Share
Mange fotografer forstår den tekniske forfølgelsen av fotografering. Nøkkelen til å lage flotte bilder er imidlertid åpenbart mer komplisert enn å beregne riktig eksponeringsverdi. Vi vet alle at fotografering er subjektiv, og nærmer seg kunst krever et trent øye. I dag ser vi på hvordan vi nærmer eksponering som en måte å forbedre vår kreative prosess på.
I dag tar vi en titt på hvordan å eksponere kreativt på to måter. Den første av disse er å forstå den kreative effekten som manipulerer innstillingene kan ha. Ikke alle lysstopp er skapt like, og eksponeringen er mer kunstnerisk enn bare å balansere lys. Etter å ha mestret dette aspektet, tar vi en titt på noen av de kreative tilnærmingene mot å gjøre eksponeringer. Mange scener kan bli utsatt på en rekke måter, avhengig av fotografens visjon.
Hittil har du alltid nærmet seg eksponering fra det tekniske perspektivet, velg nøye innstillinger for å balansere eksponeringen. Hvis du flyttet skalaen for å justere for en annen lukkerhastighet, kompenseres det med kanskje en blenderåpning eller ISO-justering. Eller kanskje bruker du fortsatt den automatiske modusen som gjør det tungt å løfte valg av innstillinger for deg.
Denne tilnærmingen fungerer "godt nok". Men hvis du noen gang skal nå nivået for å kontrollere eksponeringen, må du velge innstillinger proaktivt. Det betyr at du nærmer deg eksponering med en visjon i tankene for bildet. Dette er hva det betyr å visualisere utfallet og deretter lage det ved hjelp av verktøyene til din disposisjon.
Nå er du sannsynligvis kjent med faktorene i eksponeringstrekanten: blenderåpning, ISO og lukkerhastighet. Dessverre nærmer for mange nybegynnere disse tre innstillingene som om de er like. Visst, å flytte ned et blindeåpning og oppe med et stopp på ISO vil beholde eksponering i balanse, men det er bare mer å lage flotte bilder enn å holde lys i balanse.
I stedet er en bedre måte å nærme seg eksponering på å vurdere den ønskede visuelle effekten, og ha et klart mentalt bilde av hvordan du vil at sluttproduktet skal vises. Hver av de tre innstillingene styrer ikke bare lyset i bildet, men måten kameraet "maler" på scenen. Hvis jeg nærmer seg en scene der jeg ønsker å isolere skarpheten til ett element, tenker jeg på blenderåpning. Hvis jeg vil formidle en følelse av bevegelse, skifter jeg umiddelbart gir og vurderer en lukkerhastighet som bare oppnår det.
I mine tidlige dager med assisterende og andre skyting for noen fantastiske bryllupsfotografer, er en av de mest effektive biter av råd som jeg husker å motta, å lære å tenke i form av bare en innstilling. Det betyr å tenke først når det gjelder det visuelle produktet, og innstillingene som et etterfølgende valg.
Hvis jeg ønsker å isolere skarpheten til ett element, tenker jeg på blenderåpning. Hvis jeg vil formidle en følelse av bevegelse, skifter jeg umiddelbart gir og vurderer en lukkerhastighet som bare oppnår det.
Den mest talentfulle bryllupsfotografen jeg noensinne har skutt med, sa at hun tenkte strengt med hensyn til blenderåpning. Visst, hun ville være oppmerksom på at lukkertid var rask nok til å unngå uskarphet, men hun hadde trent i øynene for å vurdere blenderåpning. Mens hun sikkert hadde den tekniske dyktigheten til å skyte i full manuell modus, opplevde jeg at hun var absolutt en mer fri kreativ når hun tenkte på blenderåpning; når det gjelder å begrense fokusområdet ved hjelp av brede åpninger.
Dette bildet ble bare gjort mulig ved først å ha den visuelle ideen om å formidle en følelse av bevegelse, og deretter velge en lukkerhastighet som ville skape den. Bilde av Forrest Lane.
Når det gjelder måle- og eksponeringsskalaer, er det en annen nybegynnerfeil å bruke for mye tid på å lære seg. Jeg gjorde absolutt feilen i å forsøke å huske f-stop-skalaer i mine tidlige dager. Dette har absolutt noen teknisk verdi, men gitt alt jeg fortsatt trenger å lære om fotografering, skjønner jeg at tiden min kunne vært brukt mye mer klokt.
Ideelt sett tillater vi ikke kameraet å begrense den kreative prosessen. Når du nærmer deg en scene og begynner å fotografere det, dikterer du hvordan du vil at det ferdige produktet skal se ut, eller lar du din tekniske kunnskap diktere hvordan det endelige bildet kommer ut? Med nok kreativ erfaring og tilstrekkelig teknisk kunnskap kan vi begynne å nå det punktet hvor vi bestemmer hvordan vi vil ha det ferdige bildet å se, og velg deretter de riktige innstillingene.
Dette er hvor moduser som lukkerhastighet eller blenderprioritet kan bli svært nyttige. Det var en tid da jeg trodde jeg hadde nådd toppen av teknisk kunnskap fordi jeg skutt i full manuell modus. Til tross for det faktum at jeg kan bruke manuell modus perfekt og velge alle de riktige innstillingene, foretrekker jeg nesten å skyte i blenderprioritet nå. Kreativ frihet er alltid målet, og min personlige mening er blenderprioritet får meg der.
Igjen, tenk ideen om at visualisering av dette bildet var det første trinnet i fotografens kreative prosess. Å begrense dybdeskarpheten var sentral for å fokusere mannen, og ikke resultattavlen i bakgrunnen. Fotografen benyttet blenderåpning som den kreative driveren. Bilde av Forrest Lane.
Kort sagt, jeg tror at det er på tide å snu modellen for å velge innstillinger på hodet. I stedet for å la innstillingene komme til deg gjennom en funksjon av automatiske moduser, bør du vurdere hvordan du vil at bildet skal vises før du aldri går ned i søkeren. Bestem om du vil ha handling frossen eller bevegelse formidlet, og hvor mye av bildet du ønsker å være i fokus. Dette er et mye bedre utgangspunkt for en eksponering enn å sette kameraet i programmodus og gjette derfra.
Hvis du noen gang finner deg stresset om å fange et bilde med "riktige innstillinger," gå tilbake og ta pusten. Jeg har gode nyheter: det er ingen måte å utsette en scene for. La oss se på noen av de kreative beslutningene som brensel velger innstillinger, og nærmer seg eksponering fra flere perspektiver.
I virkeligheten bringer nesten alle scener med seg to unike måter å utsette det på. Et av de klassiske eksemplene på dette er hvordan et fotografi av en person mot en himmel kan håndteres. Når du legger et emne mot den bakgrunnen, er det i hovedsak to deler av bildet som kan bli utsatt for: motivet og himmelen. Når du utsetter for emnet, vil du sannsynligvis blåse ut himmelen, mens utsetting for himmelen vil forlate motivet som en silhuett.
En advarsel, selvfølgelig; når du er ansatt eller bestilt for en skyting, er det sikkert strengere kreative retninger (selv om det bare er underforstått) av kunden din. Visst, du kan utsette hvert bilde av en engasjementssesjon som en silhuett, men jeg vil absolutt ikke garantere kundens lykke.
Min venn og medfotograf Forrest Lane har nylig laget dette bildet av meg, som inkluderer en blanding av belysning. Hans tekniske kunnskap gjør at han kan styre det lyse vinduet lyset sammen med de skyggefulle områdene, som var balansert pent for det jeg synes er et tiltalende utfall. Bilde av Forrest Lane.
Når som helst vi jobber med sterk belysning, kommer det til å være forskjellige tilnærminger for å avsløre bildet. Frem til nå har du kanskje bare brukt evalueringsmåling til å måle en ramme, men dette er hvor noen av de mer fokuserte målemodiene kan komme inn i spill.
Hvis du ikke er kjent med måling, tenk på det som måten et kamera avgjør hvor mye lys er i en scene. Tidligere kameraer manglet en meter, men nesten alle moderne speilreflekskameraer inkluderer måling gjennom linsen, som du ofte vil høre kalt "TTL" -måling. Standardmålemåten på de fleste kameraer er å evaluere lyset gjennom hele rammen for å velge passende innstillinger.
Denne rammen ble fotografert under anvendelse av den evaluerende måleinnstillingen som tar hensyn til hele rammen. Du kan se mye detalj i skyggene, så vel som i hele rammen.
Hvis du ønsker å finpudse på måten du måler, vurderer du å bruke en av de mer fokuserte typer måling. Enten spotmåling eller sentervektet måling tar ikke hele rammen inn i eksponeringsberegningen - i stedet velger den en mindre del av rammen og foreslår at innstillingene skal eksponeres riktig for den ene delen av bildet.
Når vi begynner å tenke på de ulike måtene å måle rammen på, er det ikke vanskelig å innse at i situasjoner med blandet belysning er det forskjellige ruter å ta. Vi kan måle for skyggene og sørge for at lyset fyller dem i den endelige rammen.
Denne rammen er på samme sted som den ovenfor, men jeg målte for himmelen og underexponerte skyene for å gi mer kontrast og mørke til bildet, og også vite at himmelen ville bli forsterket. Det er ikke den beste måten å skape denne scenen, bare to måter å male den med kameraet vårt.
Enda viktigere enn innstillingene vi velger, er visjonen som vi tenker for utfallet av bildet. Ikke gjør feilen ved å tenke at det er en riktig måte å utsette et bilde på; Det er ganske enkelt forskjellige måter å nærme seg.
Fotografering er en kreativ og teknisk jakt. Imidlertid leter mange fotografer mot nærmer eksponering fra det tekniske perspektivet til kompenserende lysstopp. Eksemplene ovenfor viser at håndtering av eksponering kan ta to ruter mellom å vise høydepunktene eller skyggene, og utfallet vil bli radikalt annerledes. Ideelt sett kan vi forestille scenen som vi vil at det endelige produktet skal vises, og deretter velge innstillingene som får oss der.
Hvordan nærmer du eksponering? La du kameraet lede deg i en retning eller har en ide om tanken før du begynner å velge innstillingene?
Accentsconagua