Share
Det er lett å tro at å få en god blanding er bare et spørsmål om å skyve opp noen faders, få en rimelig balanse, legge til noen effekter og dine ferdige. Visst, det kan fungere for en grov blanding, men det er mye mer som går inn i å lage en flott blanding som er langt utover det grunnleggende spørsmålet om balanse. Dette er de tingene som vanligvis tar litt erfaring eller en mentor å innse. Mens det er så mye lettere hvis du ser og lytter mens en flott mikser gjør sin ting, la meg påpeke en rekke immaterielle materialer som er avgjørende for en god blanding. Bevissthet er alltid det første trinnet i læring, så her er noen ting du bør vurdere før du begynner å flytte faders rundt.
Det er veldig enkelt å bli fanget opp i bare lyddelen av å være ingeniør, men med mindre du seriøst vurderer hvordan selve musikken er satt sammen (forutsatt at det er det du selvfølgelig er ingeniørarbeid), vil ditt ultimative produkt sannsynligvis ikke lyde flott, uansett hvor bra du er på å balansere spor.
Jeg er sikker på at alle med en liten opplevelse har funnet ut at arrangementet vanligvis er # 1 ikke-lydproblemet i en blanding. I disse dager med ubegrensede spor er det altfor enkelt å ha flere og flere musikalske elementer sammen med dobler og tripper og stabler av alt du kan tenke på. Du kan enkelt slå opp med hundre spor for å vasse gjennom, og det gir deg en umulig oppgave å gjøre det høres ut som noe mer enn en masse tett lydgutt. En god produsent vil vanligvis få mening for arrangementet, paring ting ned til der det er rimelig, men noen ganger produsenten er den som kreves alt, men kjøkkenvasken legges til. Og hvis låtskriveren ikke har en medfødt følelse av arrangement (mange gjør, heldigvis), har du et rot på hendene.
Derfor er det viktig at blandingeniøren er oppmerksom på noen grunnleggende musikkarrangementsprinsipper, fordi en stor del av å være en blandingeniør er å vite når du skal dempe ting og vite bare hvilke elementer som har forrang i en viss del av melodien.
God balanse begynner faktisk med god ordning, så det er viktig å forstå ordningen fordi så mye av blanding er faktisk subtraktiv av natur. Dette betyr at arrangementet og dermed balansen endres ved den enkle handlingen å dempe eller senke nivået på et instrument hvis del ikke passer godt med en annen. Hvis instrumentene passer godt sammen ordningsmessig og ikke kjemper hverandre, så blir livet ditt som en blender bare utrolig enklere. Men hva betyr "å kjempe mot hverandre" betyr?
Bekjempelse betyr at to mikseelementer krever samtidig oppmerksomhet. Det kan være at rytmene er sammenstøt, eller instrumentets frekvensområder er de samme, eller de generelle lydene er for like. Uansett vet øret ikke hva du skal lytte til, fordi hver krevende oppmerksomhet, så det blir bare forvirret. Når øret blir forvirret, blir det også trøtt, og når det blir trøtt, mister det interessert sammen. Du har nettopp beseiret meningen med mixen i første omgang, som er å få oppmerksomhet, ikke miste det.
Så hvordan får du rundt to instrumenter "slåss" hverandre? Først og fremst er et godt skrevet arrangement som holder instrumenter ut av hverandres måte helt fra begynnelsen. De beste forfatterne, arrangørene og produsentene har en medfødt følelse for hva som skal fungere ordningsmessig, og resultatet er et arrangement som automatisk legges sammen uten mye hjelp. Erfaring vil også hjelpe en forfatter eller arrangør vet ganske raskt hva som fungerer sammen og hva som ikke også.
Men det er ikke uvanlig å jobbe med en artist eller et band som ikke er sikker på arrangementet (veldig vanlig), eller prøver å eksperimentere med hver lyd de finner, eller bare lar et instrument spille hele sangen i stedet for bare hensiktsmessig seksjon, og derved skape mange konflikter. Dette er hvor blanderen får en sjanse til å omorganisere sporet ved å holde det som virker og dempe eller senke det motstridende instrumentet eller instrumentene. Ikke bare kan blanderen påvirke arrangementet på denne måten, men også dynamikken og den generelle utviklingen av sangen også.
For å forstå hvordan arrangement påvirker balanse, må vi først forstå mekanikken til et velskrevet arrangement.
De fleste godt utformede ordninger er begrenset i antall elementer som oppstår samtidig. Et element kan være et enkelt instrument som en hovedgitar eller et vokal, eller det kan være en gruppe instrumenter som bas og trommer, en doblet gitarlinje, en gruppe av baksang, osv.. Generelt sett betraktes en gruppe instrumenter som spiller nøyaktig den samme rytmen som et element. Eksempler: En fordoblet blygitar eller doblet vokal er et enkelt element, som er et hovedstemme med to ekstra harmonier som synger samme melodi. Hvis basen spiller veldig tett med spark og snare, kan det også være et enkelt element. To hovedgitarer som spiller forskjellige deler er imidlertid to elementer. En bly og en rytmegitar er også to separate elementer. Så hva er et element da?
Det er 5 elementer i alle arrangementer.
Det største problemet med de fleste arrangementer som ikke virker, er at de har for mange elementer på samme tid. Du kan ikke ha 4 perkusjonselementer, 5 gitarelementer, 3 tastaturelementer, en rytmeseksjon og bly- og bakgrunnssang og ikke blir fysisk sliten av å lytte fordi det er for mye å gå på!
Sinnet ubevisst lengter etter enkelhet og belønner en enkel ordning med oppmerksomhet, som er det vi vil ha skje, selvfølgelig. Men hva betyr enkelhet?
Du bør aldri ha mer enn 4 elementer som forekommer samtidig. Du kan komme unna med 5 hver gang en stund, men 4 er vanligvis maks. "Men det er vanligvis mer enn 4 instrumenter som spiller i de fleste tingene jeg lytter til i disse dager," sier du? Ja, men de spiller vanligvis de samme delene. For eksempel, hvis du har en doblet gitardel med en tredje spor som spiller den samme delen en oktav over, er det 3 instrumenter som bare spiller 1 del, så det teller bare som 1 element. Hvis en gitar dobler en basslinje, er det bare ett element. Hvis du har et hovedstemme som er doblet med en annen vokal en oktav over, er det fortsatt bare ett element. Et symfoniorkester kan ha 120 instrumenter, men når du bryter det ned, spiller de bare bare et begrenset antall elementer. Til slutt kommer alt ned til 4 av de 5 elementene som er nevnt ovenfor.
Her er noen eksempler på hvordan arrangementselementene fungerer i ulike sanger. Hvis de virker kjente, er det fordi jeg har brukt noen av disse eksemplene i The Mixing Engineer's Handbook, men de er en god anmeldelse selv om du har lest dem før.
I Bob Segers radiostandard Night Moves, Instrumentene som spilles er bass og trommer, akustisk gitar, piano, Hammond-orgel, hovedstemme og bakgrunnssang. Slik bryter de ut.
Vanligvis faller en akustisk gitar inn i Rhythm-kategorien som strumming presser bandet og skaper spenning. I "Night Moves", Men akustisk gitar blir trukket tilbake nivåvis i blandingen, slik at den melds inn i rytmafsnittet, blir effektivt en del av grunnelementet. Det er slik at blanderen kan påvirke blandingen av balanse når han er klar over arrangementet.
Alanis Morissette s Takk inneholder flere gode eksempler på både rytme og pads. Hva er forskjellig er at det er to sett av hver; en for intro og kor og et annet sett for versene.
Selvfølgelig er det så mye mer som skjer i denne sangen sporvis, men noen ekstra spor er enten å erstatte eller doble de ovennevnte elementene. Antallet av elementer forblir konstant.
Gnarls Barkley's Crazy er en veldig strippet sang med svært få lag, men de fire hovedelementene er alltid der.
Denne sangen er uvanlig fordi bassen med den doble gitarlinjen faktisk presser sangen fremover og faktisk blir rytmen. Ganske uvanlig, men effektiv!
Rascal Flatts 'Det som gjør vondt mest, er et eksempel på den "nye" countrymusikken, som ligner på lagdelt popmusikk, unntatt med tillegg av tradisjonelle landinstrumenter (stålgitar, banjo, fiol).
Denne sangen er uvanlig fordi den ikke har signaturlinje, eller Fyll element, i intro og outro, og en sann Fyll bare på ett sted for hver. Basen er også blandet veldig høyt og tar opp mye plass i blandingen.
Denne sangen er annerledes fordi det ikke er noen ekte Pad i tradisjonell forstand, men stålgitaren spiller mykt i bakgrunnen, fungerer bra og viser at det er mulig for ikke-tradisjonelle instrumenter å spille den rollen.
Det er et par enkle å huske regler som alltid vil gjøre det tetteste arrangementet håndterbart.
Som sagt tidligere, bør det ikke være mer enn fire elementer som spilles samtidig. Noen ganger kan tre elementer fungere veldig bra. Svært sjelden vil fem samtidige elementer fungere. Dette er ditt første fokus som en mikser. Gjør produsenten og kunstneren oppmerksom på hvor mye bedre blandingen vil høres med færre elementer i stedet for mer.
Nå, hvis noen (som kunstneren) er gift med en del, er det ikke noe å begging, beordring eller show og fortell det vil skifte seg, så en ting du kan gjøre, er å kontrollere balansen mellom de lovende instrumentene. Hvis 2 eller flere elementer kjemper, kan de bare ikke leve på samme nivå, så vær forberedt på å gjøre en til et støttende tegn. Noen ganger kan et element trukket tilbake i blandingen blande seg inn i et annet element og faktisk gjøre det mer interessant, men bare hvis følgende punkt observeres.
Denne regelen er så viktig at den må stresses. Arrangementet vil passe sammen bedre hvis alle instrumenter sitter i sitt eget frekvensområde. For eksempel, hvis en synthesizer og rytmegitar spiller motelementene i samme oktav, vil de vanligvis kollidere. Løsningen ville enten endre lyden av en av instrumentene slik at de fyller forskjellige frekvensområder, har ett spill i en annen oktav, eller har dem til å spille på forskjellige tidspunkter, men ikke sammen.
Når to instrumenter med stort sett samme frekvensbånd spiller på samme volum samtidig, er resultatet en kamp for oppmerksomhet. Tenk på det på denne måten; du hører vanligvis ikke et hovedstemme og en gitar solo på samme tid, gjør du? Det er fordi det menneskelige øret ikke kan bestemme seg for å lytte til og blir forvirret og utmattet som et resultat.
Gitarer kjemper ofte for å bli hørt. Dette skjer vanligvis når du har en gitarist som stabler deler med samme gitar og forsterker, eller i en live situasjon når du har to gitar spillere hver med samme type gitar og forsterker (to Les Pauls og to Marshalls ved hjelp av samme innstillinger for henting ville være mareritt scenariet, for eksempel).
I studiet er det første du må gjøre, å overbevise gitaristen om at det virkelig er til fordel for deg å prøve å spille noen av de store delene med en annen gitar eller forsterker eller høyttalerkabinett eller til og med alt ovenfor. Det vil gjøre noen deler eller stabler bare det mer spennende uten å måtte til og med berøre en EQ knop. Det er lettere sagt enn gjort, for noen ganger vil en gitarist gifte seg med sin (eller hennes) lyd eller gitar og nekter å forandre (som en rase, vi er gitaristene er sånn). Nå er det på tide å nå EQ. Forresten, forandrer pedaler ikke i denne situasjonen, siden de vanligvis bare øker gevinsten og kan ikke endre frekvensbalansen på instrumentet så mye. En modulasjonspedal kan fungere hvis den endrer instrumentets tonefrekvens.
Når det gjelder et band som spiller live på en konsert eller i studio med gitaristene som bruker samme modellinstrumenter og forsterkere, så er det på tide å lære dem hvorfor tonekontrollene ble satt på forsterkere. Som regel har de fleste musikere ingen anelse om hvordan man bruker noe som justerer frekvensbåndet til instrumentet. Det er 3 generelle grunner til å bruke forsterkeren EQ:
1. Mange instrumenter (som bass og gitar) har døde flekker på instrumentet der noen notater kan falle på nivå. En bit av EQing kan hjelpe glatte ting ut hvis du kan null inn på frekvensbåndet i notatene som slipper ut.
2. Du må kompensere for et bredt frekvensfeil. Dette kan bety en situasjon der en Strat kanskje ikke har nok bunn når man spiller gjennom Marshall Jubilee, slik at du vil legge til litt lav end med tonekontroller for å kompensere. På den annen side kan en Les Paul gjennom samme forsterker være for bunn tung, så du vil trekke ned noen bunn. Og da kan den samme Straten bare ha et mellomrom som er som en isplukke gjennom trommehullene på bestemte notater, så du vil komme tilbake på midtområdet litt og trekke plukket ut av ørene.
3. Og til slutt, i våre to Les Paul - to Marshall-scenarier hvor 2 spillere bruker samme modellinstrumenter og forsterkere. For å passe godt sammen frekvensvis, ville en spiller justere tonen sin for å ha litt mer bunn og kanskje scoop ut den nedre midtbanen mens den andre spilleren ville gå for mer toppende med en midrange-topp akkurat der den andre fyren skutt den ute. Der har du det - øyeblikkelig blanding.
Selvfølgelig er det aldri så enkelt i det virkelige livet. De fleste gitaristene kommer aldri til nirvana med lyden, og de vil aldri avvike fra alt de er komfortable med. Men hvis de får høre hvor vellykket teknikken fungerer i studioet, er de vanligvis litt mer åpne for eksperimentering etterpå. Selvfølgelig kan du alltid fortelle dem at xxx (fyll inn deres favorittartist) gjør det på den måten, fordi han sannsynligvis gjør det.
Hver sang har noe som er hovedpoenget eller noe så overbevisende at du ikke kan ta ørene av det (hvis ikke, send sangen tilbake til tegnebrettet. Den er ikke fullført).
Selv om du har kontroll over hvordan de fem foregående elementene vises, kan det være tilstrekkelig for mange typer lydjobber, og det kan være bra å få en anstendig blanding, og populær musikk krever en blanding som kan ta sangen til et annet nivå. Selv om det alltid er enklere med flotte spor, solide arrangementer og spektakulær spill, kan en flott blanding bare ta OK spor og forvandle dem til slått materiale, så overbevisende at folk ikke kan få nok av det. Det har blitt gjort på noen av dine favoritt all-time sanger.
Så hvordan kan vi komme til det punktet?
Mer enn å være bare teknisk korrekt, må en blanding være like interessant som en god film. Den må bygge til et klimaks mens du har spenningspunkter og utgivelser for å holde lytteren ubevisst involvert. Akkurat som en film ser større ut enn livet, må en flott blanding høres større enn det virkelige livet. Lidenskapen og følelsene må være på et nivå der lytteren suges inn og tvunget til å lytte.
Og måten å gjøre det på? Finn det elementet som er det viktigste for sangen. I noen tilfeller (som dans og rapp musikk) er det viktigste elementet sporet. Men i andre sjangere (som Country), er det vokal. Det Rock og Pop det kan være en signaturlinje eller krok.
Selv om det viktigste elementet ofte er hovedstemmen, trenger det ikke nødvendigvis å være. Det kan være en riff som fra The Stone Tilfredshet og Start meg opp eller intro til Coldplay Klokker eller rytmen på versene av den arktiske apen Jeg Bet du ser bra ut på Dancefloor. Det er alltid en del så overbevisende at det tvinger deg til å lytte til sangen.
Uansett hvilken del som er viktigst, må blanderen identifisere den og understreke den i blandingen for at blandingen skal bli forhøyet utover det vanlige.
Accentsconagua