Skriver for orkesterinstrumenter

Noen komponister nyter fortsatt det fantastiske privilegiet å jobbe med et liveorkester for å registrere sitt arbeid. Tenk deg at du har et 60-strengers orkester som bare sitter foran deg, klar til å spille din siste komposisjon. En full treblåser og messingavdeling der og venter på å by på! Så hvordan lager du dine musikalske ideer på en slik måte at hver del lyder perfekt skreddersydd og "akkurat" for det instrumentet? 

Hvordan høres klarinet faktisk i et bestemt gitt oktavspekter? Er denne delen kommer til å være for lav for oboe? Hvordan kan min cello-del best følge den fantastiske feiende fiolinstemmen jeg nettopp har skrevet? Og når tar jeg med i de franske hornene - hvordan vil det endre den totale "følelsen" av stykket på dette tidspunktet? 

I denne innledende artikkelen til et som er et svært komplekst, mangesidig tema, vil vi se på noen av det grunnleggende som kan peke deg i riktig retning, forhåpentligvis med noen interessante musikalske utdrag som illustrasjon.

Beethoven, Tchaikovsky, Mahler og Shostakovitch

Først og fremst bidrar det til å huske at orkesterskrifter er et håndverk som går tilbake i århundrer. Ganske mange kjente mennesker har allerede vært der og gjort det, noen av dem ganske bra! Så det er ikke en dårlig ide å se hva vi kan lære av dem. 

Orkesterets størrelse og sminke har utviklet sig over tid fra den avklarte "pre-klassiske" og "klassiske" strengen og "to av hver" treblåser, til de mye mer tungviktige "romantiske" periodiske orkestrene til Tchaikovsky, Wagner , og Mahler. Den typen romantiske tidsskrift som skjedde i det 19. og begynnelsen av det 20. århundre brukte vanligvis større snor og treblåser, et stort komplett messing og et komplett spekter av orkesterslagverk. 

Deretter er instrumentene selv. Noen av dem utviklet seg på radikale måter; trompeter og franske horn ble ventilinstrumenter i løpet av denne perioden, slik at de kunne spille kromatisk, noe som ikke var mulig før.

Så hva med den slags moderne scoring som ofte gjøres for blockbuster-filmer og markedsledende spill? Jeg kan ikke gjøre det bedre enn å foreslå at du begynner med å studere noen av de orkestersporene som allerede er skrevet, spesielt de fra den romantiske perioden, hvor orkesterstørrelsen og typen poengskriving ser ut til å passe tett sammen med dagens tilnærming. 

Studerende orkestermusikk

Bare nylig lyttet jeg til Mahlers første symfoni igjen, som jeg kjenner godt fra studentene i musikkdagen min, og ble slått av hvor "kinematisk" det faktisk høres ut. Årsaken til dette er ikke vanskelig å finne ut. Så mange filmscoresforfattere har kopiert mange ganger over idiomene og teknikkene til denne og andre lignende romantiske orkesterverk, at det virker umulig å høre dem nå ganske som de ville ha blitt oppfattet på det tidspunktet. 

Her er et klipp fra begynnelsen av den fjerde bevegelsen; hvordan er dette for en stavebindende dramatisk åpning? Hør på 1:44, legg merke til det muskulære motspillet mellom fiolinene og cellene / bassene i strengseksjonen og de ondskapslydende trombones og fransk hornbevis som følger. (Utdrag nedenfor er transkribert fra orkestersporet.)

Eller her er Shostakovitchs 5. Symphony; en romantisk klassiker fra det 20. århundre. Legg merke til det kraftige messing-temaet som går inn på 37:10; foran en treblomst blomstrer og deretter skilles gjennom hele timpani-delen. Episke ting; kraftig nok til den dramatiske klimaksen av noen film!  

Men så du på patosene til den vakre harpsolen med strengkompani som går foran den på 35:07? Scoring her er så enkelt og likevel så ømt, skjøre og endearing. (Utdrag nedenfor er transkribert fra orkestersporet.)

De fleste av oss er MIDI Orkestratorer!

Virkeligheten er at de fleste av oss aldri vil møte vår drøm orkester for en studio-økt. Vi må være fornøyd med et sett med prøver, som arbeider innenfor sammenheng med vår sequencerpakke. 

I disse dager kan MIDI-orkesteret være et ganske imponerende og kraftig verktøy, spesielt med prøver i den øvre delen av markedet. Men å bruke det er faktisk en helt annen type opplevelse i forhold til den virkelige tingen. 

Noen har likt det til en datamaskinanimasjon. En talentfull designer kunne uten tvil gjøre en svært imponerende datamaskin animasjon av noen topp kjendis. Når du ser det, vil du si at det virkelig minner deg om den virkelige personen. Men å møte den virkelige kjendisen ville være et helt annet forslag. 

Så la oss prøve å identifisere noen viktige forskjeller, da dette faktisk vil hjelpe oss å skrive for orkesterinstrumenter mer effektivt og på en langt mer imponerende måte.

Slik lager du instrumentet ditt mer realistisk

Det virkelige orkesteret er i stand til å spille noen ting som er praktisk talt umulig å gjenskape med MIDI; men det er også veldig enkelt å skrive deler som ikke kan spilles godt av levende musikere, hvis i det hele tatt.  

Her er fire spesifikke tips som vil hjelpe deg med å unngå de åpenbare fallgruvene:

• Levende musikere trenger å puste. Den lyriske fløyteparten du skrev; husker du å skrive det i pustende setninger? Selv om du ikke skrev inn noen hviler, må det være plass et sted for at det kan spilles og derfor troverdig å lytte til. Stringspillere må bytte bøyetning når de spiller og vindspillere trenger å puste, så for at våre musikkarrangementer skal høres riktig, må vi skrive deler som tar hensyn til dette. 
  
• Når du deler strengdeler (det vil si de første fiolinene splittes for å spille to deler), ikke bli fristet til å spille hver del med samme streng patch. Å gjøre dette vil effektivt doble størrelsen på orkesteret på det tidspunktet, men i virkeligheten har du faktisk bare det samme antall 1. fiolin spillere som spiller de to delene. Den orkestrale poengsummen 'divisi strenger' betyr bare det; Halve antall strengspillere vil spille hver del. Resultatet lyder annerledes; mindre flerlags.
  
• I den virkelige verden, noen musikalske kan variere sine notater artikkelen enkelt. For eksempel kan strengspillere flytte fra stakkato til marcato, tenuto til legato på et øyeblikk varsel. En god, godt øvd strengseksjon kan gjøre dette utrolig bra, og beveger seg som en kropp. Faktisk er mange minneverdige melodier avhengig av deres effekt på variert notatforklaring innenfor setningen. Dessverre er dette vanskeligere å gjøre i MIDI-verdenen, da det innebærer å velge en annen patch eller trykke på en nøkkelbryter for å endre lengden på notatet eller henfallskonvoluttene. Som et resultat, har MIDI-forfattere en tendens til å gjøre feilen ved å skrive deler i en artikulasjon bare for unaturlig lange perioder. 
  
• En annen ting som er lett å gjøre i den virkelige verden er for strenggrupper å spille med mye variert dynamikk, beveger seg fra mykt til høyt og tilbake igjen gjennom uttrykket. Ved hjelp av prøver, er dette ikke helt så greit. Det innebærer ikke bare programmering av delen, men også å legge til kontinuerlig kontrollerinformasjon som kan skape den generelle dynamiske formen på uttrykket. Men det er sikkert mulig, og det ekstra arbeidet kommer til å være verdt det for den ekstra realismen som den da vil skape. 
  
• Til slutt, et tydelig punkt kanskje, men hvert orkesterinstrument har et spillbart utvalg.Skrive utenfor dette området kan være mulig i MIDI-verdenen, men det vil sikkert høres mindre realistisk. Så oboe deler som går under Bb, eller klarinett deler som går under E, vil tydeligvis ikke fungere. Mange scoringsprogramvarepakker er i stand til å informere og advare deg om slike typer begrensninger. 
  
• Utover instrumentintervaller, er det et annet poeng å bli gjort. Mange orkesterinstrumenter har en litt annerledes timbre eller tonefarve avhengig av hvilken del av sitt utvalg de spiller i. 

Å skrive godt for orkesterinstrumenter betyr derfor å lære om hva som kan fungere godt i de ulike oktavområdene for hvert instrument; hva slags uttrykk lyder idiomatisk. For eksempel kan en høy fløyte del lyde veldig lyst; brennende, men en legato frase skrevet i laveste oktav kan høres svimlende, til og med forførende. 

Her er et kjent eksempel; åpningen av Debussy s 'Prelude a l'apres-midi d'un faune'. Legg merke til komponistens instruksjon 'søt og uttrykksfulle'; rekkevidden er den nederste oktaven; Fløytes laveste notat er nådd i Bar 9.

Her er et annet kort utdrag; Åpningen få barer har oboe denne gangen. Det laveste notatet på instrumentet nås nesten i Bar 11. Dette utdraget ble nylig omtalt sammen med en rekke andre fra orkestralreperimentet som oboists skulle forventes å spille for å auditionere for topp orkesterjobber. Merk i lydklippet klarinett echoer oboen, også i sin laveste oktav. 

Konklusjon

Abstraksjonen av uttrykksmerkninger i de fleste skriftlige orkestertalene forteller oss at profesjonelle orkestermusikere rutinemessig forventes å utføre med stor fingerferdighet og kontroll, så vel som å takle mye kompleksitet. Så hvis vi får sjansen, la oss virkelig gi dem noe utfordrende å spille! 

Stringspillere er også svært allsidige og kan enkelt lage deler som krysser strenger som er sømløse, men det er fortsatt slik at visse typer musikalsk frase passer bedre til bestemte områder for hvert instrument. Det er verdt å huske på at hvert orkestralstrenginstrument har fire strenger, hver satt til sin egen tuning; de nedre strenger har en tendens til å ha et litt rikere, mørkere tømmer enn de høyere.