Share
Du har brukt timer, muligens dager på en illustrasjon. Dette er en vektorbit du er galskapelig stolt av, men noe er ikke riktig. Noe sitter ikke bra, og du har ingen anelse om hva det er. Så lenge du vet er det noe galt med illustrasjonen din, du er halvveis der for å forbedre den.
I denne artikkelen skal jeg fortelle deg om de syv vektorsyndene. Synder som du kan være skyldig i og hvorfor du gjør det galt. Enda viktigere, hvordan å komme på riktig vei til vektorgraden. Jeg vil gi deg noen eksempler på at episk vektor feiler, takket være noe av mitt mye eldre arbeid som jeg nå kan se på og se på håndflaten. Denne artikkelen kan være den ene sparken til butten du må ta arbeidet ditt til neste nivå, så la oss fortsette med det allerede!
La oss starte med sannsynligvis det vanskeligste å fikse. Hvis du har problemer med farger, så er det sjansen for at du trenger noen leksjoner i fargeteori. Lære å balansere farger og bruke dem på en effektiv måte for å formidle ditt konsept og enhver følelse, er en kunst i seg selv.
Når jeg snakket om å balansere farger, gikk jeg gjennom en vemmelig fase for å sette tilfeldige gradienter i bakgrunner av mine portretter fordi jeg ikke var sikker på hvilke farger som var så gode med hva. Så jeg ville prøve to farger fra portretten (under fra øynene og øyeskyggen) og bare fylt bakgrunnen. Selvfølgelig var denne metoden ikke alltid effektiv, og jeg ville ende opp med sammenstøtende farger ... lyse røde lepper med den bakgrunnen? Egentlig? Du kan cringe, men det vil ikke være siste gang i denne artikkelen at du gjør det.
Det er ingen enkel løsning på dette fordi det kan kreve at du skyver deg selv for å endre måten du nærmer deg farge ... Jeg burde vite som det har vært noe jeg har funnet vanskelig å gjøre selv. Det er mange opplæringsprogrammer der ute som snakker om fargeteori og hvordan man bruker det til håndverket ditt. For eksempel har vi mange på Tuts +: fargeteori i illustrasjon, fargeteori i webdesign og til og med vår Mobiletuts + -side er på den når de informerer sine lesere med sin introduksjon til fargeteori. Det er ikke noe du bare kan lese en artikkel om, og det er det, du er årets fargedesignguru. Du må sette disse ferdighetene i praksis for å perfeksjonere dem. Det kommer med tiden.
Hvis du er engstelig og trenger å fikse fargeproblemer pronto, er det flere måter du kan hjelpe deg med i vektor, spesielt i Adobe Illustrator. Jeg anbefaler at du sjekker ut artikkelen min om bruk Adobe Kuler, som også går over fargeressursene til Illustrator.
Dette kommer til å høres ekstremt, men vet du hvordan jeg lærer om å balansere farger? Jeg farger håret mitt lyse farger. Det tvinger meg til å koordinere klær, sminke og hår. Det er en overfladisk ting å gjøre og sikkert, jeg elsker å ha lyse rosa hår i disse dager, men det har tvunget meg til å bokstavelig talt komme ansikt til ansikt med noe jeg har trengte å lære riktig og trygt.
Relatert til farger, men ikke strengt noe du kan endre ved å lære hvordan du bruker dem riktig. Dette har mer å gjøre med hvordan vi ser på forskjellige områder av en illustrasjon. Du har ofte en prosess for en overflate av en illustrasjon og deretter en annen for en annen overflate. Disse prosessene kan innebære forskjellige måter å velge de fargene du bruker på illustrasjonen din, eller det kan være at du har vedtatt andres prosesser som din egen, og dermed ikke hatt tid til å endre den for å følge stilen du er vant til. La meg vise deg et eksempel fra fortiden min, kanskje du kan se hva jeg skal påpeke.
Jeg forvirret dette portretet for 10 år siden av Alyson Hannigan. Rendering problemer til side, dette portretet har problemer med kontrast. Jeg har ikke lagt til nok kontrast til huden, men jeg har klart å legge til kontrast til håret. Du kan tydelig se til høyre for portretten, det er skygge under håret hennes, og det er skygge på røttene og en skinne til håret. Men det er liten kontrast i huden, noe som gjør at hun ser ut som om hun ikke har nese og hennes kjeve mangler definisjon. Ikke veldig smigrende er det?
Kontroller først skjerminnstillingene, kontroller at du faktisk ser kontrasten riktig. Høres dumt, men det kan spare deg for mye frustrasjon og tid!
Det er en rask løsning hvis du har kontrastproblemer på tvers av hele illustrasjonen. Du kan sette en form over hele tavlen, fylle den med farge og deretter spille med Color Dodge og Fargebrytende blandingsmoduser, og juster deretter opacity. Dette vil bidra til å justere kontrasten din i løpet av et klikk.
Med Alyson-portret mitt, ser jeg tilbake, kan jeg duplisere formen for hele huden og plassere den under øynene og leppelagene. Jeg kunne da fylle den med farge og deretter leke med Fargeforbrenning - Fargeforbrenning gir mulighet til å mørke farger. Så la oss ta en titt på hva dette kan gjøre.
Siden dette er en veldig gammel fil og jeg ikke lenger har den opprinnelige kildefilen, kan jeg ikke gå inn og justere den nøyaktig. Men jeg har fylt ut # 156d86 over toppen av hele portretten og sett den til Blending Mode Color Burn, Opasitet 16%. Dette har ført ut kontrasten i ansiktets skygger.
Vi bør ikke stole på hurtige reparasjoner hele tiden skjønt, og det kan være et tilfelle å velge alle former som lager huden og bruker Recolor Artwork for å skape den riktige balansen i kontrast. Alternativt kan du se på måten du velger farger på eller gjengi hvert område. Er det forskjeller i måten du gjør det på? I så fall bør du vurdere å gjøre prosessen jevn overalt for å unngå kontrastproblemer.
Når jeg skaper portretter i disse dager, står jeg fremdeles på problemer med hudskygge. Derfor sørger jeg for at når jeg er ferdig med et område med høy kontrast, som håret, går jeg tilbake til huden og hjelper med å balansere kontrasten ved å bruke gradienter for å tvinge mer skygge og høydepunkter til områder for å balansere det. Du kan se at dette skjer i portrettveiledningene mine. Det er ikke noe galt med å "etterbehandle" et område og deretter revidere det senere for å holde konsistensen i hele.
Så etter å ha snakket om kontrast konsistens, la oss se på stil konsistens. Du har kanskje lagt for mye detaljer i ett område og ikke med nok detalj i et annet ... resultatet gir deg en inkonsekvent stil og gjør at områder ser ut som om du har kopiert og limt en vektor inn i en annen.
Dette skjer på samme måte som kontrastproblemer ... du har kanskje lært et område fra en kilde og ikke innstilt det til din egen stil. Eller kanskje du mangler motivasjon for å gjengi ett område over et annet eller til og med, du er ikke så trygg som gjengir det området?
Så la oss se tilbake på et av mine egne ansiktspalmemomenter og se om du kan påpeke stilkonsekvensproblemet her ...
Inkonsekvens i denne vektoren var nok for Marilyn å stramme slipsen så mye at hans øye poppet ut av stikkontakten. Ja, jeg hadde også en Marilyn Manson-fase, men som du kan se, er ansiktet "detaljert" i det gjengivelsesstil, som det er håret ... men det ser ut til at jeg ikke har bestemt meg for å legge til samme stil i hele ... Jeg har selv lagt litt detalj på hånden, men ikke nok til å gjøre det så klart som detaljene i ansiktet! Du kan også påpeke at hånden mangler kontrast.
Så hvorfor er dette galt? Jeg mener at du kan gjøre et stykke som er detaljert i ett område, men ikke i resten, men hvordan dette portret ser er halvt ferdig. Jeg kunne ha forbedret det ved å sørge for at figurene som ble opprettet for de "enkle" områdene, var mer raffinert og dermed ga inntrykk av detaljering. Jeg kunne ha gjort innsats til å gjengi hånden riktig. Sannheten i saken er at dette er et halvt ferdigstilt portrett, og grunnen til at jeg ikke fullførte det, er fordi jeg fant hendene vanskelige, og jeg fant klærne kjedelige. Og det viser. Smertefullt.
Det finnes en rekke måter du kan nærme deg denne:
Sjekk ut min veiledning om å opprettholde en konsistent stil over en serie av vektorgrader for flere tips.
Arkivbilder og referanser er flotte ... Jeg er en stor fan. Dette er fordi selv om jeg kan tegne, trenger jeg hjelp fra referansebilder. Selv om jeg ikke er så avhengige av dem i disse dager (jeg er ofte bortkommen fra dem og bruker dem bare som en guide), for mange år siden pleide jeg å bokstavelig talt spore en aksjekurvekurve for kurve, fargen for farge og sluttresultatet var effektivt en vektorisert versjon av et fotografi. Det er ikke noe galt med å bruke lagerbilder, bare lær hvordan du bruker dem effektivt.
Problemet er, mens et lagerbilde kan være en flott guide, kan du hente artefakter i bildet som er unaturlig, eller bildet kan ikke være av høy kvalitet for at du skal hente opp de detaljene du trenger. Sistnevnte ender opp med å skape det vi vanligvis ser er dråper av ubeskrivelig farge som ikke har relevans for illustrasjonen.
Jeg er en pro til å falle feil på dette problemet ... så la meg vise deg et eksempel på hvor jeg gjorde det galt. Det kan ta deg en stund å gjenkjenne, men jeg sparker meg selv for sin dumhet.
Ja, det er de jeans! Fargetablene har effektivt skapt et sløret utseende til klærne. Beltet har skarpe kanter av farge og i en viss grad, så gjør ansiktet ... men på grunn av å følge bildet av Kelly Osbourne formen, er linjene i jeansene ikke så skarpe som de burde være. Det er imidlertid en enda større vektorsynd her. La oss se om du la merke til det ...
Oh synd! Bildet jeg brukte som referanse for dette var i gråtoner ... og det hadde et vannmerke av noe slag over jeansene som ble preget inn i papiret. Jeg vectored faktisk former av dette. Ser tilbake, dette var sannsynligvis tallet "35" av en eller annen grunn. Jeg knytter så mye til dette. Jeg vil nekte det annet enn i kommentarfeltet i denne artikkelen.
Bortsett fra å faktisk lære å tegne, kommer denne til å oppleve og mye øvelse Enda viktigere, å presse deg selv til å gå utover din komfortsone. Hvis du vektorer hver eneste form, kommer du til å plukke opp alle feil i et bilde. Å ta deg tid til å gjenkjenne mønstre og teksturer kan hjelpe deg med å unngå jeangjengningsfeil, la oss si, men også hvordan objekter blir konstruert.
Du har ikke alltid det beste bildet på hånden, spesielt hvis du gjengir et berømt ansikt. Men sørg for hvor du kan forvente figurer og tegne dem med tillit, uavhengig av hva referansen sier, vil bidra til å gi illustrasjonen ditt et profesjonelt utseende.
Fra personlig erfaring hadde jeg år med å lage vektorgrafik som en hobby og ikke bli betalt for det. Så jeg kunne eksperimentere og leke med portrettene jeg gjorde. Det kom til et punkt der jeg innså at jeg var karbonkopiering av bilder og jeg fikk ikke noe fra det. Så jeg lovet meg selv, med hvert nytt vektorprosjekt jeg startet, skulle jeg avvike fra lagerbildet og legge til noe nytt eller endre det. Fra dette fikk jeg tillit til å kunne lage skummede frisyrer, klær og til og med endre uttrykk. Hvis du ikke har tillit til tegning, så press deg selv med hver illustrasjon for å gå utover det som er rett foran deg.
Å være i stand til å gjengi profesjonell linjekunst er ingen enkel oppgave. Tilsynelatende glemmer noen mennesker å sjekke de enkleste tingene, for eksempel grensebegrensninger og ende opp med å få sine feil vist på TV. Jeg kan ikke se dette showet på samme måte igjen ...
John Bishops stand up comedy show i Storbritannia ... med et dodgy hjørne i øverste venstre hjørne Mitreforbindelser, kryssende linjer og slagvekt er bare noen av de områdene du trenger å være mer oppmerksom på. Hvis du ikke gjør en skisseformet grafikk, må du være oppmerksom på din linjekunst. Ikke å bruke tid til å perfeksjonere disse vil gjøre linjekunsten din se sløv, rushed og redusere kvaliteten på arbeidet ditt betydelig.
Forutsatt at du ikke lager en skisseformet grafikk, hvor det er rotete er poenget, er det noen viktige områder du må ta hensyn til:
Du kan få gode råd om raffinering av din linjekunst ved å sjekke ut min Funky Line Art Portrait-opplæring og min Vintage Scooter-veiledning.
Den flate designtrenden er godt over oss og ser ikke ut til å bremse ned, men det er ikke bare denne stilen som har avhengig av jevne og nøyaktige kurver. For mange illustrasjoner som er avhengige av et enkelt og minimalistisk utseende, er kurvene et merke eller pause i designet.
Selv om flertallet av arbeidet mitt har involvert mye detalj, hjemsøker Horde-symbolet til denne meg. De kurver ... oh min, de bringer ned kvaliteten på dette portretet.
Ta en nærmere titt på poengene i symbolet rundt hodet ... og de ytre kurver av det. Ser ganske slurvet, tror du ikke? Tenk deg at du jobber med et stykke som er avhengig av denne stilen hele, ikke bare ett element. Det er en vektorbilkrasj som venter på å skje.
Hvis du jobber overveiende med enkle former og minimal design, ikke bare i denne flate designtrenden, så glem å bruke Pennverktøy, de Paintbrush Tool eller til og med Blyantverktøy. Det er på tide å lære fra den gamle skolen og danne illustrasjoner fra grunnleggende former, rette linjer og effekter. Lær hvordan du bruker Offset-banen, Effekt> Warp og Effekt> Forvreng og transformer. Det er definitivt tid å bli kjent med Pathfinder panel mens du er på det.
Disse grunnleggende verktøyene og effektene vil gjøre det som står på tinnet, det vil holde disse linjene og figurene grunnleggende. Pennverktøyet (og andre) er ikke nøyaktig for å skape de figurene du leter etter, og nøyaktighet er nøkkelen til å skape glatte kurver.
Hvis du er i denne stilen, anbefaler jeg på det sterkeste veiledningene til Vectortuts + forfatter Andrei Marius. Han er en høyt kvalifisert vektorkunstner og lager hoveddelen av hans design uten å bruke pennverktøyet. Dette betyr at han stoler på å bruke de viktigste verktøyene som trengs for å skape glatte kurver. Et godt eksempel på "å gjøre det riktig" ville være hans fantastiske opplæring om å lage en detaljert lighter uten å bruke pennverktøyet.
Hver gang en vektorkunstner bruker Lagre som ... for å opprette en JPG, mister et ankerpunkt håndtaksstyrene. Jeg har sett mye på min tid, og jeg er takknemlig, dette er egentlig ikke en av de tingene jeg har falt av. Du har gått gjennom all denne innsatsen for å gjøre vektorkunsten din fantastisk, faktisk svikter du ikke på noen av de andre seks vektorsyndene, men du faller ved den siste hindringen. Jeg har sett folk som selv har gått så langt som skjermbilder av arbeidet deres og limer det inn i Adobe Photoshop og lagrer det der, bare slik at de får den oppløsningen de vil ha. Jeg gutter deg ikke.
Hvorfor er dette så ille? Vel som Adobe Illustrator viser arbeidet ditt i sanntid, er ikke nødvendig hvordan det vil bli vist når du lagrer det på riktig måte og ved oppløsningen du trenger. Dette er spesielt så når du bruker linjekunst, raster live effekter og gradientmasker. Hvis du ikke lagrer webbildefilene dine riktig, går all den tiden du har brukt til å lage det perfekte vektorgravet, ned i avløpet.
Det er bare en måte ... bruk Fil> Lagre for web og enheter (eller Lagre for web i senere versjoner). I tillegg, hvis du bruker Adobe Illustrator CS4 og utover, bruker du Artboard Tool (Skift + O) effektivt som et beskjæringsverktøy og definere området av komposisjonen din. Så når du lagrer for web, kan du angi dine oppløsninger Høyde bredde og Klipp til Artboard å bare lagre innenfor det området ... Simples!
Det er en ting vi alle har til felles, og det er at vi var alle nybegynnere på et tidspunkt i våre vektorgrupper. Det er ikke før vi gjorde disse feilene og lærte av dem at vi visste riktig retning å følge. Det har tatt meg over et tiår for å komme til hvor jeg er nå, og noen ganger faller jeg en feil på en av syndene, men ved å være klar over dem kan jeg forhindre dem i å se dagens lys.
Ikke slå deg selv og husk at reglene er laget for å bli ødelagt. Du vil forbedre hvis du har lidenskap for hva du gjør og du vil bli bedre. Ingen tvil om du fortsetter å følge det kjempebra innholdet her på Tuts +, vil du komme dit raskere og kanskje vise oss noe eller to!
Forhåndsvisningsbildet er opprettet ved hjelp av en Tuts + Premium Pack: Devil Heads.
Accentsconagua