Share
Hva du skal skapeDenne opplæringen ble opprinnelig publisert i februar 2011 som en Tuts + Premium-opplæring. Det er nå tilgjengelig gratis å vise. Selv om denne opplæringen ikke bruker den nyeste versjonen av Adobe Photoshop, er dens teknikker og prosess fortsatt relevante.
Å ha en karikatur som er malt av deg selv, kan være en morsom og spennende opplevelse. Det er fordi nesten alle har lurt på, på et tidspunkt, hva de ville se ut som en tegneserie eller som en illustrasjon på omslaget til et magasin.
I dagens veiledning, av veteranillustrator, vil Jason Seiler demonstrere hvordan man lager et profesjonelt karikaturportrett ved hjelp av Psdtuts Editor, Grant Friedman som et eksempel. Jason Seiles humoristiske illustrasjoner har blitt omtalt som dekker og interiørstykker for TIME, Business Week, The New York Times, The Wall Street Journal, The Weekly Standard, MAD Magazine, og mange andre.
Jason har også jobbet som tegnesigner på Tim Burtons Alice In Wonderland, som bidrar til å skape slike tegn som Red Queen, Tweedles, Bandersnatch og mer. Så hva venter du på? La oss komme i gang!
Bli inspirert! Finn flere pensler og eiendeler på Envato Market.
Følgende eiendeler ble brukt under prosessen med denne opplæringen.
Når jeg maler et portrett, fokuserer jeg mest på bare to ting. Sterk tegning, som inkluderer forståelse av menneskelig anatomi og verdier. Farge er også viktig, men mer enn farge, fokuserer jeg på temperatur. Hvis tegningen er sterk, er alt jeg trenger å gjøre, å male med de riktige verdiene. Hvis jeg gjør det, kan jeg bruke omtrent alle farger som jeg vil ha. Jeg tar opp dette fordi hvis du ser på mitt siste maleri og sammenligner det med min referanse, vil du legge merke til at fargen og stemningen i maleriet er helt annerledes enn min referanse. Jeg kommer snart inn i paletten min, men før jeg gjør det, la meg begynne i begynnelsen med skissen min om Grant.
Hvis hensikten med det jeg gjør er å lage et ferdig maleri, så er det ikke så mye for meg å bruke for mye tid på skissen. Jeg blir den første til å innrømme at likheten i skissen min kunne være bedre. Jeg skyndte meg skissen fordi jeg hadde det travelt med å fortsette med maleriet. I dag jobber jeg vanligvis på minst 3 til 5 forskjellige prosjekter for ulike kunder. Hvis jeg har tid, vil jeg bremse mens jeg skisserer og resultatene er mye sterkere. Det er faktisk sannsynligvis en god ting for denne opplæringen å vise hvordan jeg ville jobbe i en stram tidsfrist.
Så lenge strukturen er det meste der, og funksjonene er nær nok, kan jeg begynne å maleriet. Jeg har begynt malerier i fortiden med bare en grunnleggende form lagt ned og noen få markeringer som antyder hvor øynene, nesen og munnen vil være. I denne opplæringen vil du legge merke til at jeg kontinuerlig foretar justeringer og korrigeringer til min opprinnelige skisse. I stedet for å ta tiden med min tegningstegn, vil jeg i stedet bruke penselstreker for raskt å skape og skape mer nøyaktig form og sterkere likhet.
Jeg har ikke kjøpt Photoshop CS5 ennå, men jeg har hørt at den kommer med en malepalett? Jeg bruker fortsatt Photoshop CS, så jeg er litt bak. Det er greit for meg, fordi jeg egentlig ikke bruker noe annet enn penselverktøyet, viskelæret, lagene, og noen ganger sløretverktøyet. For å opprette en palett lager jeg bare et nytt dokument, og så lager jeg et nytt lag for å blande mine farger på.
Jeg bildet som jeg valgte å male fra er fryktelig. Det er åpenbart for rødt, og ser ikke naturlig ut i det hele tatt. Jeg foretrekker å ha greener og gryter i mine kjøtttoner, så jeg opprettet en palett som ligner på "Zorn-paletten". Jeg valgte en gul, gul oker, rød, fransk ultramarine, svart og hvitt.
Fra disse fargene kan jeg lage fioler, greener og appelsiner, og ved å bare bruke disse fargene, vil jeg forhåpentligvis opprettholde fargekonvensjon. Jeg vil blande mine farger på paletten, så vel som bruk min tarm ved å velge farge i fargeplukkeren. Jeg liker å plukke farger fra fargeplukkeren fordi jeg raskt kan velge en desaturated eller mettet farge, teste den og velge igjen, alt om noen få sekunder. Dette er mye raskere enn blandingsoljer.
Jeg har gjennom årene opprettet eller nedlastet børster som jeg bruker når jeg maler det meste av arbeidet mitt. For denne opplæringen bestemte jeg meg for å bruke de grunnleggende børstene som følger med Photoshop, slik at alle kan følge med. Jeg vil bare bruke Rund pensel, både hardt og mykt, og Børste # 24.
For å starte maleriet, velger jeg en Rund pensel, min opacity er satt mellom 85% til 95% og strømmen min er satt til 100% Pass på at andre dynamikker klikkes på og Shape Dynamics klikket av. Klikk Andre dynamikker igjen og sørg for at din Opacity Jitter er satt til 0% og Styre under det som er satt til Penntrykk. Nedenfor vil du se en innstilling for din Flow Jitter. Pass på at det er på 0% og at din Styre under det som er satt til av.
Jeg bytter modusen til penselen min til Multiplisere og så lag og velg en kjøttaktig farge. Jeg fyller ansiktet og nakken med den fargen alt i en gang. Jeg gjør dette fordi i "flerfunksjonsmodus", hvis jeg bruker samme farge til et område som jeg allerede har malt, vil verdien og fargen bli mørkere. Grunnen til at jeg starter på denne måten er at min linjekunst ikke vil gå tapt mens jeg ligger i en basefarge. Etter at jeg er ferdig, endrer jeg penselmodusen min tilbake til "Normal". Det samme kan oppnås ved å lage et nytt lag og sette det laget til "Multiplisere", men på dette stadiet er det ikke nødvendig å lage et nytt lag.
Deretter blander jeg en nøytral kjøtttone, noe som ikke er for varmt eller for kult, noe i midten. Jeg pleier å kaste øynene mine mye på dette stadiet, jeg ble fortalt en gang å kaste øynene mine for å se verdiene og åpne dem for å se farge. Jeg begynner å ligge i fargen på de ansiktsområdene som kommer forord, områdene ikke i skygge eller mørkeste verdi. Jeg tenker på hodet som delt inn i tre seksjoner. Pannen er generelt mer gul, huden er nærmest benet, slik at den blir mer gul. Den midterste delen av ansiktet, øynene, nesen og kinnene er typisk rød eller varm i fargen.
På noen mennesker har nesebenet et gulaktig utseende, og på tynnere mennesker vil kinnbenene også virke gulaktige, med tint grønn og grå. Den nederste halvdel av ansiktet, munnen og haken, vil være kjøligere i farge, vanligvis gråtonet litt, spesielt hos menn. Dette er en viktig ting å forstå, spesielt hvis du er i overdrivelse som jeg er. Jeg overdriver ikke bare en persons karakter eller egenskaper, men også farge.
Ved dette stadiet skifter jeg frem og tilbake mellom Rund pensel og Pensel # 24, men vil for det meste holde fast med Pensel # 24 herfra. Det er viktig under blokken i scenen å ikke zoome inn. Det er ingen grunn til å bekymre seg for detaljer, så det er ikke nødvendig å zoome inn. Jeg synes å zoome inn for tidlig er et problem som mange begynnelsesartister sliter med. Alle vil male detaljene, men detaljene kan vente. Jeg bryder meg ikke med detaljer før blokken min er ferdig. Først da begynte jeg å zoome inn. Det er også viktig å bare bruke store børster mens du blokkerer i maleriet. Hvis du bruker for lite av en pensel, vil du ønske å zoome inn for å bruke den. Så, ligner på å male tradisjonelt, starter du med større børster og zoom ikke inn inntil blokken din er ferdig.
Før jeg fortsetter la meg først forklare hvorfor jeg valgte å male på en grønn bakgrunn. Jeg satte meg ikke mye på det, den korte forklaringen er at grønn er den motsatte farge av rødt. Jeg visste at jeg ville bruke mange røde og varme farger i ansiktet hans og jeg ønsket bakgrunnen til å kompliment mitt portrett. Den andre grunnen bak dette var at Grant har en 5-timers skygge, og jeg trodde det ville være interessant å legge biter av bakgrunnsfargen inn i ansiktet hans.
Så, da jeg fortsetter å blokkere i fargen min, kan du se at jeg forlater området over munnen hans også den nederste delen av ansiktet hans, som bakgrunnen grønn. Jeg vil blande i litt kjøttfarge inn i disse områdene og sakte trekke alt sammen når jeg utvikler maleriet. En ting å merke seg er at så langt på dette stadiet av maleriet, er det ikke noe hvitt. Dette er viktig fordi mange mennesker pleier å bruke hvit for tidlig. Det er lett å gå over bord med høydepunkter og reflekterende lys, så mitt råd er å holde igjen på bruk av hvitt til flertallet av blokken din er ferdig. Og så når du bestemmer deg for at det er på tide å bruke det, ta det sakte og bygg det jevnt. Husk å gå tilbake ofte, zoome vekk eller ut, slik at du kan se bildet ditt fra en avstand. Squint øynene dine.
På dette stadiet har jeg blokkert i hvittene i tennene, men bare litt. Det er ikke noen detaljer malt inn ennå, bare forslaget om hva som kommer. Jeg har nå blokkert nok av maleriet mitt til å begynne å detaljere områder og male dem mer nøyaktig.
Når det er på tide å begynne å detaljere, begynner jeg vanligvis med øynene. For meg er øynene og munnen de viktigste to funksjonene for å få rett når du maler et portrett. Selvfølgelig er resten av ansiktet også viktig, men hvis øynene eller munnen er av, vil hele stykket lide. Ved denne fasen av maleriet er den harde delen over. Mine verdier og farger er ganske mye hva de vil være i sluttmaleriet. Alt som er igjen for meg å gjøre nå, er å bringe maleriet til en finish.
Jeg fortsetter å bruke Pensel # 24, Men når jeg maler øynene, trekker jeg meg opacity ned til ca. 68%, som hjelper meg å få mykere overganger. Jeg vil bruke så lenge det tar når du maler øynene. Jeg jobber vanligvis på ett øye for litt og deretter slutter å jobbe på den andre. Det er godt å gå frem og tilbake i stedet for å være i et område for lenge. Det er viktig å se hvordan begge øynene ser i forhold til resten av ansiktet.
Begge øynene utvikles samtidig. Det er viktig å forstå hva det er som du maler. Jeg kan ikke fortelle deg hvor mange ganger jeg har blitt bedt om å kritisere en annen kunstners arbeid, og det første jeg la merke til var at øynene ikke hadde rett. Husk at de hvite i øynene ikke er hvite. Øyebrytene er SOFT, og de øvre dekslene er alltid mørkere og tyngre enn det nederste lokket. Men det er merkelig for meg at mange av maleriene eller tegningene jeg har blitt bedt om å kritisere, har utelatt viktige elementer i øyets anatomi.
Min løsning for dette er ganske enkelt. RO NED. Ta deg tid og se på hva det er som du tegner eller maler. Ikke bare male et tilfeldig sett med ører på motivet ditt. Jeg synes det kan være lett for kunstnere å bli lat og bestemme at alle har et sett med øyne, nese, munn og et par ører, og derfor kan disse funksjonene forenkles med generiske representasjoner. Det er derfor så mange likheter ser flat og død ut. Alle funksjoner er unike og spesielle for den personen. Hvis du studerer med forsiktighet, blir arbeidet ditt fylt med livet i stedet for å mangle det.
Etter at jeg har utviklet øynene til et nesten ferdig utseende, går jeg videre til munnen. Som jeg nevnte tidligere, er øynene og munnen det viktigste, så jeg tilbringer mesteparten av tiden min maler disse to funksjonene. Når jeg maler tennene, fortsetter jeg å male med min opacity satt til 68%. Jeg prøver å tenke på hvilke tenner som er laget av, tekstur og det faktum at de er våte. Men det meste jeg tenker på er verdiene. Hvor er den letteste delen av munnen, hvor er den mørkeste delen og enda viktigere, hvordan sammenligner disse verdiene med resten av ansiktet?
Øynene og munnen er i utgangspunktet ferdig med dette stadiet. Hvis jeg legger merke til noe som trenger justering, kan jeg gå tilbake til dem mens jeg maler. Etter å ha blokkert i munnen og komme til et sted hvor jeg føler at jeg kan gå videre, begynner jeg å rekonstruere nesen. Jeg maler ut høydepunktet som jeg hadde fordi det ikke var riktig, og jeg merker også at over hele neseprøven trenger arbeid. Når det er ferdig, bestemmer jeg meg for å male på høydepunktet på nesen, men denne gangen vil jeg bli mer realistisk med det, så jeg zoomer inn enda nærmere og maler i noen porer. Dette bidrar til å selge den illusjonen at nesen kommer ut mot betrakteren.
Når jeg har øynene, nesen og munnen ganske ferdig, begynner jeg å bevege meg rundt bildet og utvikle resten av det hele sammen. Jeg blokkerer i ørene, og arbeider på kinnene, kjevelinjen og haken, så vel som biter her og der på skjorten. Mens jeg jobber på kjevelinjen og haken, merker jeg at strukturen min er av litt, så jeg begynner å trekke igjen med pensel. Den beste måten å forklare er at det er nesten som om jeg skulpturerer med leire. Tar bort litt, og legger mer til et annet område. Forsøk å ikke være i et område for lenge, og ikke bli zoomet i for nær for lenge heller.
Maleriet er nær å være ferdig med dette stadiet. Jeg jobber på pannen mykner kantene og overganger mellom verdier og begynner å jobbe på håret. Når jeg maler hår, prøver jeg å fokusere på hårets generelle form i stedet for hvert eneste hår. Jeg begynner med å først blokkere i håret med store børster, og prøver å fange hårets form og karakter. Igjen er det viktig å forstå og studere hvordan håret fungerer. Håret skal se mykt ut; Det bør være en myk og jevn overgang mellom hår og panne.
Før jeg fortsatte med håret, måtte jeg fikse noe som plaget meg. Nakken, haken og kjevelinjen virket fremdeles ikke riktig for meg. Det er godt å se på arbeidet ditt med friske øyne. Det er to måter å gjøre dette på, du kan enten gå vekk fra arbeidet ditt og komme tilbake til det senere. Dette er en god ide, og jeg anbefaler det hvis du kan. Hvis du har en stram tidsfrist, eller du bare vil fortsette, er det en enkel løsning på dette problemet. Bare rett og slett flip Bildet ditt og referanser horisontalt, slik at du ser et speilvendt speilbilde av arbeidet ditt. Jeg gjør dette ganske mye, og det hjelper mye. Umiddelbare feil i tegningen og verdiene skiller seg ut som en sår tommel. Dette virker bare en kort stund, fordi øynene dine snart vil tilpasse seg denne versjonen, men det er greit også, for når du klapper det tilbake, vil du legge merke til mer som kan justeres.
Etter å ha justert kinnene, haken og kjevelinjen, la jeg merke til at jeg hadde trukket ørene litt for stor og hadde plassert dem høyere enn de burde ha vært. For å fikse dette, repainted jeg dem mer nøyaktig hvor de burde vært så vel som formen de burde vært. Når formen var riktig, zoome jeg inn for å komme inn i de subtile farger og verdier som jeg ønsket. Jeg kunne ha valgt ørene med lassoverktøyet og brukte transformeringsverktøyet til å justere ørene, men jeg foretrekker å bare male hvordan jeg tradisjonelt ville. Jeg tror at jo mer jeg gjør det, jo mer vil det se ut som et maleri.
Før jeg fortsatte med de siste detaljene, bestemte jeg meg for å male t-skjorten. For skjorten bruker jeg mest Pensel # 24. Det er ikke noe virkelig knep for det, og ingen ekte forskjell på det jeg allerede har sagt om å male ansiktet. De samme reglene gjelder. Squint øynene dine, se etter form, verdi og farge. Jeg startet med større børster og når mine verdier var hvordan jeg ønsket, zoome jeg inn nærmere og avsluttet t-skjorten med en mindre børste.
For å male øyenbrynene, eller hår generelt, prøver jeg å huske på at håret er mykt og det er lag av hår. Mørkere hår, lettere hår, og det skal ikke se perfekt ut, selv om håret er kjedet eller stylet pent, vil det alltid være opprørske hår der de vil hvor de vil.
For å starte øyenbrynene bytter jeg penselen til en myk runde og jeg klikker på Shape Dynamics så børsten har et poeng. Deretter lager jeg et nytt lag. Jeg begynner med å blokkere i form og mørkeste verdien av øyenbrynshårene. Jeg velger deretter Blur Tool og med opacity satt rundt 25%, Jeg lager ett eller to hurtige passerer over de første lagene av hår. Jeg velger deretter en lysere verdi, maler dem inn, og deretter bruker du uskarphetet til å myke dem alle sammen.
Deretter lager jeg et nytt lag over det første laget. Jeg velger en jevnere lysere verdi og male i noen tilfeldige hår, og deretter en mørk verdi igjen for mørkere tilfeldig hår. Jeg bruker Blur Tool igjen, men bare bare et snev. Noen ganger vil jeg velge viskelær og justere opacity slik at det bare er 30% eller så og så legger jeg et lyspass over hårene. Dette vil myke dem og skyve dem litt tilbake, noe som gir det et "ekte" utseende.
De samme trinnene som jeg delte for øyenbrynene gjelder også håret. Jeg lager først et nytt lag og begynner å male i mørke hår og lettere hår. Jeg myker dem med Blur Tool akkurat som jeg gjorde med øyenbrynene, men jeg vil gjenta dette trinnet noen ganger eller så, og gi håret kropp og dybde. Jeg lager flere lag og fortsetter denne prosessen til den ser ut til meg. Jeg bruker fotoredigeringen som en guide, men jeg prøver aldri å male hvert eneste hår. Jeg liker å male hår og freestyle ganske mye mens du maler det. Jeg vil at den skal fange mitt emne, men har også eget liv og karakter.
På dette stadiet er maleriet i utgangspunktet ferdig med unntak av et par siste detaljer. For å legge stubben til Grants ansikt skapte jeg et nytt lag og endret Blend Mode til Multiplisere. Jeg velger en Myk rund pensel og så øyedråper hudfargen som jeg skal male på toppen av. Jeg prøver ikke å kopiere det jeg ser i referansebildet mitt, i stedet maler jeg mitt inntrykk. Ha det gøy med det, og overdriv, vær bare forsiktig med hvor langt du går med overdrivelsen. Du vil ikke miste "karakteren" til emnet ditt.
Jeg begynner med å male tilfeldige hår og prikker til jeg har fylt området jeg vil fylle. Jeg velger deretter uskarphetverktøyet og gjør lett pass over stubben. Jeg velger deretter Eraser Tool og trekk den opacity ned til 30% og tørk forsiktig over hårene. Dette skyver dem tilbake i ansiktet, noe som resulterer i et naturlig og organisk utseende. Deretter lager et nytt lag for ekstra hårtekstur. Med Myk rund pensel fortsatt valgt, klikk Shape Dynamics på, slik at børsten din har et poeng. Deretter maler jeg i lysere hår og mørkere hår, legger dem på toppen av områder hvor verdier krysser. Dette vil myke disse områdene og igjen, ha et realistisk utseende. Hvis du vil at du kan gjøre et raskt pass over disse hårene med uskarpt verktøy.
Jeg legger vanligvis litt støy på mine malerier fordi det bidrar til å gi dem mer av et tradisjonelt og illustrert utseende. Dette kan ikke være for alle. Jeg har faktisk lagt til støy på dette maleriet tidligere i demonstrasjonen, men det er også noe du kan vente med å gjøre til slutten. Jeg foreslår at hvis du bestemmer deg for å legge til støyen tidlig i maleriet, så holder du "støvelaget" av når du bruker øyedråppverktøyet til å velge eller blande farge. Hvis laget ditt er på, vil støyen forstyrre de "faktiske" farger eller verdier du har tenkt å velge.
For å lage et lag av støy. Lag et nytt lag, som vil være ditt øverste lag. Åpne din Fargevelger og velg 75% svart og 0% til cyan, Magenta, og Gul. Velg ditt "bøtte" verktøy og fyll det nye laget med 75% svart. Deretter går til filtre og velg Bråk. Du må prøve de forskjellige innstillingene for å finne ut hva som passer best for deg. Når du har valgt støy, gå tilbake til Filtre og velg "uskarphet mer". Deretter velger du "støv og riper" i "Støy" -mappen. Du kan velge det to eller tre ganger hvis du vil. Deretter går du til din Layer Blend Mode og endre den til Mykt lys. Jeg holder vanligvis min opacity mellom 20% til 40%, det avhenger av effekten du går på.
Jeg håper du har hatt denne opplæringen på maleri. Maleri kan være en ekte kamp, tro meg, jeg vet det. Ikke gi opp på det, og ikke forvent at du kan male over natten. Det krever mye arbeid og mye utholdenhet, og etter min erfaring vil det alltid være frustrasjoner mens man maler. Det vil alltid være plass til å vokse, og nye ting å lære. Hvis du har en vanskelig tid å lære å blande farge, eller forstå verdier, gjør deg selv en tjeneste og slå av datamaskinen. Få ut "ekte" maling, og lær hva det betyr å "virkelig" male. Å vite hvordan man maler tradisjonelt, er den eneste grunnen til at jeg kan male måten jeg gjør digitalt.
Accentsconagua