Share
I dag har vi gleden av å møte grafisk designer og typograf Claire Coullon. Opprinnelig fra Frankrike, men nå bor i Praha, Tsjekkia, snakker hun om sin kjærlighet til typografi, samarbeider sin egen designstudio med sin partner og om arbeidet kommer i vei for hennes personlige forhold. Hun gir oss også litt verdifull innsikt i hennes håndskrevne typografi og betydningen av å dele med design samfunnet.
Omgir deg i type, besettelse over bokstaver hvor du ser dem; Jo flere bokstaver du ser på, jo mer kan du se mulighetene i dem og hvordan deres opptreden er forskjellig gjennom alder, klassifisering og kultur.
Jeg er en grafisk designer og typograf som driver med et lite designstudio kalt Op45. Mine hovedområder er hovedsakelig innen typografi og utskrift, spesielt tilpasset type, logo design og branding, håndbokstaver, layout og bokdesign. Opprinnelig fra Frankrike vokste jeg opp i Europa og Midtøsten og bor for tiden i Praha, Tsjekkia. Min partner og jeg har kjørt Op45 heltid i litt over 3 år og før jobbet jeg i et design- og kommunikasjonsbyrå i Brussel, Belgia.
Når jeg ikke jobber, doodler jeg mye (selv om jeg ikke tror at det skulle klassifiseres som "borte fra typografi" ...), elsker å bevege seg rundt og reise, lese osv. Arbeid har en tendens til å overta gratis tid mye skjønt, noe som jeg har prøvd å balansere ut bedre.
Jeg fikk mest inn i typografi under kunst og design grunnkurset jeg tok etter å ha fullført skolen. For hver prosjektoppgave måtte vi utvikle disse store A1-ideebordene, og mine hadde ofte brev tegninger mer enn noe annet. Jeg brukte mye tid på å tegne eksisterende skrifttyper, som var stor forskning og praksis for å lære seg å gjenkjenne de vanskelige brevformene, forskjellige stiler, etc. I det året begynte jeg også å bli interessert i oversettelsen av innholdet, meningen og fonetikken av språk til typografiske visuals, noe som har stått fast med meg siden.
I løpet av min BA-grad etter det, hadde de fleste av mine tidlige prosjekter involvert håndtegnet type på en eller annen måte, selv om jeg følte det da sikkert at jeg skulle gjøre noe annet også. Jeg pleide å prøve og tvinge meg til å gjøre andre ting, som litt illustrasjon, animasjon osv. (Med generelt svært middelmådige resultater), inntil jeg skjønte at det ikke er å snyte eller "for lett" å gjøre det du liker mest. I løpet av 3 års kurset gjorde jeg for det meste selvstartte prosjekter som først og fremst brukte typografi, så å utforske områder som lingvistikk, lydene av forskjellige språk, personifisering av bokstaver og ord, brevpress og trykking, kombinasjon av type og fotografi, ramme animasjoner, noen tidlige skrifttypedesigner osv. Mitt siste prosjekt var en bok som utforsket den visuelle ordformen, noe som jeg lærte mye av. Selvfølgelig har arbeidet jeg har gjort nå endret seg mye siden da, men jeg tror at håndlaget bakgrunn og fokus på prosessen definitivt har endret seg.
Oppsettet mitt er ganske enkelt da jeg ikke virkelig oppgraderer ting med mindre det er helt nødvendig. Jeg bruker en Mac bærbar datamaskin og en grunnleggende skanner / skriver for det meste av mitt arbeid, samt en gammel bærbar PC som en lysboks. Jeg har ikke en tablett og jobber vanligvis fra skisser først, vektorerer dem manuelt med pennverktøyet. Jeg bruker Adobe CS3 (oftest Illustrator, men også InDesign for noe layout relatert og fyrverkeri for sporadisk webarbeid) og FontLab Studio for skrifttyper og noen ganger logoer. Siden jeg jobber for hånd mye, bruker jeg mange skissebøker av forskjellige størrelser, stabler av skriverpapir og forskjellige penner, blyanter, en quill og noen pensler.
Da jeg laget min første porteføljeside for mange år siden, kom en av mine gamle kunstskolelærere i kontakt da hun var på utkikk etter noe som lignet på henne og hennes manns malerier. Siden Darren hadde en bakgrunn i webdesign og kunst, jobbet vi sammen med å lage dem et nettsted, en liten animasjon og et kort stykke musikk, noe som førte til et annet prosjekt takket være deres anbefaling. Mens vi jobbet med dem, trodde vi det ville være fornuftig å ha vår egen hjemmeside så kort gikk frem og tilbake på et navn, og det gikk bare derfra. Dessverre er vi seriøst bak på å oppdatere vår "nåværende" nettside!
Det var ganske merkelig i den forstand at det ikke var planlagt eller til og med virkelig tenkt ut; det skjedde bare slags. Jeg forlot jobben min da vi flyttet til Storbritannia, og mens jeg søkte kort etter en annen stilling der, fikk vi noen større prosjekter og nettopp endte med å kjøre Op45 på heltid. For meg synes jeg å jobbe i et byrå først var viktig fordi det er så annerledes enn universitetsmiljøet, hvor jeg jobbet mye på selvstartte prosjekter mye oftere enn "virkelige livsoppdrag", hadde tøffere tidsfrister mv..
Så en av de store prosperene med å jobbe som en intern designer var definitivt å bli komfortabel med den tekniske siden av ting som virker: skrive forslag, klientpresentasjoner, koordinere med skrivere og utviklere, etc. En annen fordel var å lære å jobbe med større bedrifter innenfor deres corporate stil, som er en god øvelse i selvbeherskelse ved å sørge for at din egen personlige stil er svært fleksibel og kan være ubetydelig. Men ulemper som; ikke å kunne velge prosjektene, ha mindre kontroll, ikke alltid kunne snakke direkte med en klient under orienteringer; holdt meg litt for løsrevet fra arbeidet og de ville bli viktige fordeler med å jobbe selvstendig.
Selvfølgelig, alt dette avhenger stort sett av arten, stilen og størrelsen på byrået, så vel som din egen individuelle rolle. Å være selvstendig næringsdrivende, jeg elsker også å kunne velge mitt eget fokus, ha helt forskjellige tidsplaner, avhengig av bestemte dager / klienter / tidssoner osv. Ulemper er for det meste bare de typiske problemene med å håndtere administrasjonen av å drive en bedrift, Sørg for ikke å la arbeidet løpe inn i din egen tid, det kan være vanskelig å balansere, spesielt når du nyter det. Å bli kjent for en design stil kan være litt begrensende, du kan ende opp med mindre nye utfordringer når du bygger opp en portefølje.
Samarbeider har ikke satt på press på forholdet eller tvunget oss til å løsne oss selv mens de jobber virkelig, vår rapport forblir den samme og studioet er alltid avslappet.
Det kommer naturlig, vi både hopper ideer og forslag fra hverandre veldig enkelt og har gjort i årevis. Selv om vi ofte har egne prosjekter, har vi gjennom årene blitt avhengige av respekt for hverandres meninger på alle medier, og det hjelper spesielt med å få tilbakemelding fra noen umiddelbart for hånden, hvem vet dere like godt som de kjenner til arbeidet. Samarbeider har ikke satt på press på forholdet eller tvunget oss til å løsne oss selv mens de jobber virkelig, vår rapport forblir den samme og studioet er alltid avslappet. Vi tilbringer mye tid sammen, så det er ikke veldig mye behov for å balansere arbeid og liv i den forstand - de to er ganske lykkelig vevd.
Jeg starter vanligvis på samme måte som jeg gjør logoer eller annet tilpasset type arbeid: Ved å trekke ut mange raske variasjoner for å se hva som fungerer best. Vanligvis sporer jeg eller trekker bedre versjoner ut fra de grove utkastene, vurderer og forbedrer ting som vekt, sammensetning og avstand. Når det er sagt, avhenger det mye av prosjektets art og dens stilte stil. For noen mer lyse personlige prosjekter pleier jeg vanligvis å lage lite eller ingen planlegging og tegne med en gang i penn (som for gratulasjonskort eller skissebøker) eller bare holde fast i blyant. Resultatene har alltid noen naturlige ufullkommenheter og en veldig åpenbart håndgjort estetikk, men til slutt er det sjarmen til tilnærmingen. Jeg liker å jobbe på denne måten som det tvinger meg til å gi slipp på detaljene og akseptere at det kommer til å være litt dårlig kerning, ujevn vekt etc. Det gir en fin kontrast fra å jobbe digitalt, hvor jeg ofte bruker mye tid på å raffinere og gjør mindre justeringer. Jeg tror ikke jeg foretrekker den ene over den andre skjønt, særlig fordi jeg vanligvis starter med tegning av hånden uansett, om det vil bli digitalisert etterpå eller ikke.
Det er først og fremst fordi jeg liker prosessen og utviklingen av prosjekter, ofte så mye som de endelige brikkene. Jeg er alltid glad i å lese fremstilling av artikler for skrifttyper, særlig fordi de markerer alle detaljer og minuttfunksjoner som kanskje ikke er tydelige ved første øyekast. Oppsettet av nettstedet mitt gjør at jeg kan påpeke disse detaljene, som for eksempel på Cuberto-logoen. Det er alltid konsepter, bestemte beslutninger og begrunnelse bak visuelt arbeid, så det er fornuftig å understreke det og vise at det ikke bare er et fint bilde.
Det er også nyttig å vise potensielle kunder hvordan jeg nærmer seg prosjekter og få en ide om designprosessen. Bookouture-prosjektet demonstrerer for eksempel virkelig den potensielle fordelen ved å utforske flere konsepter, da vi trakk inspirasjon fra de beste elementene i alle tre innledende skisser for å skape et sterkere endelige stykke.
Da jeg først satte opp for å lage mitt porteføljes nettside på denne måten, tenkte jeg ikke særlig på det som spesielt nyttig for alle som det egentlig ikke er satt opp i en opplæringsveiledning, men en dokumentasjon av hvert enkelt stykke. Jeg har imidlertid siden funnet at det er nyttig å kunne vise andre eksempler på spesifikke trinn direkte - spesielt skissen til vektortrinnet og hvor mye variasjon eksisterer mellom selv den mest raffinerte skissen og det endelige digitale arbeidet.
Jeg er ikke sikker på om jeg synes det er viktig å måtte gi noe til Grafisk Design-fellesskapet; designere og kunstnere har alltid trukket innflytelse fra andre verk uten at det faktisk må gis noe direkte. Men hvis en del av det som gjør arbeidet med design så hyggelig for deg, skjer det bare bra for alle.
Bare å se på typografi er en fin måte å dykke dypere inn i den. Omgir deg i type, besettelse over bokstaver hvor du ser dem; Jo flere bokstaver du ser på, jo mer kan du se mulighetene i dem og hvordan deres opptreden er forskjellig gjennom alder, klassifisering og kultur. Når du tenker på bestemte bokstaver eller bestemte kombinasjoner, kan du kanskje se opp eksempler på MyFonts eller lese typefrit kritikk på Typophile; Dette kan være veldig nyttig å se på de forskjellige måtene som andre har nærmet seg til samme vurdering. Utover observasjon er det også nyttig å lese detaljert analyse om typografisk arbeid, for eksempel typene vurderinger på Typographica-nettstedet eller beskrivelser i bøker som Bringhurst's Elements of Typographic Style. Skisse er også utmerket for leting - enten du er doodling fra grunnen eller bare praktiserer tegninger av eksisterende skrifttyper og bokstaver. Skissene dine trenger ikke å være ryddig eller raffinert, tvert imot er vanlig grov tegning mye mer nyttig for å forstå hvordan brevformer er konstruert og hvordan de kan flyte og passe sammen.
Øvelsen er selvsagt uvurderlig, men det samme er så å være oppmerksom på teorien og den historiske bakgrunnen for typografi: trene deg selv for å være så skarp og diskriminerende som mulig ved ikke bare å omgjøre deg med andres gjerninger, men lære å forstå hvordan og hvorfor bak typografiske suksesser. Jeg synes det er viktig å ha en god forståelse av de grunnleggende prinsippene når du tegner type, uavhengig av hva slags arbeid du er interessert i. Å være klar over de vanlige optiske illusjonene er for eksempel viktig: horisontaler vil visuelt bli tyngre enn vertikaler, buede strøk synes vanligvis tynnere enn rette, runde eller spisse bokstaver vil virke mindre enn flattkantede osv. På samme måte er det også viktig å huske at du ikke trenger å begrense bokstaver til å montere et uforanderlig rutenett / struktur eller tvinge tegn som Ikke flyt naturlig fordi resultatene ofte vil se vanskelig ut. Til syvende og sist handler det om hva som ser rett til øyet, ikke strengt hva målene / retningslinjene dikterer.
Accentsconagua