet. Forbedringer med sin definisjon bør være subtile - du kan se hva jeg gjorde bedre ved å sammenligne "Major Adjustments" og "Light Enhancement" lagsettene i PSD-filen.
Endelige lysnivåer (postforbedring)
Det endelige trinnet for mine svart-hvite bilder er å legge til bare et snev av farger. Det forbløffer meg hele tiden hvor selv de minste hintene på farge kan bringe en scene til liv. I mine snødekte landskap vil jeg sannsynligvis legge til et kjøligere notat til svart og hvitt, passende for snøen og det strenge karakteret de ofte har. For dette bildet tenker jeg at et varmere notat vil gjøre.
For å legge til farge, vil vi gå tilbake til vårt favoritttrick av justeringslag med hurtigmaskeproduserte lagmasker ... Begrunnelsen bak dette er at de varmere fargene vi skal legge til, kommer fra lyset, og et jevnere, subtilt utvalg av kule farger skal tilhøre skyggene.
Etter å ha flatt opp "Light Enhancement" lagsettet, kopier og lim det nye laget til en quickmask (slik at vi får en maske med de nyeste verdiendringene inkludert). Derfra gjør du et fargebalansejusteringslag og et Hue / Saturation-justeringslag med bildevalg.
Vi begynner med å åpne justeringslaget Hue / Saturation først ... i de fleste tilfeller er fargetone og metning i et sort / hvitt bilde noe meningsløst. Men se nærmere på H / S-paletten, og du vil legge merke til en avkrysningsboks merket Colorize. Sjekk det. Nå er vi legge farge til bildet, og skyvekontrollene skifter for å indikere hvilken farge (topp) og hvor mye (midt). Justering av toppen til 45 og midten til 25 gir oss en subtil, myk, gul fargetone på bildet vårt. Husk at målet vårt ikke er å eksplodere bildet med farge, bare legg til tips for å tippe seerens oppfatning på en eller annen måte mot et varmere eller kjøligere bilde.
Fargetone metning
Siden fargebalanse har en tendens til å påvirke lys / mørkeverdiene til et bilde, pleier jeg å bruke det sparsomt, ofte for de mest subtile effekter. Igjen, ser du på PSD-filen, vil du legge merke til at jeg har brukt samme lagmaske på en kul og varm Fargebalansejusteringslag.
Du vil også legge merke til at det varme fargebalanse laget er så subtilt, det er nesten umulig å se hva det gjør. Hovedformålet er å injisere den siste lille mengden varme inn i høydepunktene i bildet. Dens motpart (den kul Color Balance) er der for å legge til en kulere fargetone til skyggene av stykket, noe som gir kontrast til de varmere fargene og hjelper fargene på scenen å vise mer dybde enn en enkel vannet ned sepia-effekt.
Fargebalanse
Når fargetone / fargemetning og fargebalanse er tweaked å smake ... er du ferdig. Gratulerer!
Fargejusteringssammenligning
Mens du har sikkert hørt øvelse gjør mester argument allerede, la meg bore deg til tårer ved å bringe den opp igjen. Mye av det vi nettopp gikk gjennom, ble utviklet via omfattende eksperimentering og praksis ... Sømning av bilder sammen for hånd er i beste fall en vanskelig oppgave. Det kan nesten sammenlignes med en uklar hobby, som skjerm utskrift t-skjorter til tross for oppfinnelsen av utskriftsbar jern-on overføring. Og mens du går, er den vanskeligere ruten ikke for alle, for de som prøver det er et ubestridelig element av personlig håndverk og ferdigheter som gjør alt verdt det.
Avansert bildejustering er imidlertid noe alle bør vite - om bare for å sikre at bildene du tar, lever opp til sitt sanne potensiale. Hvis denne opplæringen var din første eksponering for QuickMask, lagmasker og justeringslag, la det ikke være det siste. De er alle utrolig verktøy for ikke-destruktiv digital forbedring. For alle digitale fotografer, er Photoshop ditt digitale mørkerom: jo bedre du kjenner deg rundt, jo bedre blir resultatene dine.
Jeg håper absolutt at dette var en nyttig lesning for alle dere som gjorde det så langt. Ta gjerne med på galleriet mitt på worksofgregmartin.com for å se hvordan metodene jeg har delt her har manifestert i mine andre panoramabilder. Mange takk til PSDTUTS for å gi meg muligheten til å dele min samling av tips, triks og eksentrisiteter gjennom denne opplæringen.
Endelig panoramisk kompositt m / farge
Accentsconagua