Share
Den gylne tiden på dagen er lekeplassen for Christopher O'Donnell. Jeg kunne si bilder med rike farger og slank dybde av felt er et varemerke for hans arbeid. Mye forelsket i Maine-landskapet, avslører O'Donnell i dette intervjuet han ble en fotograf ved en tilfeldighet, ikke ved valg.
Jeg fant også Christopher O'Donnells arbeid ved en tilfeldighet. Ett bilde fra forfatteren fikk øye mens jeg surfer på nettet, og det faktum at det var så lik en av mine, med hensyn til teknikken som ble brukt, førte meg til å lete etter mer. Overraskelse, omslaget til en av hans e-bøker, Bokehs portefølje, hadde ikke bare en lignende fugl, men de samme alternativene jeg har i et av bildene mine. Det er alltid morsomt hvordan fotografene i forskjellige deler av verden kommer til de samme løsningene og lignende bilder, ikke engang å kjenne hverandres arbeid. Jeg ønsket å vite mer.
Noen vil elske det, noen vil hate det. Det er noe jeg har funnet om Christopher O'Donnells arbeid. Sannheten er at noen av disse bildene kanskje ikke ser helt ekte ut, bruk av grunne dybdeskarphet i noen endringer i virkeligheten, og farger kan være for mettede for noen mennesker, men de arbeider for å sette et humør som gjør at du vil hoppe inn i fotografiet og gå rundt landskapet.
Som han eller nå har forfatteren nettopp lansert en ny eBok, The Golden Hour Portfolio. Med den unnskyldningen kunne jeg stille O'Donnell noen spørsmål.
Jeg er en heltid landskapsfotograf og forfatter med den stadig skiftende kysten av Maine som er kilden til min inspirasjon.
Jeg tror jeg var helt uvitende om min tilhørighet til natur og fotografi til etter det faktum. Etterpå ble mine mest levende barndomsminner brukt utenfor. Moren min hadde alltid et kamera i hånden, så hun hadde stor innflytelse fra tidlig. Jeg har aldri forventet disse to å konvergere før det allerede hadde skjedd.
I mitt seniorår på college dro jeg helt inn i kunsten å fotografere, og det var ikke av valg egentlig. For å kunne oppgradere trengte jeg tre kunstklasser, som alltid var i høy etterspørsel og fylte raskt.
Da jeg fant meg selv utestengt av to klasser for ikke å ha de riktige forutsetningene, dro jeg til dekanen som skjedde for å lære en intro til svart / hvit film klasse. Han tok meg grasiøst inn, og i den klassen hadde mine fire år med college en hensikt.
Etter å ha oppgradert i 2008 visste jeg at jeg ønsket å bo i en stat som ga mye mulighet til landskapsfotografering, et sted jeg kunne utvikle en sterk forbindelse til. Havet har hatt en konstant innflytelse i mitt liv, så Maine var det mest åpenbare valget for meg. Jeg er veldig takknemlig for å bo i denne uberørte staten med en slik uberørt skjønnhet og ha det som min kreative lekeplass.
Det jeg oppdaget om Maine er at du kan ha både soloppganger og solnedganger, som er i strid med hva de fleste vil tro siden kysten vender mot øst. Den varierte kystlinjen tilbyr mange halvøyer som går nordover mot sør, så det er mange steder som vender mot vest for en solnedgang.
Som til side elsker jeg soloppganger. Hele opplevelsen er noe du ikke kan beskrive med ord - det er bare enestående. Stillheten i landskapet er så tung med ingenting, men de krasjende bølgene for å forstyrre det. For å se at fargene gradvis vender seg fra blues til røde, og den dramatiske oppbyggingen av lys til den eksploderer i himmelen, er utrolig. Det er som om naturen ikke begynner dagen før sola stiger.
Jeg tror at alle skal oppleve en soloppgang langs vannet på et tidspunkt i livet. Det er en surrealistisk opplevelse, og minnene vil bli med deg for livet. Ikke så mye de visuelle minner, men den følelsesmessige og åndelige opplevelsen. Det kan være vanskelig for meg å konsentrere seg under en soloppgang, jeg vil bare sitte og fullt ut ta i øyeblikket.
Jeg søker stadig etter nye steder. Jeg er ikke i stand til å komprimere fotografiet mitt, det er blitt en del av mitt hverdagsliv. Hvis jeg ser en plassering som ser lovende ut, skal jeg gjøre litt forskning og returnere det med fotografering i tankene. Det er også tidspunkter når jeg bare fokuserer på å finne et nytt sted å utforske, og vil tilfeldigvis scout topografien med Google maps for å se hva som ser lovende ut.
Når jeg finner en ny plassering, har jeg en tendens til å utforske det fullt og besøke det flere ganger under annen belysning, spesielt under de gyldne timene, og igjen under overskyet lys. Jeg er heldig nok til å ha en fleksibel tidsplan hvor jeg kan planlegge fotografiet rundt været og lys, så plasseringssporing er viktig.
Hvis jeg ser skyer begynner å virke rundt solen om kvelden, vet jeg det vil gjøre for en interessant solnedgang. Jeg vil være i stand til å gå til et område som jeg allerede har undersøkt og kjent med landskapet.
Ironisk nok er noen av mine favorittfotografier resultatet av ingen stedsporing i det hele tatt, så det er ikke nødvendigvis en forutsetning for meg. Jeg ville aldri passere på en mulighet til å fotografere et nytt område fordi jeg ikke har utforsket det enda. Fotografering av et sted uten plan eller fokus kan være frigjørende, og lar kreativiteten flyte uten begrensningene til et forhåndsbestemt bilde.
De gylne timene har blitt en felles tråd gjennom det meste av mitt arbeid. Jeg har en dyp følelsesmessig forbindelse til denne tiden av dagen, øyeblikkene rett før solnedgang og etter soloppgang. Lys spiller en stor rolle i min kreative prosess, og de gyldne timene gir meg min favorittart.
Jeg liker å tenke på de gylne timene i bredere forstand enn bare en "stil" eller "tid." Jeg ser det som et lerret som jeg kan lage på. Det lar meg tolke landskapet som jeg ser det, og enda viktigere hvordan jeg opplever det. Det er verken et personlig prosjekt eller en fase, men en del av hvem jeg er så mye som fotografering er.
Lys er drivkraften bak fotografiet mitt og inspirerer mye av det jeg gjør. Både de gyldne timene og bokeh er påvirket av lys, så jeg er definitivt knyttet til dem.
Naturlig lys gir meg midler til å skape, og den mest spennende delen er at den ikke kan kontrolleres. Jeg tror at dette behovet for å imøtekomme lyset har gjort det mulig for min kreative utvikling å utvikle seg jevnt.
Kjennskap til landskapet er noe som forbedrer forbindelsen til det, og denne sammenhengen tjener som grunnlaget jeg bygger bildene på. Jeg brukte over et år å fotografere den samme stranden gjennom alle årstider, og hvert bilde ville fremkalle en helt ny opplevelse som ble forsterket av denne forbindelsen. Det er en felles tråd som er tydelig i arbeidet mitt.
Plasseringen er veldig viktig for meg, og for å kunne komme tilbake til landskapet og utvikle en forbindelse til den, er det en kraftig opplevelse.
Flere mennesker har fortalt meg at de visste at det var bildet mitt før jeg så hvem den faktiske fotografen var. Jeg ser ikke konsistensen mellom bildene mine, i det minste ikke en som er åpenbar. Men andre kan se det så mitt perspektiv må være litt subjektivt.
Når jeg ser på bildene mine, ser jeg ikke bare de visuelle forskjellene, men jeg kan gjenoppleve øyeblikket, atmosfæren, følelsene. Hvert bilde representerer en unik opplevelse og minne for meg, så det må påvirke mitt syn på individualiteten til hvert bilde.
Teknisk sett er det flere kvaliteter som jeg liker å være konsekvente i porteføljen min, spesielt et skarpt fokus og en riktig eksponering: en uten blown høydepunkter eller knuste skygger. Jeg undersøker også hele toneområdet av en scene, skyver grensene for kontrast uten å skade det siste stykket.
Jeg bruker vanligvis ikke graderte nøytrale tetthetsfiltre (GNDs). Mesteparten av arbeidet mitt oppnås gjennom eksponeringsblanding. Det er ikke å si at det ene er bedre enn det andre, men heller at jeg liker å jobbe i det digitale mørkekammeret og også som allsidigheten til å bruke masker for å selektivt bestemme hvor jeg vil justere eksponeringen min, så den er mer allsidig enn GNDs.
På baksiden av dette må jeg forholde seg til spøkelse i noen tilfeller, men jeg har lært å arbeide rundt det gjennom (noen ganger kjedelig) redigering. Jeg liker den delen av fotografering, men andre kan ikke, og det er derfor veien du velger bør dreie seg om arbeidsflytens preferanse.
Hvis du liker å jobbe i det digitale mørkekammeret, vil eksponeringsblanding være noe som vil forbedre bildene dine sterkt. Min bakgrunn i Photoshop og teknologi er sterk, noe som gjør at eksponering blander en teknikk som passer harmonisk med mine ferdigheter.
Eksponeringsblanding og GND-filtre er to baner til samme resultat. Det er ikke en bedre metode i generell forstand, men heller på individuell basis. Den som du liker mest vil være tydelig i arbeidet ditt.
Jeg trykker definitivt på konvolutten av det som settes i virkeligheten. For meg er det en fin linje å gå sammen, og jeg krysser det til tider. Det er ikke bare for den visuelle effekten skjønt. Fargen og tonalarbeidet jeg gjør er helt avhengig av scenen, spesielt min følelsesmessige forbindelse til det aktuelle øyeblikket.
Opplevelsen jeg hadde når jeg tok et bilde, vil diktere hva sluttresultatet vil se ut, og banen til det endelige bildet er aldri klart for meg. Jeg vil ofte tilbringe timer, eller til og med flere dager, jobbe på et bilde til jeg gjenskaper det jeg følte.
For eksempel, hvis jeg fotograferer en nærme storm, og atmosfæren er tykk med drama, og skyene er tunge og tette. Jeg vil justere farger og toner for å representere intensiteten jeg følte i det øyeblikket. For andre bilder, demper jeg fargene og myker tonene hvis det var en spesielt rolig og beroligende opplevelse.
Det er ikke en metode for å lure betrakteren - å pynte eller endre en scene i et forsøk på å misrepresentere - ganske motsatt faktisk. Det er min måte å gjøre den visuelle opplevelsen mer komplett, en sannere representasjon av hva den tiden var som for meg.
Du vil høre fotografer si at "du måtte være der" i et forsøk på å formidle det øyeblikket, og det er mye sannhet til denne utsagnet. Jeg føler at dette er fra å ikke kunne forklare den dypere forbindelsen man har til et bestemt bilde, eller i det minste på en måte som andre også kan oppleve.
Det er noe du ikke kan forklare med ord, så bildene jeg lager, inkapslerer jeg hele opplevelsen, visualene, følelsene, atmosfæren og smelter den inn i arbeidet mitt for å gjenskape det øyeblikket. Det blir absorbert, oversatt og deretter projisert.
Derfor har jeg ikke klart å forklare min etterbehandling arbeidsflyt for farge. Det er mer enn å legge til justeringslag og masker, det er unikt for hvert bilde. Hvis jeg bare detaljert den tekniske arbeidsflyten, ville det ikke være en fullstendig forklaring.
Hvordan forklarer jeg prosessen med å utvikle en følelsesmessig forbindelse til landskapet, og la det diktere hvilken retning jeg styrer min redigering? Det blir det første emnet der jeg trenger å fokusere på inspirasjon i stedet for å forklare en konkret prosess. Jeg vil gjerne diskutere fargebehandling i en fremtidig eBok, men det kommer til å være et veldig utfordrende emne å takle.
Mine tidligere eBøker omhandler teknikker som er like som å overvinne eksponeringsutfordringer i feltet, hvilke elementer trenger du å lage bokeh, etc. De er konkrete, metodiske (for det meste) og ikke helt personlige.
Min farge og tonal redigering bringer imidlertid mye følelser og indre dialog inn i ligningen, så jeg må finne en måte å forklare hvordan følelsene mine styrer arbeidsflyten min. Det er et veldig skremmende konsept å sette inn ord.
Redigeringen av arbeidet mitt er begrenset til farger og toner. Bortsett fra det, det du ser er det jeg så. Jeg legger ikke til eller trekker elementer fra bildene mine.
Hele kreative prosessen fra å skåre et sted til presentasjonen av det endelige bildet er en eterisk og vanedannende reise. Det er en veldig jording opplevelse, men likevel frigjørende på samme tid. Jeg føler meg helt på slutten av det, og vil gå gjennom det igjen.
Hvis jeg viser deg noen av bildene mine, kan jeg fortelle deg nøyaktig hva jeg følte den dagen og hvordan opplevelsen var: lydene, luktene, atmosfæren. Jeg har en dyp forbindelse til dem alle. Det er euforisk på en måte.
Når jeg går tilbake til det forrige spørsmålet, gjenskaper jeg disse følelsene og opplevelsene gjennom arbeidsflyten min, så jeg tror det ville etterlate en veldig personlig del av meg i hvert av bildene mine.
Gearet mitt er ganske greit. Jeg bruker en Canon 5D-kropp med tre primære linser i min samling, 24mm f1.4, 85mm f1.8 og 300mm f4. Jeg valgte raskt primære linser tidlig siden jeg allerede hadde utviklet en sterk forbindelse til grunne dybder.
Min Manfrotto stativ har vært med meg siden jeg kjøpte den i 2008 og har blitt brukt til nesten alle bildene mine. Håndtaket på grepshandlingen fungerer best for meg, siden jeg raskt og enkelt kan plassere kameraet mitt. Jeg har blitt fristet til å endre og oppgradere systemet mitt, men dette virker utrolig godt for meg, og jeg vil ikke forstyrre den harmonien.
Det dypeste råd jeg kan gi er også den mest generaliserte og enkle: Hvis det føles feil, ikke gjør det.
Med den ubegrensede mengden fordøyelig informasjon på internett, kan du enkelt bli overbevist om å følge en sti som ikke sitter godt med deg. Før eller senere er inkonsekvensen mellom det du synes er riktig og det du får beskjed om, er den "riktige" måten som begynner å bære på din sjel som fotograf, gnisten som inspirerer arbeidet ditt.
Hvis noe ikke føles riktig, hvis arbeidet ditt begynner å føle seg mer som en rolle enn noe som exciterer og inspirerer deg, må du stoppe og analysere denne koble fra. Når endret ting, og enda viktigere, hvordan kan du komme tilbake på banen som førte deg til nytelse? Det er naturlig og forventet å forfølge nye veier i arbeidet ditt, faktisk er det oppmuntret. Evnen til å gjenkjenne når noe ikke virker, og å ha modet til å forandre, er det som vil lede deg til et tilfredsstillende liv som fotograf.
Instinktene dine er din beste venn. Du vet når noe ikke fungerer, og det er signalet til å ta en pause. Det er viktig å ta tid nå og da for å refokusere, selv når tingene ser ut til å gå sammen jevnt. Det er utrolig forfriskende, og bidrar til å koble til med hvem du er som fotograf.
Den fantastiske delen om fotografering er at hver fotograf har en unik visjon, sin egen historie å fortelle. Jeg tror at fotografering gjennomgår en revolusjon hvor mye mer verdi legges inn i hvem fotografen er, nærmere bestemt hvilket unikt talent og evner de besitter.
Fotografer i dag prøver ikke å etterligne andres arbeid, i hvert fall når de har lært håndverket. Jeg ser mer vekt på deres individualisme: deres syn, kreativitet og deres evne til å vise det gjennom deres arbeid.
Jeg tror at bransjens entydighet er det som gjør det mulig for mange profesjonelle fotografer og fortsatt å kunne tjene penger ved å gjøre det de elsker. Ikke alle "forbrukere", enten det er klient, student eller kunstner, ser etter det samme resultatet, så det er rikelig med muligheter til å gå rundt.
Jeg ble spurt dette spørsmålet for et år siden, og jeg nevnte at mine fremtidige planer inkluderte å skrive en eBok. Nå har jeg skrevet fire, så det er litt surrealistisk å sammenligne disse to forskjellige stadiene i karrieren min. Jeg tenker mye annerledes nå enn jeg var i fjor.
Mitt fokus er nå å lære fotografering gjennom mine skrifter og ebøker, så det er noe jeg skal fortsette. Det har vært en utrolig givende opplevelse for meg som jeg har bakgrunn i undervisning, men har nå muligheten til å undervise i et emne som jeg er så intens lidenskapelig om.
Fotografering har vært en konstant og kraftig kraft i mitt liv, og denne erfaringen er bare blitt forbedret ved å inspirere andre til å utvikle en lignende forbindelse. Jeg har bare begynt å lære gjennom e-bøker, så jeg gleder meg til å reise ned denne banen og se hva som utvikler seg.
Når det gjelder mitt personlige arbeid, er det et spørsmål jeg ikke kan svare på. Jeg la årstider og landskap guide min inspirasjon og jeg vet aldri hvilken retning som vil lede meg.
Accentsconagua