Share
Noen ganger hver måned besøker vi noen av leserens favorittinnlegg fra hele historien til Vectortuts +. Denne opplæringen av Ian Yates ble først publisert 17. mars 2009.
Som publikum godtar vi tegneserier for hva de er; et medium, transportbånd av informasjon. Det vi mindre ofte innser, er teknisk og prosess for hvordan denne informasjonen har blitt kommunisert til oss. Dette er en god ting. Når kunstneren får det riktig, blir tegneserie leseren nedsenket i det som blir fortalt - ikke hvordan.
Jeg burde begynne med å si at min referanse til tegneserier dekker en mye bredere definisjon enn bare tegneserier. Mer nøyaktig vil vi referere til Sekvensiell art, tegneserier er bare ett medlem av klubben. Så det jeg egentlig refererer til er tegneserier, tegneserier, grafiske romaner, historiebrett og så videre. Dette er noe som diskuteres langsomt av Scott McCloud i sin bok Understanding Comics. Hans definisjon tjener til å sikre at alle aktuelle medier (selv egyptiske hieroglyffer) er inkludert, men utelukker nøye kunstformer som animasjon og det skrevne ordet.
Vel, mens vi diskuterer definisjoner, bør det også påpekes at det du leser er mer en artikkel enn en opplæring. Ikke bekymre deg, mot slutten vil du bli belønnet med noen nyttige teknikker for tegneserier som bruker Adobe Illustrator, men denne artikkelen tar en mer teoretisk tilnærming. Vi ser på de avgjørelsene du, som tegneserieartist, må gjøre når du designer. Mer spesifikt ser vi på tre viktige byggeklosser av en tegneserie, med utgangspunkt i?
Vi kjenner alle tegneseriestriper. Formatet er kjent og logisk. Oftere enn ikke en kort serie av rammer som leses fra venstre til høyre, fra begynnelse til slutt. Dette er sikkert tilfellet i den vestlige kulturen der aviser presset tegneserier inn i vanlige fra tidlig i det siste århundre. Deres restriktivt format flyttet antagelig tegneserien mot sjangeren vi kjenner i dag.
Du vil bli presentert med flere alternativer (og derfor beslutninger) om sidelayout ettersom stripene blir større, men hva er formålet med disse beslutningene? Det endelige målet for sekvensiell kunst er å kommunisere effektivt og engasjere leseren for lenge nok til å gjøre det. Påvirkningen en sidesammensetning kan ha på dette målet, må ikke undervurderes!
Sidesammensetning er noe du må møte, akkurat som å komponere illustrasjonene dine. Generell estetikk (ikke å forveksle med generell bedøvelse) er avgjørende, men som nevnt er det viktig å holde lesernes interesse for historien..
Med mindre monotoni og regelmessighet er en bevisst del av scenen du setter inn, vil variasjon i sidelayouten holde ting blandet pent sammen. Panel størrelse og posisjon, farge og panel type kan alle varieres. Et åpent panel som skiller ut andre med grenser, eller deler av tegningen som brytes fri fra fjerde veggen er typiske metoder for å legge til dynamikk på siden.
For størst effekt, bør disse teknikkene brukes der det er hensiktsmessig og ikke dominere siden. Bortsett fra å miste resonansen til den tilsiktede effekten, kan for mye variasjon sannsynligvis ødelegge siden strømme.
Ikke få meg til å tenke! - uttrykket myntet av Steve Krug som han baserte sin bok på, refererer faktisk til webbrukbarhet. Folk forventer at visse ting skal oppføre seg på bestemte måter. Ofte, når deres automatiserte prosess blir avbrutt ved å måtte slutte og lure på hva de skal gjøre neste gang, deres interesser avtar, og hva de gjør, har mistet dem som et publikum. Steve Krug fokuserer selvfølgelig på hvordan brukere møter nettsider, men prinsippet forblir det samme for tegneserier. Som jeg har nevnt, vil vestlige lesere påta seg en venstre-til-høyre, topp-til-bunn-strømning. Dette representerer tidens gang som er kjent for oss, og gir kronologi til sekvensen:
Dette er et logisk første eksempel som demonstrerer flyt på det enkleste. Følgende eksempel flyter like godt, men legger til et element av interesse ved å bryte opp sammensetningen for å engasjere leseren litt mer:
Dette tredje eksempelet er imidlertid mindre vellykket. Strømmen avbrytes av et ulogisk paneloppsett, noe som tvinger leseren til å stoppe og tenke:
Når sidekomposisjonen er utarbeidet, vil bildeoppsettet ferske i tankene dine, din oppmerksomhet kommer nærmere?
Et panel eller en ramme fokuserer leserne oppmerksomhet. Det dikterer hva som skal leses til enhver tid, og bidrar til å hindre at leserens øye vandrer uten mål på tvers av siden. Paneler styrer også en av de viktigste aspektene av sekvensiell kunst? tempo. Hvor skrevet prosa har tegnsetting, tegneserier har paneler. Måten som paneler dikterer timingen, er like mye ansvar for atmosfære og stemning som innholdet i seg selv.
Ta følgende eksempel på noen som først vurderer, og ta en bit av hans sandwich:
La oss se igjen:
En subtile forskjell i lengden på introduksjonspanelet i det andre eksemplet tvinger leseren til å ta lengre tid enn sekvensen. Våre kan ikke være det mest komplekse noensinne skrevet, men plottet har tatt på seg en mer kontemplativ stemning. Vår mann tar bokstavelig talt lengre tid å tenke før han spiser. Den ekstra plassen har også redusert enhver restriktiv følelse av klaustrofobi, og tilfører en viss ro til sekvensen.
Japansk Manga-tegneserier i særdeleshet ofte undersøker tidsforløpet i og over panelene. En vanlig teknikk bruker hva Scott McCloud beskriver som Aspect to Aspect overganger. Dette er en av seks overgangstyper som er anerkjent av McCloud når de flyttes fra panel til panel. Aspect to Aspect refererer til rammer som viser forskjellige aspekter av samme øyeblikk i tid. Ved å utforske flere aspekter av et øyeblikk, går tiden langsommere.
Handling til handling er en annen av McClouds seks overgangstyper og flytter plottet langs raskere. Ta dette for eksempel:
Leseren er igjen for å gjøre raske konklusjoner og forutsetninger, og holde historien-linjens tempo høy. Disse to viktige øyeblikkene av en fortelling er valgt for deres effektivitet når de kommuniserer tomten. I bare to småpaneler har vi raskt blitt fortalt hva som skjer, og nå kan vi fortsette. Tenk deg, hva har disse to panelene kommunisert? Vi vet at vårt emne var helt glad for å begynne med, da skjedde det noe i grøft (mellomrommet mellom paneler) og han avsluttet med bløtvåt.
Kanskje forberedte den foregående historien oss for det - hvis vi kjenner hans bakgrunnssituasjon og miljø kan vi kanskje vite nøyaktig hva som skjedde. Ellers er vi igjen for å trekke fra felles erfaring og gi et utdannet gjetning om hva som skjedde. Når det ikke er mulig, er det opp til historien å sikre at vi vet hva som skjedde. Et ekstra panel mellom disse to kunne illustrere vår venns handling å bli våt, mer effektivt, et tredje panel kunne klargjøre eventuelle tvil vi hadde mens vi tjente til å ta tomten videre?
Rollen til lesernes fantasi ved å fylle ut blankene refereres til som nedleggelse og er nøkkelen i tegneseriefortelling. En smart artist vil foreslå hva som er nødvendig, og la de viktige detaljene til nåden av lesernes kreativitet.
Stimulere leserens sinn holder deltakelsen høy og holder sidene snu?
Til slutt kommer vi til teksten. Tegneserier er en blanding av ord og bilder, og de to bør være gjensidig gratis, heller ikke dominere den andre. Som tegneserieartist, stirrer på et tomt panel med utsikt til å måtte kommunisere noe, blir du presentert med en ord vs. bildeavgjørelse. Hvor tungt skal du stole på ord for å sette poenget ditt over? Kunne bilder skildre hva du vil ha mer effektivt?
Som Scott McCloud igjen påpeker i å lage tegneserier, er det ingen rett eller feil. Du bør holde ordet i tankene; tunge orddensitet slags savner poenget med tegneserier og er ikke det leseren ser etter. Men ved å stole på ord for å formidle et tomt, får bildene dine flere frihet til å spille.
La oss se på vår fuktige venn igjen. De følgende to panelene kommuniserer med samme punkt, en stole på bilder, den andre på ord:
Mangel på tekst i den første legger vekt på tegningen; vi observerer vår mann i sinne, ensomhet. Det andre panelet bruker tekst for å fortelle oss hva som skjer, og gir bildene muligheten til å utforske andre aspekter av scenariet. En kombinasjon kan bringe det beste ut av begge, forsterke meldingen:
Purister kan fortelle deg at bilder er den virkelige styrken bak tegneserier - absolutt ligger en tegneseriestyrke i sin totale visuelle innvirkning. Som sådan er ordene vs. pictures conundrum opp til deg å løse.
Så hvorfor håndskrift? Det er sant, håndskrift brukes ofte til bokstaver i tegneserier, og dette kommer mer enn sannsynlig fra sin visuelle tilknytning til illustrasjonene selv. Selvfølgelig er håndskriftet vanligvis digitalt opprettet, noe som gir konsistens og lesbarhet, men det er fortsatt ubetydelig - det distraherer ikke. Vi er tilbake til det ikke forstyrr leseren igjen. Tekst som passer til tegningstilstanden og formidler sin melding klart, er usannsynlig å trekke oppmerksomheten bort fra historien. Det er like mye en del av bildet som illustrasjonen.
Derfor kan tekst, som et element i et grafisk bilde, også grafisk manipuleres. Denne luksusen som tilhører tekst som en del av en illustrasjon, kan brukes til å understreke, foreslå og overtale. Emboldening og forstørrelse gir for eksempel resonans til ordene, og legger til lyd til hva Will Eisner refererer til som lesernes øre. Implikasjon av lyd gjennom å vise tekst grafisk er enda et verktøy i tegneserieboksenes boks for å fortelle en historie.
Tekstballongen er et kjent kjøretøy for å levere tekst, og igjen, forskjeller i stil påvirker måten historien blir fortalt. Vi, som lesere, tolker dem nesten ubevisst. Prøv deg selv; hvilke av disse eksemplene er tenkt, snarere enn sagt? Som sendes fra en radio eller et TV-apparat? Som blir skrevet som vi leser det?
Selvfølgelig gir innholdet og skrifttypen oss en anelse, men poenget er at en melding kommuniseres gjennom kombinasjonen av tekst, bilde og forslagets kraft. Nå er det på tide å få hendene skitne.
OK, du har vært tålmodig nok. Det er på tide for litt praktisk opplæringsvitenskap, her går vi?
Adobe Illustrator er et nyttig program for å bygge tegneserier på grunn av sin layout og tekstfunksjoner, samt alle illustrative klokkene og fløyter det har. Selv om det kanskje ikke er det mest hensiktsmessige verktøyet for å legge ut en hel grafisk roman, kan Illustrator hjelpe til med tegneserieopprettelsen på en rekke måter; kopiering og liming, sti og slagvirkninger, resizing og så videre. Levende effekter er spesielt nyttige og følgende trinn vil vise hvordan en slik effekt kan forvandle enhver klump av tekst til en tegneserie Taleboble som jeg har brukt for sitater i denne artikkelen.
Legg litt tekst på Artboard - det spiller ingen rolle hva, eller hvor mye - når vi har gjort effekten, vil du kunne bruke den til hvilken som helst tekst. Juster teksten sentralt som vist:
Det er på tide å velge skrift. Skulle du trenge dem, er det noen få kvalitetsfrie fonter som er ideell for tegneserietekst.
Clementine
VTC letterer
Laffayette
Alternativt er fonten som brukes av Scott McCloud gjennom hele sitt arbeid og basert på egen håndskrift tilgjengelig til en rimelig pris fra www.comicbookfonts.com.
Scott McCloud
Når du har bestemt deg for skrifttypen din, laster du ned den, installerer den på systemet og bruker den til teksten på Artboard. Jeg har valgt kursiv Clementine og økt sporen for lesbarhet. Jeg har også lagt et blekgrå rektangel i bakgrunnen og låst det (Command + 2). Dette vil forbedre synligheten mens vi jobber.
Nå er det begynt å bli interessant. Når teksten er valgt, fjerner du eventuell fyllfarge som det kan ha referert til på utstillingspanelet. Åpne menyen Utseendepanel og velg til Legg til ny fylling. Du får se det lagt til i Utseende-panelet, min er 90% svart og dette vil være hovedfargene på teksten min.
Gjenta Legg til ny fylling trinn for å gjøre et nytt. Farge dette fyll hvitt og sørg for at det er plassert under den første fyll inn Utseende-panelet. Du ser ingen forskjell i teksten din ennå.
Når den hvite fyllingen er valgt i Utseendepanelet, går du til Effekt> Konverter til Form> Ellipse. I dialogboksen Konverter til form velger du relativ ekstra bredde og høyde på 9px. Dette vil skape en ballong 9px bredere og høyere enn teksten. Skal tekststørrelsen øke eller redusere, så vil ballongen.
Vi har laget en ganske tynn ballong rundt vår tekst, nå la oss forme figuren til et trykk. Hold den hvite fyllingen valgt i Utseendepanelet, og gå til Effekt> Varsel> Bulge? Påfør en vertikal bule på -50% for å squash sidene av vår ballong i litt. Klikk på OK.
Utseendepanelet viser nå tydelig ditt Typeobjekt bestående av to fyllinger, hvorav det andre har en rekke effekter påført. Nå skal vi legge til en tredje fylling som vil fungere som vår oversikt, så dupliser den hvite fyllingen ved hjelp av Kopier det valgte elementet knapp. Igjen, vil du ikke se noen forskjell i teksten enda.
Ok, la oss begynne å redigere vår tredje og siste fylling. Begynn med å endre fargen (min er 90% svart, akkurat som teksten) og deretter gå til Effekt> Sti> Offset Path. Mengden som du oppveier banen til denne fyllingen, bestemmer effektivt slaget rundt ballongen din. Jeg har valgt 2px.
For å avslutte utseendet på vår ballong, la oss legge til en enkel hale. Tre klikk i pennverktøyet gir deg en åpen bane i en V form. Fyll den hvit og gi sin slag samme farge og bredde som slag rundt ballongen din (i dette tilfellet 90% svart og 2px). Legg halen overlappende ballongen et sted og effekten er fullført.
Selvfølgelig er dette en levende effekt og kan brukes til enhver tekst. Den vil endre størrelsen og skalere sømløst:
Ved å dobbeltklikke på en av effektene i Utseendepanelet, kan innstillingene deres redigeres. Dette kan være nyttig for ulike ballonger i prosjektet ditt.
For å lagre effekten din for fremtidig bruk, åpne panelet Grafiske stiler (Vindu> Grafiske stiler) og mens den ferdige tekstballongen din er valgt, klikk på Ny grafisk stil knapp. Velg din nye stil fra dette panelet når du vil at annen tekst skal bli taleballong.
Emnet for hvordan og hvorfor tegneserier gjør hva de gjør er ENORM, Jeg har bare skrapt overflaten med denne artikkelen. Hvis du er interessert i mer (og ønsker det å bli fortalt av herrene) er det en eller to bøker du bør definitivt lese. Jeg har sitert Scott McCloud og Will Eisner ved en rekke anledninger og med god grunn. Vil Eisner krediteres som pioner for grafiske romaner etter å ha publisert sin anerkjente En kontrakt med Gud og få mennesker har studert tegneserier som en disiplin som Scott McCloud. Selv de ikke-komiske fansen blant deg vil sannsynligvis ha sett sitt arbeid etter hans siste salgssted for Google Chrome - som sa at tegneserier ikke kunne tas seriøst ?! I alle fall, her er noen av deres undervisningspublikasjoner som kan anbefales på det sterkeste:
Abonner på Vectortuts + RSS-feed for å holde deg oppdatert med de nyeste vektoropplæringene og artiklene.
Accentsconagua