Share
Alle første innspillinger - enten det betyr tre eller tretten - går vanligvis på samme måte. Fristen nærmer seg og nesten ingenting er gjort. Det som er gjort, lyder ikke riktig. Dine medmusikere har ingen anelse om hva de skal gjøre, og ingen i rommet er helt sikker på hva neste skritt i prosessen er.
For de fleste nybegynnere er det ikke en prioritet å utvikle en opptaksprosess. Men fagfolk vil fortelle deg at tiden er penger, og derfor har de jobbet så hardt for å gjøre sitt arbeid. Jo raskere du kan gjøre arbeidet ditt, jo mer din effektive timepris er, og jo raskere du kan gjøre arbeidet, jo mindre betaler du for å ansette studioer, utstyr og ansatte. Det fungerer både fra en kostnad og et inntektsperspektiv.
Her er en titt på prosessen og flytningen av et opptaksprosjekt som er gjort riktig, med tips for optimalisering av det videre.
Skrive er den første fasen av et hvilket som helst opptaksprosjekt, selv om det begynner godt før beslutningen om å ta opp sangen selv er gjort. Under skrivefasen blir tekstene og musikken skapt og raffinert til de fungerer godt sammen.
Når du er i skrivefasen, er det viktig å tenke på virkeligheten av både ytelse og opptak. Hvis du skriver sanger som du ikke kan forestille deg eller utføre live med bandet, er de ikke så bra for deg. Hvor stolt av arbeidet ditt vil du være når du kommer inn i studioet og innser at du ikke har riktig utstyr, musikere eller instrumenter som kreves for å få sangen til å fungere?
Å bygge et repertoar er viktig, og du må kunne utføre og registrere det repertoaret. Selv i sammenheng med opptaksprosessen, er live-opptreden viktig å vurdere. Med mindre du er et studio-eneste band, må arbeidet ditt oversette på tvers av alle medier.
Å ha noen begrensninger for å jobbe rundt, bidrar til kreativitet, så omfavnelsen utfordrer seg. Kunstneren som har alt verktøy i verden til disposisjon, blir ofte lammet av valg, mens arbeid innenfor et sett begrensninger kan gjøre kreative beslutninger mye lettere. For de fleste musikere er dette et tilbakevendende tema fra skriving til mastering, med tanke på at det kan være en av de dyreste karrierer eller hobbyer rundt.
Når du er i studioet, må du kanskje jobbe med øktmusikere som ikke har økt sangen med deg, eller du vil kanskje diskutere en bestemt seksjon eller riff i sangen med produsenten og andre musikere. Backing vokalister vil kreve tekst. Hvis du ikke klarer å forberede de riktige materialene på forhånd, vil det vise seg å være mer av et hinder enn mange første tenk! Her er det jeg anbefaler deg å ta med til hver økt, minst noen få eksemplarer av hver:
Selv om det kan høres dumt, er repetisjon en del av opptaksprosessen. Fordi hvis du ikke kan spille sangen som en gruppe i utgangspunktet, er det absolutt ikke noe poeng å gå inn i studioet.
Mens du har multi-track-opptak, kan komprimering og kvantisering på klar måte gjøre det som om å spille inn en sang enklere enn å spille den live, sannheten er at innspilte musikk er veldig ganske svingete og alt med mer enn to eller tre spor krever en veldig , veldig delikat balanse i blandingen for å hindre at ting faller fra hverandre.
Hvis du ikke høres bra sammen, hvis du ikke kan låse inn i sporet av rytmavsnittet ditt og gjøre plass til hvert instrument hvor hvert instrument trenger det, er det en ting som vil sende den delikate balansen krasjer. Opptaket ditt vil suge før det er ferdig.
Du må øve til sangen lyder polert nok til at du tror du kan sette opp noen få mikrofoner i treningsrommet ditt og ta en gang du kan være fornøyd med.
Mens mange en nybegynner kan bli fristet til å trekke på det rådet, er det en mer praktisk vurdering for deg: studioer koster penger. Hver time du ikke repeterer, er en annen time, betaler du studioeieren fordi det er så mange problemer med opptaket.
Alvor. Øve på.
Den vanligste metoden for å øve en sang er å få bandet til å spille det gjentatte ganger fra start til slutt. Dette er en spesielt ineffektiv måte å jobbe på, fordi du bruker like mye tid på delene av sangen som bandet er bra med som de delene som bandet sliter med.
Fokus på ulike segmenter av sangen, eller til og med bruke tjue minutter på en fire-bar seksjon av sangen hvis det er vanskelig for alle å holde seg i takt med hverandre. Ikke fortsett til bandet har lært å spille de plagsomme segmentene perfekt.
Det er viktig å øve sangen som helhet uten å stoppe, men du vil bruke tiden din mye mer klokt hvis du sparer rett gjennom praksis før alle er fornøyd med komponentseksjonene på egen hånd.
Så sangen er skrevet. Bandet kan spille det med øynene lukket, henger opp og ned i undertøyet. Nå har de bestemt seg for at det er på tide å registrere det.
"Hva venter vi på? La oss ta opp! "Sier dere alle i spenningen. Beklager å sette demper på festen din, men ikke så fort. Først må du lage en plan.
Hva vil du gjøre og i hvilken rekkefølge? Hvor mange instrumenter vil være involvert? Hvor mange deler vil hvert instrument ha, og dermed, hvor mange spor for hvert instrument vil være nødvendig? Hvor lenge vil hele prosessen ta? Når trenger vi å bestille studio og produsent? Mastering ingeniør? Den evigvarende mester piccolo-spilleren?
Uten en plan har du to dager med studietid igjen før blandingen må gå for mastering, og den eneste piccolo-spilleren som fortsatt lever på denne siden av ekvatoren, er booket ut i tre måneder rett. Oops.
En plan bør alltid være i skriftlig form. Jeg betyr ikke nødvendigvis penn og papir - det kan være et daterdokument eller en klippeutskjæring - men planer som er lagret i et menneskes hode, er planer som glemmes så snart planleggingsfasen slutter.
Din plan trenger bare å være så kompleks eller enkel som prosjektet for hånden. Hvis du trenger en oversikt for å komme i gang, foreslår jeg noe løst som dette:
Planer kan være mye mer komplisert, så legg til det som du ønsker. Planser kan også være ganske enkle - hvis du vil spille inn en tre minutters folkesang gjennom en standard rack av studioutstyr, med bare deg selv på vokal og gitar, og kanskje en perkusjon overdub eller to, trenger du ikke den samme typen struktur.
For mange musikere er demonstrasjonsfasen en av de første faser av et prosjekt, og det betyr at de ikke er helt forberedt og klar til å komme inn i jobben. De første dagene blir brukt potting rundt studioet bestemmer hva de skal gjøre og tenker på de ulike endringene som kan gjøres til sangen "bare for moro skyld". Selv om det er veldig kreativt, er det sannsynligvis ikke den beste tiden å spille rundt, bare fordi du ikke har en fast plan for angrep forberedt, enten du betaler for studietid eller ikke.
Med denne arbeidsflyten har du allerede fått alt eksperimentet og usikkerheten ut av systemet ditt. Du vet hva du trenger å gjøre, så du føler ikke nødvendigheten av å leke rundt som et resultat av ikke å vite hva neste skritt er.
Demofasen er den delen av prosjektet hvor hver musiker registrerer en grov oppgave som er god nok til å danne et rammeverk som resten av prosjektet er bygget opp rundt. Når demoen er ferdig og du fortsetter å spore, er alt du trenger å bytte demo spor ut for de siste sporene. Demoen er ikke et polert, endelig spor, men det er viktig å få visse faktorer riktig. Produksjon er ikke en av dem, men timingen er sikker.
Jeg bryr meg ikke hva din personlige mening om klikk-sporene er - noen elitister fjerner deres bruk for grunnleggende grunn eller en annen - men når du tar opp en demo, må du sørge for at alle registrerer til et klikk spor.
Klikk sporene er vanskelig å bli vant til for første gang, så gi hver instrumentalist - spesielt din trommeslager - litt tid til å bli vant til å leke med en. Når de er vant til det, vær hensynsløs. Kast ut spor som ikke passer perfekt.
Årsaken er at dårlig timing i demonstrasjonsfasen, siden demonstrasjonen vil fungere som sporingsramme, kan ødelegge et helt prosjekt og uker med arbeidet. En liten rytmeskrubbing kan enkelt festes mens du registrerer demoen. Halvveis gjennom selve sporingprosessen er det et stort problem fordi du må gjøre om et helt prosjekt som er bygd på toppen av den feilen. Jo mindre årvåken du er og jo lenger du forlater problemet i prosjektet ditt, jo større blir problemet.
Det er også viktig å være kresen. Det er ikke noe som ikke er for stort av en avtale fordi noe som virker som en mindre feil, høres ut som en stor feil når alle andre instrumenter har fulgt sin ledelse.
Kortversjon: Hvis hvert spor av din demo ikke er i perfekt tid, kan demoen ikke fungere som ryggraden i ditt siste stykke.
Pitch er ikke så mye av et problem som timing er når det gjelder en demo, selv om du bør sørge for at instrumentene er innstilt godt før du registrerer dem og gjør ditt beste for å oppnå det beste resultatet her.
Imidlertid kan et litt off-pitch-instrument kaste av vokalytelsen i demo og / eller sporingsfasen. Som vokal ytelse er fokus for publikums oppmerksomhet, må du få det riktig.
Hver gang du er ferdig med å spore et bestemt instrument i demonstrasjonsfasen, la sangeren synge sammen og sikre at det ikke er noe som kaster ham eller henne av banen. Problemet i seg selv kan ikke være forårsaket av out-of-tune instrumenter - det kan være alt, inkludert et tidsbestemt problem - men uansett hva det er, bør det håndteres mens du fortsatt er i den mer fleksible og formbare demo-fasen.
På sporingstrinnet i prosjektet bruker du demoen som en veiledning mens du erstatter hvert spor med riktig opptak.
Tegn diagrammer for rackmonteringsutstyr, ta skjermbilder av programtillegg, gjør hva du trenger å gjøre for å få en kopi av innstillingene dine på filen. Dette gjelder også for plassering av mikrofon: ta et bilde eller tegne en, bare vær sikker på at du vet hvordan du setter mikrofonene tilbake slik de var.
Og det betyr at centimeteret, så kom ut linjalen. En centimeter forskjell ser ikke ut som noe for oss, men fra et solidt perspektiv kan det være stort.
Du må være pedantisk om registrering, slik at hvis du trenger å spore en seksjon, eller du bare kan fullføre halvparten av sporen for et bestemt instrument på en dag, kan du hente hvor du sluttet. Uten en identisk lyd må du vanligvis begynne å spore fra bunnen av. Det kan virke som en effekt her eller der, men ofte med tonen i instrumentene endres halvveis gjennom sangen, kommer til å kaste lytteren av.
Så du er ikke sikker på om U87 eller Classic II er en bedre mikrofon for en del, og du kan bare ikke bestemme. Ta opp begge, og velg senere! Det er bedre å ha alternativer enn å sitte fast med et resultat du ikke er fornøyd med. Det populære ordtaket i musikkbransjen er Du kan ikke polere en turd. Vanligvis er det referanse til ytelse, men stol på meg når jeg sier at produksjonsverdiene til et spor kan gi en utmerket ytelseslyd som det ordspråklige, unpolishable crap.
Men noe du kanskje ikke kan tenke på senere, er mikrofonposisjonering (det kan godt være at du har tre og åtti SM57s, men svært få lesere vil ha mer enn en U87 hvis de selv har en i det hele tatt). Tilbring tid på posisjonering. Gjør det riktig.
Hvis du skal bruke utenbordsmessige effekter som EQ og komprimering, vær veldig forsiktig og ring inn innstillingene så lite som mulig. Bruk bare så mye av effekten som du trenger. Utenbordseffekter høres generelt bedre ut enn plug-ins hvis du har flott utstyr, eller du er i et profesjonelt studio, men du kan ikke gå tilbake og endre ting senere. Hvis du er nybegynner til mellomingeniør, vil du ofte finne deg selv fast med et spor som du ikke kan bruke etter at du har forstått at det er ødelagt en eller to uker senere. Det skjer til og med erfarne ingeniører ofte.
Som jeg sa om mic-plassering, tilbringer du tid på påhengsmotoren (eller på annen måte ødeleggende) effekter. Gjør det riktig. Og til og med da, gjør dem subtile; Hvis du ikke har komprimert nok, kan du fikse ting med en plugin. Hvis du har komprimert for mye, er du skrudd.
Routing ofte får ikke en fase av seg selv, og det kan vel ikke ha en for mange lesere. Hvis sjangeren din er minimalistisk folkemusikk som bare bruker to til fem spor per økt, kan du trygt hoppe over dette. De fleste electronica produserer sannsynligvis ikke trenger å gjøre en stor oppstyr over dette. Men hvis du spiller inn masser av virkelige instrumenter og har store, uhåndterlige produktioner som sitter i Pro Tools eller Logic eller hva har du, er ruting en kunstform på egen hånd.
Det er to deler til rutefasen:
Hvis du ikke er sikker på hvordan du oppretter en gruppe aux-sub-mix eller en send / retur-effekt, er det noen opplæringsprogrammer på Audiotuts + som forklarer hver.
Hvis du har en sang med 30 eller 100 spor i prosjektet, er det for mye for deg å håndtere når det gjelder relativ blanding. Bryt alt ned i noen grupper (mindre enn ti, helst mindre enn fem) som vokaler, trommer og gitarer.
Deretter re-rute hvert av disse sporene, slik at de går til en stereo-hjelpekanal i stedet for direkte til stereoanlegget. Få en relativ blanding mellom alle sporene som blir dirigert til hjelperen, og tilbringe litt tid på det for å gjøre det perfekt. Hvis underblandingen er god å gå, må du kanskje ikke røre enkelte spornivåer igjen; bare flytt en av gruppens aux faders for å justere blandingen.
Å blande så få som 20 spor og så mange som noen få hundre er en smertefull prosess. Hvis du kan gjøre det mange bruker mellom tre og ti delmixer, ler du.
Det er vanlig brukte effekter som brukes i nesten alle produksjoner: reverb og forsinkelse er de vanligste, og refleksjonen gir et utseende i de fleste prosjekter. Du bør sette opp send / retur systemer slik at hvert spor sender en viss mengde signal til en enkelt prosessor som passer til alle spor i prosjektet. Dette har to fordeler.
Det er veldig enkelt å ødelegge en sang med misbruk av effekter. Selv om det fortsatt kan skje med bruk av send / retur systemer, er det mye lettere å kontrollere. Forskjellige reverbinnstillinger på forskjellige instrumenter fungerer noen ganger, men ofte vil det forvirre lytterens sinn. Bruke effekter med de samme innstillingene, gjennom de samme prosessorene, bidrar til å knytte sammen og sørge for en mer sammenhengende lyd.
Før du kommer til mixen, vil du sørge for at all lyden er på plass, lined opp, kryssfargede og generelt klar til å bli blandet uten å kreve noen store endringer eller presentere strukturelle problemer. Du må kunne fokusere på nivåene og effektene som brukes i neste fase uten distraksjon.
Det hjelper å ha en redigerings sjekkliste utarbeidet som du kan bruke hver gang du tar opp noe nytt. Du kan bruke noe slikt, selv om det ikke er fullstendig:
Redigeringsregioner innebærer å kutte opp ulike tar og foret opp det beste komporet du kan. 95% av redigeringstiden tilbys vanligvis her, og det er på grunn av trommesettet. Du må gå gjennom hvert trommespor og sørge for at transientene stemmer overens med takt. Det kan ta timer å gjøre riktig. Du må også zoome inn ganske nært, noe som senker tingene ned - dette forhindrer deg i å snappe ting i linje for mekanisk som det ville skje med et normalt zoomnivå. På et normalt zoomnivå vil alle lydene du beveger deg reise videre for å snipe til rutenett, noe som skaper en teknisk perfekt, men følelsesmessig ugyldig ytelse.
Når hver region er på plass, må du opprette minimale fades på hver region for å forhindre popping lyder over hele plassen, og sørg for at hver spleise mellom tar er kryssfargede.
Når du er fornøyd, anser mange det som en god praksis for å konsolidere regioner, slik at det er lettere å jobbe med dem herfra.
Til slutt, mens alt som skal gjøres med skiftende nivåer generelt betraktes som en del av blandingsfasen, kan det være lurt å bruke automatisering til å utjevne volumet av vilt variable spor før du kommer til blandingen. Å blande første halvdel av verset bare for å finne ut andre halvdel av verset, har helt forskjellige dynamiske egenskaper ikke morsomt og kan kreve mye arbeid å fikse (den enkle løsningen er å knekke en veldig tett kompressor på alt, men hvis du vil suge livet fra lyden, gå rett fram!).
Blanding er en så enkel prosess i teorien, og kan likevel bli så komplisert og stressende i virkeligheten. Tanken er å få hver lyd kontrollerbar og estetisk tiltalende med effekter og prosessorer, og få nivåene riktig. Min prosess går noe slikt:
Blanding er egentlig ganske stor, så uten noen form for plan - selv en så grunnleggende som den jeg bare skisserte - vil du ikke vite hvor du skal begynne, eller når du er ferdig. Jeg vet at jeg ender opp med å gjøre mye mer enn jeg oppførte, ofte i en annen rekkefølge enn den jeg oppførte. Men hvis du ikke vet hvor du skal begynne eller hvordan du nærmer deg jobben, vil blandingsøkten ta mye lengre tid, og du vil bli forvirret av problemer med alt fra din forsterkningsstruktur til å prøve å huske hva du har behandlet og hva du har ikke.
Dette er en ganske oversett del av etterproduksjonsprosessen. Når du har en endelig blanding, vil du lage noen få forskjellige versjoner av det og sprette dem til disk. Hver versjon vil inneholde en mild forandring som representerer en liten forandring i fokus på instrumentene i sangen. En med en 1dB lydspor, en med en 1dB roligere ledestang, en med mer uttalt backing vokal, kanskje en med roligere trommer, og listen fortsetter. Vanligvis vil endringer ikke være mer enn 1 eller 2dB.
Du gjør dette fordi mastering endrer lyden av mixen, og dette gir deg muligheten til raskt å lytte til forskjellige mestringsversjoner uten å gå tilbake, endre noe, hoppe på det, mestre det og sammenligne det. Tenk på de mest sannsynlige endringene du vil gjøre og få dem alle klare og hoppet slik at de kan mestrer på en gang.
Hvis du ikke gjør mastering, som trolig er den beste ideen (med mindre du er en mastering ingeniør med en mastering studio), bør du fortsatt gi mastering ingeniør med disse alternativene. De vil ofte ringe deg opp og be om dem hvis du ikke gir dem til å begynne med. Takket være Audiotuts + Plus bidragsyter Bobby Owsinski for dette tipset.
Jeg late som ikke å vite mye om mastering - arbeidsflyten min er å få mine flere versjoner klar og sende dem videre til noen som gjør som om de vil vite. Det beste rådet jeg kan gi deg, er å sende musikken din til mastering ingeniør. Når jeg trenger å gjøre det selv, er det ikke en særlig vitenskapelig metode i det hele tatt; Jeg spretter sanger og viktige dem til en albummastering økt, bruk de vanlige prosessorene, og prøv å få volumene til hvert spor justert så godt jeg kan.
Når det er sagt, er det viktig at mastering er en del av planen din, fordi du må finne en mastering ingeniør, bestille litt av sin tid, og husk å sende arbeidet ditt til ham.
Hvis du insisterer på å mestre selv, må du sjekke ut Audiotuts + nettsiden, da det har noen nyttige opplæringsprogrammer om emnet. Hvis du aldri har tenkt å bruke en mastering ingeniør, gjør deg selv en tjeneste og få en mer avansert utdanning i emnet.
Accentsconagua