Share
Et MIDI orkester er ikke et ekte orkester. Det høres kanskje ikke veldig bra ut: du vet at MIDI ikke er erstatning for ekte musikers kraft og menneskehet. Men det ser ut som at til tross for denne virkeligheten slipper mange mennesker sin tid på å prøve å tvinge musikken til å høres ut som "ekte" som mulig ved å besette over nyansen av hver eneste notat og slå.
Selv om disse uendelige tweaks kan gi resultater, tar det bare en håndfull enkle teknikker for å håndtere de vanligste problemene som gjør MIDI-lyden så kunstig. Hvis du bruker Pareto 80/20-prinsippet, kan du hevde at 80% av hvor god lyden din kommer fra 20% av teknikkene du bruker, er det bare fornuftig at vi skal fokusere på de 20% som skal skape en reell forskjell.
Jeg har funnet ut at de to viktigste tingene som kan bringe musikken til liv, er dynamikk og variasjon. Dynamikk er pusten og sjelen til musikken din, mens variasjoner holder lytteren fascinert. En god bruk av dynamikk vil gjøre MIDI-sekvensen din lyden som mindre av en maskin. En skikkelig variasjonsbalanse vil holde lytteren oppmerksom og interessert i musikken, slik at de ikke blir så innpakket i om ditt engelske horn lyder syntetisert eller ikke.
Nummer én måte å forbedre en MIDI-sekvens på er å få så mye kjørelengde som mulig ut av dynamikken. Dynamikk refererer til volumet av et notat, og kan benyttes fra en mikronotat etter notatskala eller som oversikt over hele brikken. Dette inkluderer alt fra et stille vers vs. et høyt kor, dramatiske crescendos og decrescendos, subtil variasjon av hastighet i et enkelt passasje, og aksenter og artikuleringer.
Den mest nøyaktige måten å spille med dynamikk i sekvensen din er gjennom notens hastighet.
Den enkleste måten å demonstrere variasjoner i hastighet er med korte, skarpe lyder. I dette eksemplet, et kort utdrag fra Scott Joplin's Magnetic Rag, bruker vi pizzicato strenger. Her er de to første setningene uten variasjoner i hastigheten:
Det er ikke dårlig, men det er litt stivt. Det kan passere, men jeg tror vi kunne gjøre det mer musikalsk. Ved å bruke hastighet kan vi legge til litt subtilt liv i det. Vi starter den første setningen veldig rolig og bygger den opp i intensitet, og accentrer den høye plukkingen på slutten av uttrykket før vi slipper ned igjen for å bygge igjen.
Forskjellen kan ikke være natt og dag, men det er nå et visst element av spenning som ikke var der før. Strengene føler at de sniker seg i begynnelsen før de høye plukkene gjør en klar setning, og deretter tilbake til å snike igjen. Hvis du bruker denne finessen i hele komposisjonen din, finner du at den blir mye mer livlig og interessant.
Percussion er en annen seksjon som i stor grad drar nytte av justeringer i hastighet. MIDI percussion instrumenter kan lett bli offer for "machine gun effect", hvor gjentatte notater fra samme prøve begynner å føle mekaniker og slitasje snarere enn musikalsk. Justeringshastigheten kan bidra til å redusere maskinpistolens effekt, som vist i dette enkle eksempel på en snare-trommelpassasje:
Det høres ganske falskt ut, men alt vi trenger å gjøre for å injisere noe liv og moro i delen er å legge til aksenter og dynamikk med hastighet. Her er lyden av en mye mer interessant snare del, med samme mønster som før, men spiser opp notens hastighet:
Det høres ut som en mye mer overbevisende snare del og føles mer som en ekte person kan spille det. Det samme prinsippet gjelder ikke bare for en konstant linje som denne snare trommelen, men også til subtile variasjoner på alle slagverkene dine. Hvis du bruker den samme symmetriske prøven hver 8 bar, er det minst du kan gjøre for å endre det, variere hastigheten hver gang den krasjer.
En annen populær måte å bruke hastighet på for å unngå å lyde som en maskin er å "humanisere". Dette er en spesielt nyttig funksjon hvis du ikke er for sterk en tastaturspiller og vanligvis havner på å tegne eller skrive i dine musikalske linjer notat ved notat. I Logic Pro kan du få tilgang til humaniseringsverktøyet via Piano Roll-vinduet, under Funksjoner-menyen.
Humanize vil tilfeldig justere posisjon, hastighet og lengder av eventuelle notater du har valgt med de beløpene du velger (standardverdiene er 10 for alle parametere). Velg notatene du vil humanisere og velg "Operer bare" for å bruke funksjonen og se hva slags resultat du får.
La oss se på vår pizzicato-seksjon igjen. For å overdrive effekten vil jeg sende våre verdier til å randomisere med 25 i stedet for de mindre effektive 10. Det er vanskelig å skille, men hvis du lytter nøye, vil du legge merke til at den humaniserte versjonen føles litt løsere og mer variert. Humanize er en annen subtil teknikk som bare gir et ekstra preg av livet.
Vår rett pizzicato-seksjon:
Den humaniserte pizzicato-delen:
Modulasjon er et nyttig verktøy for å automatisere MIDI instrumentets uttrykksevne. Det er spesielt nyttig for instrumenter med lange notater, slik at du kan kontrollere formen på notatet og måten det snakker om. Modulasjon er en standardparameter på mange programvareinstrumenter i dag, ofte brukt til å kontrollere volum, filtrering, eller å krysse fra en prøve til en annen.
For å få tilgang til modulering i Logic Pro: åpne et Piano Roll-vindu, klikk Hyper Draw-knappen nederst til venstre og klikk deretter den lille trekant for å velge kontrollertype. Velg modulering og det er bra å gå.
La oss ta en titt på en grunnleggende, men vanlig bruk av modulering. Ved hjelp av en lang strenger patch, her er noen akkorder spilt uten justering til modulering:
For den enkleste demonstrasjonen tar vi moduleringen fra 0 til 127 over de to første linjene, og deretter tilbake fra 127 til 0 over de to siste linjene. Effekten er en crescendo opp til G major og decrescendo ned igjen. På dette bestemte instrumentet (Sonic Implants Full Strings) er moduleringen satt til å kryssflekke prøver, så mens vi starter med en pianissimo-prøve, vil moduleringen fade oss opp til en fortissimo-prøve.
Det er mer uttrykksfulle, men fortsatt litt merkelig. La oss spille med moduleringen enda mer for å gjøre det mer interessant.
Denne gangen har vi brukt kurver for å gjøre endringene mye mer dramatiske og spennende. Strengene føler nå at de stiger opp i G-hovedkordet og deretter plutselig slipper av, før de smelter ut jevnt.
Kanskje den mest åpenbare måten å styre dynamikken på er å automatisere volumet. Selv om moduleringen er effektiv for å kontrollere lyden av et instrument, er volumet mer nyttig som en total styring av lydstyrken. Jeg pleier å bruke volum, ikke bare for å balansere ett instrument mot andre i en blanding, men også for å kontrollere flere globale skift som en fade inn eller ut. Brukes i forbindelse med modulering, kan det være et veldig uttrykksfulle verktøy.
Ved hjelp av våre lange strengepassasje som et eksempel, vil jeg automatisere volumet for å få enda mer dynamisk bredde.
Fordi moduleringen styrer det meste av det jeg ønsker ut av lyden, bruker jeg volum mer som et bredt slag for å gi den den ekstra pushen. Et annet lignende verktøy er Expression-kontrolleren, men jeg pleier ikke å bruke den. Etter å ha kjørt inn i mange instrumenter som ikke er satt opp for å fungere med Expression, har jeg funnet det lettere å stole på volum som et verktøy som vil fungere på et hvilket som helst instrument.
Som jeg diskutert tidligere når jeg snakker om hastighet, er faktheten til MIDI mest tydelig når notater gjentar. Selv om hastighet er en måte å løse dette problemet på, kan du bidra til å holde ting interessant ved å variere alle slags andre elementer som tonehøyde eller farge.
Tenk på dette eksemplet på en streng ostinato. Å spille samme notat på samme prøve om og om igjen, er omtrent like stygg som mulig. Her har vi "maskinpistol-effekten" for å føle at vi er under konstant angrep av en fast maskin.
Dette er MIDI på sitt verste! Umiddelbart kan vi begynne å løse dette problemet ved å variere hastigheten for å få hvert notat til å føle seg i hvert fall litt annerledes. Jeg vil ha strengene crescendo og decrescendo for en stigende og fallende effekt.
La oss nå ta det et skritt videre og variere tonehøyde. Her har jeg linjen vekslende mellom en D og A under den, som ikke bare frigjør oss fra den fryktede maskinpistolen, men gir også linjen en mer følelse av bevegelse.
Nå vil jeg variere banen enda mer ved å legge til en klatring og fallende D E F E linje i toppdelen. Dette gjør at strengdelen er mye mer interessant å lytte til, men det er fortsatt ikke for distraherende eller prangende for noe annet du kanskje vil sette over det. Legg merke til effekten av å variere tonehøyde så ofte: jo mindre du hører et MIDI-notat gjentatt, jo mindre er øret ditt i stand til å knytte repetisjonen som identisk med den før den.
Til slutt la vi legge til en ekstra farge. Vi holder notatene og rytmene nøyaktig det samme, men ved å legge en kontrastfarge vil det holde øret avledet og gi en ytterligere følelse av rikdom. Jeg bruker en vibraphone som den andre fargen, da det myke og kjedelige angrepet er ganske unikt fra de skarpe og lyse strenger. Resultatet er en mer komplisert lyd, noe som bidrar til å distrahere oppmerksomheten fra det som ellers ville være svært synlige MIDI-strenge.
En annen måte at du kan holde en gjentatt figur interessant og variert, er ved å skifte et bestemt aspekt av det, for eksempel å endre registeret eller instrumentet det spilles på. La oss ta en titt på et annet eksempel på en ostinato-figur som gjentar.
I dette eksemplet har vi allerede en noe kompleks figur, med strenger, vibber og en snare. Vi bruker modulasjon og volum for å gi strengene og snare en følelse av hevelse og hastighet for å kontrollere dynamikken til vibene. Samlet har vi allerede et ganske uttrykksfulle to målemønster her. Problemet er, ved tredje gang vi hører det, begynner vi allerede å bli kjedelig. Med noen svært små endringer kan vi gjøre dette mye mer interessant og musikalsk.
Jeg skal bare gjøre to endringer. Hver annen stolpe, jeg har strengene, spiller tre oktaver høyere og jeg tar ut snaren. Det høres ikke så mye ut, men lytt til hvor mye mer interessant dette er:
Det er egentlig ingen nye notater eller ideer her, bare en variasjon på det som allerede eksisterer. Men vi har klart å gjøre det mer interessant, og har vellykket åtte sekunder med musikk i seksten. Filmkomponistene: Husk denne teknikken neste gang du trenger å effektivt vampe over en scene!
Bare for å kjøre hjem poenget enda mer, vil jeg gjøre en mindre endring for de neste fire stolpene. Jeg tar alt opp en mindre tredjedel. Det er den eneste forskjellen, men nå har vi doblet lengden på vår musikk igjen!
En eneste musikalske ide har et uendelig potensial for variasjon (de fire fire notatene fra Beethovens femte kommer til å tenke). Med bare en eller to endringer kan ideene dine utvikle seg og bli mye mer interessant.
Jeg innrømmer at det å snakke om å bruke levende musikere i en artikkel om MIDI er litt av en politimann, selv om det er noe helt verdt å vurdere. Dette er et av de tipsene som ofte er enklere sagt enn gjort, men selv den minste berøring av et levende instrument kan legge til animasjon i sekvensen. Den enkleste måten å gjøre dette på er med perkusjon. Jeg har alltid en tamburin og shaker på hånden, og hvis det er noen gang en del i et spor jeg jobber med med et spor eller mye fremrykkende rytme, legger jeg til et subtilt lag under alt med ett av disse instrumentene. Det faktum at ytelsen min aldri kan være perfekt, med liten forskjell i hele med volum og timing, er akkurat det som legger til at menneskelig berøring som er mer følt enn hørt.
Mest sannsynlig spiller flertallet av deg allerede gitar eller bas, og hvis du ikke gjør det, er det på tide å vurdere å lære det grunnleggende og å være minst dygtig nok til å spille enkle deler. MIDI-gitar er en av de grimeste tingene der ute, og å kunne spille dine egne deler kan gjøre opplevelsen av å skrive sporet ditt morsommere, men også legge til livet. MIDI-basen er ofte ikke så dårlig eller merkbar, men hvis du har mulighet til å spille dine egne deler, er det igjen de subtile og uunngåelige menneskelige feilene som kan gjøre stor forskjell i hvor frisk musikken din høres ut.
Sværere å oppnå, men med like stor fordel, er å finne musikere og sangere å utføre på sporene dine. Selv en live-fløytesolo med MIDI-bakgrunn kan høres bra ut, med det uttrykksfulle livefunksjonelle instrumentet som tegner mesteparten av lytterens oppmerksomhet. Også ekstremt nyttig å legge varme til et kaldt MIDI-spor er å søte dine synthstrenger med live-strengspillere. En eller to tar av en levende fiolin blandet inn med en MIDI-strengseksjon kan få hele stykket til å føles mer håndgripelig og ekte.
MIDI er ikke en erstatning for livemusikere, og gjør alt du kan for å innlemme så mange virkelige spillere som mulig, vil gjøre en stor forskjell i det totale livet til ditt stykke.
Den endelige og uten tvil viktigste tingen du kan gjøre er å sørge for at du ikke mister perspektivet. Etter å ha lyttet til den samme sekvensen i flere timer, kunne dine utmattede ører og sinn trolig overbevise deg om at omtrent alt hørtes bra ut. Gi ørene en pause og gå vekk fra sangen din for en stund, slik at når du kommer tilbake til det, får du en frisk lytting og et mer realistisk inntrykk av hva stykket egentlig høres ut som.
Det er veldig enkelt å overbevise deg selv, noe som høres bra ut fordi du blir fanget opp i det som "skal" høres ut som. I hodet ditt kan du forestille deg at strengene er fulle og frodige, og fantasien din kan raskt begynne å kompensere for ting som mangler i den virkelige musikken. Pass på at du holder deg løsrevet nok til alltid å være klar over hva MIDI-sekvensen din faktisk høres ut som. Det kan bidra til å lytte til noen av favorittopptakene dine i en lignende stil, bak-til-bak med brikken.
Hvis du bruker disse grunnleggende ideene til dine sekvenser, kan du begynne å ta komposisjonene dine fra å høres ut som syntetisert muzak til levende og uttrykksfull musikk.
Accentsconagua