Share
"I moderne opptak er et av de største problemene at du er i en verden med uendelige muligheter. Så jeg prøver å stenge muligheter tidlig. Jeg begrenser valg. Jeg begrenser folk til et lite manøvrering. Det er grunn til at gitar spillere produserer alltid mer interessant musikk enn synthesizer-spillere: Du kan gå gjennom mulighetene på en gitar om et minutt, etter at du må begynne å lage estetiske og stilistiske beslutninger. Denne datamaskinen kan inneholde tusen synths, hver med tusen lyder. Jeg prøver å gi begrensninger for folk. "
- Brian Eno
Flickr Bilde av Eptin
Jeg har tenkt mye på det siste om begrensninger og muligheter i forhold til komponering. Bruke datamaskiner og programvarepakker som Logic, Cubase, Sonar eller Reason, er våre musikalske muligheter nesten uendelige. Likevel finner jeg ofte meg selv sitter foran arbeidsstasjonen min, og klikker gjennom hundrevis av synth eller sampler forhåndsinnstillinger i stedet for å skrive musikk faktisk..
De store omgivende og minimalistiske komponistene i vår tid forstår klart de potensielle fallgruvene til våre nesten ubegrensede muligheter. Deres løsning er å forsøke å skape med mindre - å skape en fullstendig musikalsk verden i et gitt øyeblikk, men å gjøre det under et bestemt sett med regler eller restriksjoner. Disse regler og begrensninger kan variere mye fra komponist til komponist, men heldigvis for oss, ved hjelp av en av deres teknikker kan det være nyttig for nesten hvilken som helst musikkstil.
I denne opplæringen vil vi undersøke noen enkle teknikker du kan bruke når du komponerer musikk - enten det er omgivende, minimalistisk eller til og med rock eller pop. Enhver kunstner kan dra nytte av å lære disse teknikkene, og bruke dem til å komme seg gjennom forfatterens blokk, utfordre sin kreativitet på nye måter, eller bare forfine og praktisere sine ulike ferdigheter.
Som Brian Eno nevnt i sitatet ovenfor, kan begrensende valg være en rask og enkel måte å tvinge et nytt perspektiv på komponering. Ved å redusere mulighetene, trenger du å tenke på et mindre område. Når du er begrenset til et mindre sett av muligheter, må du undersøke alle de ubevisste valgene du vanligvis gjør når du skriver et bestemt spor.
Flickr bilde av bredgur
En kraftig måte å pålegge grenser på er å endre komponentprogramvaren. For eksempel, for noen av mine nye låter bruker jeg GarageBand - ikke fordi jeg tror det nødvendigvis er det beste verktøyet for jobben, men heller fordi det allerede presenterer meg med et begrenset sett med valg med hensyn til lydopprettelse og manipulasjon er opptatt. Mens Logic er min primære DAW, kan det enorme spekteret av funksjoner og soniske muligheter noen ganger være en forlegenhet på rikdom. Bruke GarageBand her krever at jeg tar valg om utføring, opptak, redigering og behandling, innenfor et annet, mindre sett med muligheter.
Så - å begrense vår programvare er en måte å begrense våre valg på. Her er noen andre måter vi kan begrense våre valg som til slutt kan tjene våre sammensetningsmål.
Når du begynner å eksperimentere med teknikker som disse, finner du at mange av dem er ubehagelige og bare ikke føler "riktig" for komponentstilen din. Dette er en god ting! Det ubehag betyr at du begynner å utvikle musikalske muskler du ikke har brukt før. Når vi har vært lat og ikke trent i en stund, finner vi at musklene og leddene har en tendens til å motstå (eller protestere) når vi endelig bestemmer oss for å gå ut for en løp. På samme måte er musikken vår begrenset til musklene vi bruker eller ikke bruker - så trening bruker hele spekteret av evner. Jeg garanterer at du blir overrasket over resultatene.
Med letthet og kraft til våre DAWs, softsynths og samplers, blir mange av oss fast i syntetisk land. En kraftig måte å puste nytt liv på i våre musikalske komposisjoner er å kreve at vi går organisk og bruker mer (eller utelukkende) organiske lyder.
Flickr bilde av Secret Tenerife
Innlemme organiske lyder kan bety mange forskjellige ting, så la oss se på noen muligheter.
Noen ganger kan musikere bli skremt av sin egen uttrykksevne. Saken i punkt: Når var den siste gangen du laget en virkelig høy, eksplosiv, hard eller gitter sang? Alternativt, hvis du er i et speed-metal eller en hardcore-artister av noe slag, når var den siste gangen du laget en virkelig myk, kuldebane?
Flickr bilde av aussiegall
Du kan kanskje si til deg selv: "Jeg lager den typen musikk jeg lager, og jeg er ikke interessert i å gjøre noe annerledes." Igjen - betrakt dette som en form for 'praksis', som å spille skalaer eller lære nye rytmer - og et middel til å bøye dine musikalske muskler. lær å spille med kontrast, i en sang og med sanger i det hele tatt.
Med teknikker som dette er det viktig å ikke bli fanget opp i estetikken - ikke bekymre deg for mye om hvordan sluttproduktet høres ut, eller om noen vil like det. Dette er en praksis - så ta det som sådan. Spill med ekstreme kontraster i volum, i tekstur og timbre. Lag en sang der hvert spor bruker noen form for stor forvrengning. Alternativt kan du komponere et spor hvor hver lyd har et trukket og mykt angrep. Forsøk deretter å sammenkoble de to elementene i samme sang.
En av mine favoritteksempler på denne teknikken er brukt til stor effekt av Peter Gabriel i sin sang 'Darkness' fra 'Up' albumet. Legg merke til hvor dramatisk skiftet er fra intro til vers - myk, dempet arpeggio, etterfulgt av hardforvrengt gitar. Denne teknikken gjentar i kontrast fra vers til kor og bro.
Trær, mens det generelt ikke regnes som en "mobil" ting, er sjelden fortsatt. Det er en iboende kontrast mellom den truende soliditeten av en stamme, og den subtile veving av lemmer, grener og blader.
Flickr bilde av Lincolnian (Brian)
Som komponister er en av våre mest kraftfulle allierte i å påvirke følelser hos våre lyttere kraften i dynamikken. På overflatenivå kan dynamikk ganske enkelt henvise til den tilsynelatende høyheten eller mykheten til et bestemt musikalsk element. Mer generelt, men dynamikk refererer til den inneboende stillheten eller bevegelsen i et gitt stykke. Dette omfatter ikke bare volumendringer, men også tempo, angrep, opprettholde og endringer av et gitt element over tid.
Det er et stort antall måter vi kan spille med bevegelse og stillhet i en sang, men her er noen forslag:
Et utmerket eksempel på denne teknikken finnes i Steve Roachs "Fossil and Fern".
Noen stilarter av musikk trives på å sette opp og levere på musikalske forventninger. Hus og Trance musikk er for eksempel spesielt effektiv i klubber og raves fordi de telegraf musikkoppbygginger og nedbrudd til lytteren. På denne måten har lytteren en viss forventning, og de belønnes når den forventningen kommer til å skje, og skaper en slags "felles opplevelse" som deres dans stemmer overens med musikken.
Flickr bilde av K. Kendall
Noen ganger er det imidlertid like kraftig å forstyrre forventningene i musikken vår fordi det kan føre til at lytteren setter seg opp og legger merke til det. Her er noen måter du kan tro på forventning i musikken din.
Disse teknikkene skal først og fremst betraktes som øvelser. Tenk på dem som vektløfting eller calisthenics for musikken din. Sluttresultatene fra disse øvelsene kan ikke nødvendigvis alltid være det beste musikalske valget for de endelige komposisjonene dine. Men å ha en forståelse av disse teknikkene, og å bruke dem selektivt for å begrense de endeløse mulighetene du står overfor som komponist, kan bare hjelpe deg i din søken etter å skrive god musikk.
Jeg håper denne opplæringen har vært nyttig, og at du vil ta noen av disse ideene og bruke dem i ditt eget arbeid. Hvis du gjør det, vil jeg gjerne vite hvordan de jobbet for deg - vennligst gi meg beskjed i kommentarene!
Accentsconagua