Bruke omgivende teknikker for komponering

"I moderne opptak er et av de største problemene at du er i en verden med uendelige muligheter. Så jeg prøver å stenge muligheter tidlig. Jeg begrenser valg. Jeg begrenser folk til et lite manøvrering. Det er grunn til at gitar spillere produserer alltid mer interessant musikk enn synthesizer-spillere: Du kan gå gjennom mulighetene på en gitar om et minutt, etter at du må begynne å lage estetiske og stilistiske beslutninger. Denne datamaskinen kan inneholde tusen synths, hver med tusen lyder. Jeg prøver å gi begrensninger for folk. "
- Brian Eno

Flickr Bilde av Eptin


Introduksjon

Jeg har tenkt mye på det siste om begrensninger og muligheter i forhold til komponering. Bruke datamaskiner og programvarepakker som Logic, Cubase, Sonar eller Reason, er våre musikalske muligheter nesten uendelige. Likevel finner jeg ofte meg selv sitter foran arbeidsstasjonen min, og klikker gjennom hundrevis av synth eller sampler forhåndsinnstillinger i stedet for å skrive musikk faktisk..

De store omgivende og minimalistiske komponistene i vår tid forstår klart de potensielle fallgruvene til våre nesten ubegrensede muligheter. Deres løsning er å forsøke å skape med mindre - å skape en fullstendig musikalsk verden i et gitt øyeblikk, men å gjøre det under et bestemt sett med regler eller restriksjoner. Disse regler og begrensninger kan variere mye fra komponist til komponist, men heldigvis for oss, ved hjelp av en av deres teknikker kan det være nyttig for nesten hvilken som helst musikkstil.

I denne opplæringen vil vi undersøke noen enkle teknikker du kan bruke når du komponerer musikk - enten det er omgivende, minimalistisk eller til og med rock eller pop. Enhver kunstner kan dra nytte av å lære disse teknikkene, og bruke dem til å komme seg gjennom forfatterens blokk, utfordre sin kreativitet på nye måter, eller bare forfine og praktisere sine ulike ferdigheter.


Begrense dine valg

Som Brian Eno nevnt i sitatet ovenfor, kan begrensende valg være en rask og enkel måte å tvinge et nytt perspektiv på komponering. Ved å redusere mulighetene, trenger du å tenke på et mindre område. Når du er begrenset til et mindre sett av muligheter, må du undersøke alle de ubevisste valgene du vanligvis gjør når du skriver et bestemt spor.

Flickr bilde av bredgur

En kraftig måte å pålegge grenser på er å endre komponentprogramvaren. For eksempel, for noen av mine nye låter bruker jeg GarageBand - ikke fordi jeg tror det nødvendigvis er det beste verktøyet for jobben, men heller fordi det allerede presenterer meg med et begrenset sett med valg med hensyn til lydopprettelse og manipulasjon er opptatt. Mens Logic er min primære DAW, kan det enorme spekteret av funksjoner og soniske muligheter noen ganger være en forlegenhet på rikdom. Bruke GarageBand her krever at jeg tar valg om utføring, opptak, redigering og behandling, innenfor et annet, mindre sett med muligheter.

Så - å begrense vår programvare er en måte å begrense våre valg på. Her er noen andre måter vi kan begrense våre valg som til slutt kan tjene våre sammensetningsmål.

  • Begrense programvarevalg - Bruk en enklere DAW, bruk kun MIDI, bruk bare lyd, eller skriv en hel melodi med bare en softsynth.
  • Begrens etterbehandling - Ikke bruk noen form for komprimering, EQ eller andre masteringsteknikker for å fullføre sangen din. Få miksen til å lyde bra mens du komponerer og legger den på det.
  • Begrens harmonisk og melodisk innhold - Prøv å begrense sangen din til bare noen få akkorder, eller noen få enkle melodiske setninger. Husk at du fortsatt må holde musikken engasjerende - hvis ikke interessant - for lytteren!
  • Begrense rytmisk innhold - Prøv å komponere en melodi uten merkbar meter eller tempo. Eller prøv å komponere i en ny tidsskrift som 7/8 eller 5/4.
  • Limit Form - Prøv å jobbe med en mer enkel eller mer komplisert musikalsk form - noe annet enn vanlig ABBA sangform, etc..

Når du begynner å eksperimentere med teknikker som disse, finner du at mange av dem er ubehagelige og bare ikke føler "riktig" for komponentstilen din. Dette er en god ting! Det ubehag betyr at du begynner å utvikle musikalske muskler du ikke har brukt før. Når vi har vært lat og ikke trent i en stund, finner vi at musklene og leddene har en tendens til å motstå (eller protestere) når vi endelig bestemmer oss for å gå ut for en løp. På samme måte er musikken vår begrenset til musklene vi bruker eller ikke bruker - så trening bruker hele spekteret av evner. Jeg garanterer at du blir overrasket over resultatene.


Gå økologisk

Med letthet og kraft til våre DAWs, softsynths og samplers, blir mange av oss fast i syntetisk land. En kraftig måte å puste nytt liv på i våre musikalske komposisjoner er å kreve at vi går organisk og bruker mer (eller utelukkende) organiske lyder.

Flickr bilde av Secret Tenerife

Innlemme organiske lyder kan bety mange forskjellige ting, så la oss se på noen muligheter.

  • Bytt Synth Tracks With Acoustic Tracks - Erstatt ett eller flere av dine eksisterende spor med akustiske overføringer av det samme. Hvor det en gang kan ha vært en monofonisk lead synth, bruk i stedet klarinett eller fløyte eller vokal. Når du har registrert det, bruk etterbehandlingen for å omforme den og mugg den slik at den passer til sporet ditt.
  • Bruk funnet lyder - Vi har allerede sett noen opplæringsprogrammer (som denne) om hvordan feltopptak eller funnet lyd kan hjelpe deg med å lage en unik og enestående palett for musikken din. Tilbring litt tid på lydopptak fra hjemmet ditt, nabolaget eller byen - og prøv å finne nye måter å inkludere disse lydene på i musikken din.
  • Organisk som bølgeform - For de mer avanserte prøveteknikkene der ute kan du vurdere å samle noen organiske lyder, og deretter redigere lydene dine ned til mindre bølgeformbiter - like små som en enkelt syklus. Derfra kan du laste disse bølgeformene til sampler du ønsker og lage nye instrumenter.
  • Gå alt inn - Når var sist gang du bare begynte å lage støy på alt rundt deg og opptak? Sett opp en mikrofon midt på rommet ditt, sett på noen hodetelefoner, og start opptaket. Deretter begynner du å spille på rommet ditt. Når du kommer til en slags logisk konklusjon, stopp opptaket, arm et nytt spor og gjenta. Du kan begynne å lage noen virkelig unike lydbilder på denne måten som kan føre til nye prøvesett, nye rytmespor eller med noen klare etterbehandlinger, omgivende pads eller senger.
  • Bruk en båndstøtte - Tilpass et av dine all-elektroniske spor i et all-akustisk spor. Inviter over noen av dine musikalsk talentfulle venner, kjøp dem lunsj og øl, og tilbringer dagen med opptak og arrangere melodien din på bare akustiske instrumenter. Dette kan være en utrolig morsom og befriende prosess for musikken som normalt jobber solo, i et lite rom, med bare elektronikk ... Som meg.

Spill med kontrast

Noen ganger kan musikere bli skremt av sin egen uttrykksevne. Saken i punkt: Når var den siste gangen du laget en virkelig høy, eksplosiv, hard eller gitter sang? Alternativt, hvis du er i et speed-metal eller en hardcore-artister av noe slag, når var den siste gangen du laget en virkelig myk, kuldebane?

Flickr bilde av aussiegall

Du kan kanskje si til deg selv: "Jeg lager den typen musikk jeg lager, og jeg er ikke interessert i å gjøre noe annerledes." Igjen - betrakt dette som en form for 'praksis', som å spille skalaer eller lære nye rytmer - og et middel til å bøye dine musikalske muskler. lær å spille med kontrast, i en sang og med sanger i det hele tatt.

Med teknikker som dette er det viktig å ikke bli fanget opp i estetikken - ikke bekymre deg for mye om hvordan sluttproduktet høres ut, eller om noen vil like det. Dette er en praksis - så ta det som sådan. Spill med ekstreme kontraster i volum, i tekstur og timbre. Lag en sang der hvert spor bruker noen form for stor forvrengning. Alternativt kan du komponere et spor hvor hver lyd har et trukket og mykt angrep. Forsøk deretter å sammenkoble de to elementene i samme sang.

En av mine favoritteksempler på denne teknikken er brukt til stor effekt av Peter Gabriel i sin sang 'Darkness' fra 'Up' albumet. Legg merke til hvor dramatisk skiftet er fra intro til vers - myk, dempet arpeggio, etterfulgt av hardforvrengt gitar. Denne teknikken gjentar i kontrast fra vers til kor og bro.


Stillhet og bevegelse

Trær, mens det generelt ikke regnes som en "mobil" ting, er sjelden fortsatt. Det er en iboende kontrast mellom den truende soliditeten av en stamme, og den subtile veving av lemmer, grener og blader.

Flickr bilde av Lincolnian (Brian)

Som komponister er en av våre mest kraftfulle allierte i å påvirke følelser hos våre lyttere kraften i dynamikken. På overflatenivå kan dynamikk ganske enkelt henvise til den tilsynelatende høyheten eller mykheten til et bestemt musikalsk element. Mer generelt, men dynamikk refererer til den inneboende stillheten eller bevegelsen i et gitt stykke. Dette omfatter ikke bare volumendringer, men også tempo, angrep, opprettholde og endringer av et gitt element over tid.

Det er et stort antall måter vi kan spille med bevegelse og stillhet i en sang, men her er noen forslag:

  • Automasjon - Eksperimenter med automatisering av panorering, volum, EQ og effektparametere over lange perioder.
  • Lag statisk - Eksperiment med opprettelse av statiske spor - spor som gjentar, uendret i lange perioder. Disse kontrastene godt med de andre sporene som kan skiftes rundt dem.
  • Vær som trærne - Ok, jeg kunne ikke tenke på en bedre måte å beskrive dette på, men ideen her er at du har en relativt enkel, subtil base for sangen din. Deretter lager du en rekke "gren-, lemmer og blader" -spor som vil bevege seg og flette rundt det grunnsporet.

Et utmerket eksempel på denne teknikken finnes i Steve Roachs "Fossil and Fern".


Defy Expectation

Noen stilarter av musikk trives på å sette opp og levere på musikalske forventninger. Hus og Trance musikk er for eksempel spesielt effektiv i klubber og raves fordi de telegraf musikkoppbygginger og nedbrudd til lytteren. På denne måten har lytteren en viss forventning, og de belønnes når den forventningen kommer til å skje, og skaper en slags "felles opplevelse" som deres dans stemmer overens med musikken.

Flickr bilde av K. Kendall

Noen ganger er det imidlertid like kraftig å forstyrre forventningene i musikken vår fordi det kan føre til at lytteren setter seg opp og legger merke til det. Her er noen måter du kan tro på forventning i musikken din.

  • Endre skjema - Som nevnt ovenfor, eksperimentere med å plassere vers, kor eller broer der du ikke nødvendigvis forventer dem.
  • Endre akkorder - Bruk forsiktig plassering av akkorder for å forstyrre normale kadene for å skape spenning og slippe ut. Her er en flott opplæring på kadene.
  • Bytt ut instrumenter - Hvis du har en bestemt melodisk eller harmonisk linje, bør du vurdere å erstatte instrumentasjonen for den linjen i en del av sangen din. For eksempel, hvis gitaren din har en harmoni eller rytmedel under første vers, passerer den delen over til et piano under det andre verset.
  • Ikke gi dem det de vil ha (minst ikke ennå) - Hvis du lager elektronisk musikk og jobber buildups og breakdowns, bør du vurdere å strekke dem ut til to ganger deres normale lengde. Alternativt, når du har gått gjennom en sammenbrudd, ikke gå gjennom en buildup - bare gå rett tilbake til full mix, etc.

Konklusjon

Disse teknikkene skal først og fremst betraktes som øvelser. Tenk på dem som vektløfting eller calisthenics for musikken din. Sluttresultatene fra disse øvelsene kan ikke nødvendigvis alltid være det beste musikalske valget for de endelige komposisjonene dine. Men å ha en forståelse av disse teknikkene, og å bruke dem selektivt for å begrense de endeløse mulighetene du står overfor som komponist, kan bare hjelpe deg i din søken etter å skrive god musikk.

Jeg håper denne opplæringen har vært nyttig, og at du vil ta noen av disse ideene og bruke dem i ditt eget arbeid. Hvis du gjør det, vil jeg gjerne vite hvordan de jobbet for deg - vennligst gi meg beskjed i kommentarene!