Share
Karakterutformingen kommer i mange stiler, men alle begynner med grov skisse. Ofte oversett i online opplæringsprogrammer, teknikk og prosessvideoer, de er grunnlaget for å skape kvalitetskarakterer. Følgende er en oversikt over grove skisser fra noen fantastiske tegndesignere, med mange forskjellige stiler og tilnærminger.
Dette innlegget er dag 3 i vår tegneserieeksjon. Kreative økterDenne artikkelen gir leseren et innblikk i ikke bare linjene selv på papir - eller bare den ferdige illustrasjonen - men heller en titt på tankeprosessen til disse kunstnerne på det grove skissefasen. Jeg har spurt et utvalg få karakterdesignere hvis arbeid jeg beundrer for å dele med oss hvordan deres tegn kommer til liv. Jeg skal begynne med min egen prosess, og fortsett med å dele det inspirerende arbeidet til mine medarbeiderne.
Jeg liker å jobbe veldig løs på det grove skissefasen. Faktisk bestilte jeg ledere fra Russland med fede 5,6 mm ledninger for å sikre at jeg ikke kan gå i detalj på dette stadiet i prosessen. Dette dovetails med stilen av linjekunst jeg bruker i mitt illustrasjonsarbeid også.
Som du ser fra grovt skisse av denne tegneseriefigur jeg nylig opprettet for en klient, er den første skissen veldig, veldig løs. Det jeg ser for å oppnå her er energi, flyt og rytme. Jeg ser for å finne overordnede proporsjoner for å jobbe med og for å se hvordan figurene fungerer sammen, inkludert negativ plass.
Jeg skal jobbe med 5-10 av disse til å begynne med. Ingen viskelær, bare grafitt. Jeg gjør dette spesielt for å unngå å omarbeide skissen eller fokusere for mye på detaljer. Det kommer neste.
Det neste trinnet er å ta med den løse skissen i Photoshop og forfinne alt. Med en Wacom Intuos4 grafikkort og den nye Rotate Canvas-funksjonen i Photoshop CS4, gjør det det mye lettere å etterligne prosessen med skisse på papir, med den ekstra fordelen av lag og alle de andre verktøyene som er tilgjengelige..
Når den endelige skissen er fullført, brukes den svært nært som en mal når du oppretter den endelige illustrasjonen i vektorform.
George Coghill er en illustratør og tegneserieutøver som spesialiserer seg på tegneserie karakterdesign for maskoter og logoer. Hans arbeid kan ses på CoghillCartooning og hans blogg, og du kan følge ham på Twitter @gcoghill.
Etter å ha studert prosjektets kort, og leter etter referanser, begynner jeg å dolle i Photoshop med min Wacom Cintiq. Siden jeg kjøpte den, har jeg glemt papir og blyant, og jeg gjør alt digitalt fordi det er raskere. Jeg kan gjøre mange forandringer og korrigeringer som jeg ikke kan med tradisjonelle medier.
Første ting jeg gjør er å prøve å få den rette stillingen som kommuniserer den etterspurte holdningen, for Otter Ninja jeg var på utkikk etter en middels og edgy, men likevel søt, holdning. Jeg gjør den tradisjonelle dummien og jobber med stillingen til den er klar, og tar vare på proporsjoner og handlingslinjer.
Når jeg er fornøyd med skissen, legger jeg opaktheten ned, legger et lag på toppen og omarbeider skissen igjen og igjen, legger mer og mer detaljert inntil jeg får den endelige skissen.
Når jeg får den endelige skissen, jobber jeg den endelige linjeskriften i høy oppløsning (rundt 7000x7000 piksler) med min Wacom Cintiq og Photoshop. Om nødvendig bruker jeg Illustrator til å vektorisere linjeskiftet og endre linjevikt.
Sergio Ordóñez er en 31-årig spansk freelance web-grafisk designer og Illustrator basert i Berlin. Sjekk ut hans blogg, portefølje, Twitter og DeviantArt sider.
Nesten alle mine prosjekter begynner som blyantskitser. Mesteparten av arbeidet mitt dreier seg om 3D-modellering, men jeg trener karakterdesignet i en Moleskine skissebok ved hjelp av en HB-blyant eller en Faber Aquarelle. Jeg skinner av og til med Wacom i Photoshop, men jeg liker den avslappede følelsen av blyant på papir.
Etter at jeg har opprinnelig kort, spenderer jeg litt tid på å bare kaste ned noen linjer på en veldig løs måte, bare med fokus på form og form og ikke mye annet. Når jeg slår på en fin form eller silhuett som tilfredsstiller behovene til jobben, begynner jeg å raffinere det litt og trene mer av detaljer, øyne, funksjoner, tilbehør osv..
Hvis designet begynner å fungere, vil jeg gjøre noen grove dreier for å få en følelse av karakteren i 3D-rom. Hvis det skal modelleres, må jeg tenke i 3D helt fra starten. For en tegnmodell kan du enten lage en modell fra referansebilder importert til visningsport, i så fall trenger du et bilde som representerer front- og sideprofiler.
Med bokmodellering er det mye mer som å jobbe med leire, og du finjusterer et tegn fra en grunnleggende primitiv i perspektivvisning.
Å vite hvordan jeg skal modellere et prosjekt dikterer hvordan jeg skal forberede den første skissen. Å ha et tegn utarbeidet i 3D-dimensjoner ved blyantspillet sparer tid senere nedover linjen.
Eksempelet jeg har brukt her er et tegn som heter Spring Heeled Jack, og jeg ønsket å negle en høy, spooky ser fyr med rødt hår. Jeg gjorde omtrent fem sider med former, og to av dem ble grunnlaget for Jack (se Moleskine-sider). Jeg styrket noen av hans skisser og detaljer, så gikk videre og skisserte hele kroppen sin i noen forskjellige poser. Jeg brukte en sterk blekkoversikt over blyantlinjene mine.
Glen Southern er en freelance karaktermodeller som jobber fra sitt hjemmestudio i Cheshire i Storbritannia. Hans arbeid er brukt i tv-, film-, spill- og leketøydesign.
Sjekk ham ut online på southerngfx.co.uk, hans blogg og på Twitter som @southerngfx.
Rough sketching for meg er som å åpne opp flodportene i mitt sinn. Noen av bildene jeg tegner ut er passende, og andre er ikke, og det er OK. På dette spesifikke prosjektet snublet datteren min inn i studioet mitt, og hun kom inn i strømmen av ting også. Jeg likte ideen hennes så mye jeg dratt den av og repurposed den. Jeg kaller dette "Genetisk opphavsrett."
Seriøst skjønt, bruker jeg vanligvis en vanlig gammel 2B blyant. 2B eller ikke 2B, det er blyanten. Jeg kan også bruke min mekaniske blyant, men sjelden siden det på dette stadiet handler det om å fange ideer og begynne å formulere visualer og ikke raffinere dem. Jeg trekker også på noe i øyeblikket av inspirasjon, det være seg et stykke bondpapir, notatpapir eller serviett. Inspirasjon treffer meg hele tiden på dagen, og jeg kan sjelden planlegge for det, så jeg bare sørger for å fange den når det kommer til.
Jeg er også en doodlehorder. Betyr selv om jeg skisserer noe jeg ikke vil bruke, lagrer jeg det, legg det inn i en mappe, så jeg kan referere det senere. Jeg bruker muligens det som et springbrett for en annen ide. Fornybar kreativ energi, om du vil.
Von Glitscka kan bli funnet online på GlitschkaStudios.com og twitter som @vonster.
Når jeg starter et prosjekt, prøver jeg å få så mye informasjon fra klienten som mulig. Derfra begynner jeg med svært små grove skisser. I dette begynnelsestrinnet prøver jeg bare å trene ut figurene og rask gest av karakteren.
Arbeider liten hjelper meg å ikke bli fanget opp i detaljer (noe jeg pleier å gjøre).
Når jeg har en liten skisse som jeg føler vil fungere bra, begynner jeg å jobbe større for å stramme bevegelsen, legge til detaljer og uttrykk. Ofte blir denne andre etappen til sluttskissen (avhengig av hvor kompleks karakterdesignet er), eller det vil være en, større og enda mer stramt tegning.
Når jeg har en endelig skisse, sender jeg den til klienten for godkjenning, og så er det fargetid! Mine favoritt skisse blyanter er blå Col-Erase blyanter av Prismacolor og vanlig ol 'Bic mekaniske blyanter.
Du kan se ting og søppel som Katie liker å trekke på sine nettsteder: katiemcdee.blogspot.com og katiemcdee.com.
Denne ninjaen ble opprettet for en kundes e-postkampanje. Han gjør ikke-sucky lyd healing. Som i ikke-spesielt-nutty-and-hippie lyd healing arbeid. Han elsker å bruke sjokolade og ninjaer som utstyr for å forklare sitt arbeid, dermed ninja og rekordkake.
Vanligvis sender jeg en klient grov skisser før jeg dykker inn i finalen, men det avhenger også av hvem jeg jobber med. Noen ganger kan folk bli forvirret og redd av roughs, så det er bedre for noen å sende "endelig" kunst til tweak. Det tar mye å bli kjent med en klient for å ta den beslutningen, og begge kan fungere fint når de brukes sammen med den aktuelle personen.
I dette tilfellet var noen skisser jeg gjorde bare for min skyld, så jeg jobbet mye roligere enn jeg ville hvis jeg viste dem til klienten. Siden jeg jobbet mens jeg var på reise, brukte jeg min iPhone til å få et bilde av skissen. Dette prosjektet brukte ghettoskanning og den groveste skisse noensinne. De viktigste delene for meg å komme seg ned på papir var energien og grunnleggingen av objekter. Jeg ønsket også å lage denne karakteren i et firkantet mellomrom for å gi klienten min de fleste mulighetene for å plassere den i hans e-post og nettside, så jeg måtte få det ned i skissen.
Min prosess i Illustrator er enkel. Jeg legger skissen på et lag, reduserer opaciteten og låser den. På et nytt lag begynner jeg å lage enkle figurer for å skissere figuren. Da begynner jeg å justere figurene (ingen fylling ennå) for å skape tegnet. I de siste trinnene bruker jeg penselstreker for å lage aksenter og ting som krever litt teft, som belte, øyenbryn og mansjetter. Disse krever mer av en malerisk teknikk, som hovedsakelig er hvor min penntablet kommer til nytte. Da begynner jeg å snu rundt med farger, som du kan se i dette tilfellet er minimal.
Lær mer om hvordan David skaper kunst for kunder på hans nettsted på sparkyfirepants.com.
Jeg jobber vanligvis løs når jeg starter tegndesignprosessen. På dette stadiet fokuserer jeg på form, proporsjon og å finne en samlet silhuett som leser godt - noe som fanger essensen av karakteren. Skjemaet skal legge til visuell informasjon som fanger karakteren eller karakteren til karakteren.
Minotaur, som avbildet i historien, var låst opp i labyrinten fra en svært tidlig alder. Han var av kongelig blod, halv mann og halve oksen. Han festet på uvitende ofre som ble sendt til labyrinten. Jeg prøvde å øke sin truende utseende ved å tegne karakteren med skarpe, vinklede linjer. Karakterutformingen min er i stor grad påvirket av animasjon. Detaljer er minimal til fordel for enkelhet.
Jeg eksperimenterer ofte med forskjellige former for både hode og kropp. For hodet, i tillegg til den overordnede formen, liker jeg å se effekten av å flytte horisontal øyelinjen opp eller ned, eller variere mellomrommet mellom øynene. Disse teknikkene, når de brukes singulært eller kollektivt, kan skape en dramatisk forskjellig karakter. Det overordnede målet for meg er å finne et design som fanger karakterens personlighet. Utforskingsprosessen er den delen jeg liker mest!
Jeg forlater alle detaljene for blekkstadiet, som utføres digitalt ved hjelp av en Wacom Intuos4-tavle og Corel Painter X. Farger brukes ved hjelp av Photoshop. I det siste er arbeidsflyten min 100% digital, ved hjelp av en nettbrett, Painter X og Photoshop CS4.
Krishna M. Sadasivam er en frilans digital illustratør og tegneserier basert i Tampa, Florida. Hans arbeid finner du på SivamStudios.
Når jeg først kommer opp med en ide om et tegn på egen hånd, er jeg vanligvis veldig spent og bildet, karakteren i handling utgjør, gjør alle slags vanvittige ting. De virker veldig levende for meg, selv om jeg faktisk vet lite om hvordan de egentlig ser ut.
Når jeg blir bedt om å skape et tegn til noen andre, kaster jeg vanligvis ned noen grove former, eller et ansikt, og til slutt blir jeg overrakt med samme følelse av spenning som jeg får om mine egne karakterideer. De ser da veldig levende igjen, og jeg ser og føler at de beveger seg og snakker.
Min tilnærming til det grove skissefasen begynner med tilfeldige grafiske former som forhåpentligvis demonstrerer personlig eller noen handling jeg ser tegnet gjør i mitt sinn. Jeg prøver å jobbe dette veldig fort og løs i begynnelsen, prøver å fange energien til tegnet og entusiasmen jeg har for å tegne dem.
Disse figurene ende opp med å være mange sirkler og rett til kurve former for å produsere en meget flat grafisk UPA type design. Noen ganger er disse grove tegningene de beste tegningene jeg lager, og jeg bruker mye tid på å prøve å kopiere dem senere i en oppryddet versjon sammen med andre detaljer som klær osv..
Frank er en freelance illustratør / artist som bor i Los Angeles-området. Du kan besøke hans nettsted eller finne ham på Twitter.
Min tankeprosess varierer ganske sterkt fra prosjekt til prosjekt. Ved mange anledninger vil en karakteridee bare få pop i hodet mitt, og jeg må skisse det så fort som mulig. Dette er hvordan mastodon-ish cyclops-fjellet som fungerer som fokuspunkt for et stykke jeg ringte "Sanctuary" ble født.
Jeg opprettet brikken spesielt for et gallerishow jeg deltok i i juli 2009. I utgangspunktet visste jeg at jeg ønsket å skape et tegn som var en levende struktur av noe slag, noe som var stort, mildt utseende, og jeg ville definitivt ha en elefantstammen jobbet inn. Hvis jeg husker riktig, endte jeg med å tegne i de bøyde hornene i den opprinnelige skissen for å legge til litt vinkelskarphet og maskulinitet (skjemaene var litt klumpete og trygge for min smak) og for å balansere den tynne toppen med bredere fjellbase.
Mange ganger kan bisarre konsepter og blandinger av elementer gi noen ganske skummel utseende, dementerte utseende tegn, men jeg ville virkelig at denne fyren hadde en velvilje til ham. Jeg synes størrelsen og åpenheten i øyet bidrar til å formidle det. Også, mangel på skuldre (det er et fjell, tross alt!) Hjelper ganske mye. Dyrets milde natur er enda mer fremhevet i det endelige stykket, hvor jeg med vilje ga alle de andre dyrene, med unntak av kaninen, en slags vilt-ambivalent stirring. Kontrasten legger litt mer visdom og bevissthet til mastodonfjellets utseende, tror jeg.
For det meste, når jeg skisserer, er det bare å få ideer ut. Jeg bruker skissene mine som referanser for mitt endelige arbeid (som jeg forbereder og lager digitalt ved hjelp av Adobe Illustrator), ikke sporbare maler. Jeg setter vanligvis bare skisseboken min på datamaskinskranken min og redraw den opprinnelige grove, gjør justeringer og endringer, legger i farger, skygge osv..
Som et resultat, har mine skisser en tendens til å være veldig grov og slurvet (dette er en av mine finere, tro det eller ikke!). Tvert imot pleier jeg å forsøke å holde vektortegningen så ren og presis som mulig, selv når de ser løs og fri. Så det meste av tankeprosessen min og selve konseptualiseringen kommer bra etter at den første skissen er født.
Chris Leavens, basert i Los Angeles, jobber primært som en illustratør av bisarre skapninger og lunefull scener. Mer info og bilder kan bli funnet på hans porteføljeside, på Flickr, eller via Twitter.
Jeg tar hensyn til flere ting før jeg begynner å jobbe med en karakter. Hvem er denne kunsten til? Hva er aldersgruppen og hvem skal det appellere til? Hvordan og hvor skal det brukes? Alle disse spørsmålene vil hjelpe meg med å finne ut hvilken type kunst jeg må produsere.
Jeg begynner å rive ut skissene mine etter at jeg har det grunnleggende. Hvert prosjekt er annerledes, men for det meste er prosessen det samme. Jeg jobber opp alle mine grove skisser ved hjelp av en rød mekanisk blyant. Dette er hvor jeg gjør min feil og prøver forskjellige ting. Neste Irefine med en 2mmredlead holder. Merk: Grunnen til at jeg bruker rød er ganske enkelt fordi det er den enkleste fargen å finne.
Når tegningen ser bra ut, sporer jeg den med en 2 eller 3b grafitt blyant. Det siste trinnet er å skanne illustrasjonen og bringe den inn i Photoshop hvor jeg bruker glidebryteren og metningen til å fjerne alle de røde røde blyantlinjene. Denne prosessen sparer meg en enorm mengde tid, og lar meg presentere en god ren blyant til min klient for godkjenning før jeg går over til sluttfasen.
Jeg heter Bob Ostrom. Jeg har den beste jobben i verden. Jeg er en artist. For de siste 21 årene har jeg gjort alle slags kule ting ... logoer, spill, leker, tegneserier for tegneserier og til og med videospill, men min favoritt ting å jobbe med er barnebøker. Du har kanskje sett noen av bøkene mine på nettet, på biblioteket eller i din favoritt bokhandel. Sjekk ut min side eller følg meg på Twitter @ bobostromstudio.
Som med hvilken som helst design, begynner jeg med å samle referansebilder ved å bruke et av de mest kraftige og nyttige verktøyene i samlingen min, som er Google. Tilbake i dagen før fremkomsten av internett var alternativet å skure biblioteker og bokhandlere i en kostbar, tidkrevende og ofte forgjeves søken. Internett lar meg gjøre dette med uendelig mer fart og produktivitet.
Etter å ha sortert mine referanser begynner jeg å få mine ideer og innledende skisser ned på papir, vanligvis bare ved hjelp av billig kopipapir som jeg også bruker til min skriver. Selv om jeg eier en Wacom grafikkbrett, finner jeg denne metoden som passer meg best som den er bærbar, og jeg finner enkle ark papir er lettere å organisere ideene mine som jeg kan tarea seksjon fra en side som jeg liker noe jeg er motvillig til å gjøre når bruker en skissepute.
Jeg bruker en 0,5 mm mekanisk blyant for å tegne med HB-ledninger. De som har tjent og varte meg best er Pentel P205 blyanter. En av dem har vært med meg siden collage og jobber fortsatt perfekt i dag, til tross for at de blir brukt og misbrukt av mine to unge sønner til eget kunstverk. Jeg prøver å kjøpe anstendig kvalitetsledelse, da billige alternativer ofte gir dårlige resultater.
I de tidlige stadiene av skisse har jeg min egen mentale kort for følelsen av karakteren, som hvor grafisk eller illustrerende jeg vil ha den, og hvilke egenskaper jeg vil ha den til. Alle skissene mine starter med enkle former for å bygge form og komposisjon, og dette er scenen hvor jeg prøver å få karakterens følelse. I dette designet prøver jeg å vise Monkey's humør, sint side, men tar også et element av refleksjon i hans tanker. Slags postkamp, indre uro.
Når jeg har oppnådd noe jeg kommer til å like, flytter jeg over til å bruke en layoutpute. Min egen preferanse er Goldline A4 layout pads. Disse er laget av halv gjennomsiktig (50gsm) papir som er glatt å trekke på og relativt billig. De tar også blekk og markører veldig bra og er perfekte for visuelle effekter.
Jeg legger grov skisse under arket med layoutpapir, og dette er punktet der jeg forbereder skissen og inneholder mer detaljer. kan ofte lage flere visuals, gjøre revisjoner mens jeg går, til jeg er fornøyd med resultatene. Det er også tiden jeg begynner å tenke på hvordan jeg skal konvertere den til vektorer. Imidlertid er ingenting satt i stein her, og ting kan ofte endres under vektorprosessen, og de gjør det vanligvis.
Scott Jacksons illustrasjonsarbeid kan ses på iamscotty.com.
Dette er en skisse og endelig kunst av Futureboy, et tegn jeg opprettet rundt 1997. Den opprinnelige versjonen av ham var litt klumpete og kompliserte, så i fjor bestemte jeg meg for å oppdatere og forenkle ham. Det var en tid da jeg ville tegne utrolig detaljerte skisser. Nå som jeg tegner mesteparten av kunsten min digitalt i stedet for på papir, blir skissene mine blitt grovere. De er mer som påminnelser om å tegne noe senere, som et "Ikke glem å kjøpe melk" notat.
For meg gir en grov skisse meg mer kreativ og spontan når jeg gjør den endelige tegningen.
Bob Canadas arbeid finner du på Flickr og på hans illustrasjonsblogg.
Accentsconagua