Share
I dag er jeg glad for å introdusere deg til Russ biskop, et landskap, eventyrsport og kunstfotograf fra California. Som du vil finne ut, lærte Russ sin handel i tiden før digitale kameraer og øyeblikkelig tilfredsstillelse, men har fullstendig omtalt bryteren til digital. Han arbeider hele tiden med å gjenoppfinne seg og tilpasse seg endringer i bransjen, og derfor har han vært så vellykket som han har vært så lenge.
Faren min var fotograf, så jeg ble tatt inn i sømmen i en ganske tidlig alder. Han var et stort format, sort og hvit type fyr langs linjene Ansel Adams. Så jeg tilbrakte mye tid i backcountry som familien min leirte og fjellklatret, oh, vei tilbake til 50-tallet, så jeg ble reist i miljøet.
Jeg fikk faktisk mitt første kamera tilbake da jeg var omtrent 14. Det var en brukt Leica på den tiden som var et ganske fint kamera. Helt siden da har jeg skutt Nikon, da jeg ganske gravitert mot 35mm bare vært mye lettere å håndtere da jeg fulgte pappa min gjennom baklandet og villmarken.
Jeg tror den primære tingen jeg lærte var tålmodighet mens du så på at noen bruker et stort formatvisningskamera, med bakken glass opp ned.
Det var min oppdragelse, ja. Det var bare naturlig. Jeg ofte spøker med folk som jeg vanligvis føler meg hjemme mer på en sti enn jeg ville på en New York-fortau. [ler] Og det er noe jeg alltid liker å formidle til yngre fotografer. Uansett hvilket fag spesialitet er, vil du at det skal være noe du er komfortabel med, noe du virkelig føler deg hjemme med. Det er absolutt den beste måten å la din visjon og følelsene dine følelser komme gjennom i fotografiet.
Bare for å sikkerhetskopiere litt, begynte jeg faktisk profesjonelt å skyte, jeg fikk en grad i kringkastingskommunikasjon, og jeg jobbet for CBS tilbake på 80-tallet, vei tilbake da. Jeg var en kontakt med produksjonsbedrifter. Men jeg hadde skutt lenge før det og bygde opp biblioteket mitt, og du vet, alltid reiser og gjør mye eventyrskyting, den slags ting.
Jeg hadde bygd opp biblioteket mitt og var klar over hele lagerbransjen som var snill i sin heyday på 80-tallet. Kom rundt 1987 min kone var faktisk i stand til å få en overføring fra ned i Los Angeles opp til Santa Barbara-området så det er da vi flyttet opp til Ventura. Jeg var ganske klar. Ordtaket på tidspunktet på CBS var: "Det er kunst hvis det selger." Og jeg ønsket endelig å få det til å flytte til noe jeg var lidenskapelig over hele mitt liv.
Det var en naturlig overgang for meg og da min kone fikk overføringen var skrivingen på veggen. Det var ganske tydelig. Vi ønsket å flytte ut av LA-området. Det har vært litt over 20 år at jeg har gjort dette profesjonelt.
Å, mye avvisning. [ler] Faktisk, du vet, jeg synes det er bra, og jeg synes det er viktig for fotografer, spesielt unge fotografer, å kunne se på sitt arbeid og slags, for eksempel å indeksere det gjennom årene. Fordi det er fantastisk. Jeg ser tilbake på jobben min og noen ganger knuser jeg nesten. Jeg tror, "Å, min gud, jeg sendte det i som profesjonell kvalitet?"
Det er hyggelig å se deg selv vokse. Jeg må innrømme, så mye som jeg elsket å se på Velvia på en lysboks, det var en ganske svett ting, jeg har grundig tatt imot digital fra 2005 og det er ingen å gå tilbake. Kostnaden for å sende inn film, håndteringsfilm og til og med den lille, du vet, notater på alle underleverandører til klienter, og hva som ikke er at de var i utgangspunktet ansvarlig for $ 1500, bør noe gå seg vill. Og dessverre presset kom for å skyve et par ganger, og vi måtte gå gjennom det, som aldri etterlater en god smak i alles munn.
Rask frem til digital, og vi har forlatt det rike, men vi har fortsatt opphavsrettsproblemer, og jeg er en ekte advokat for å bruke vannmerker og den slags ting. Finne den fine balansen mellom å presentere arbeidet ditt på en veldig attraktiv måte og samtidig la verden få vite, ikke bare hvordan du finner deg, men du gjenkjenner dine rettigheter og opphavsrett. De er veldig viktige ting i disse dager.
Det handlet om i 1990 ting gikk sammen ganske jevnt. Den virkelige fordelen var at det var høydepunktet av aksjer og femfigts lisensavgifter var ikke uvanlig. Ting er litt annerledes i dag. Det er virkelig mer av et tallspill.
Det er det jeg forteller også for yngre fotografer. Å ha lidenskap, trenger å være så kjent med emnet ditt og følelsen for at du hele tiden kan vokse og gjenoppfinne deg selv og følge visjonen. Jeg sier ofte at jeg håper jeg har ennå å ta mitt beste bilde.
Å se tilbake og se veksten gjennom årene, vet du, det er en naturlig fremgang. Du kan ikke forkjøle deg selv for noe du tok vei tilbake for mange år siden, fordi det du diskonterer er din vekstprosess når du utvikler.
Det er først og fremst lager. Jeg gjør ikke noen oppgaver, det er først og fremst lager og kunst. Jeg selger trykk, kunst gjennom bedriftssamlinger, men det er alle selvoppgaver. Som du kan se fra arbeidet mitt, legger jeg vekt på de vestlige USA. Vi har et slikt vell ut her, det er fantastisk.
I fjor tok jeg en tur til Europa; Frankrike og Italia. Jeg reiste rundt Nord-Amerika, Canada og Hawaii, men hovedsakelig den vestlige USA.
Det er noe jeg har gjengitt noen ganger på en skiferie i Sierra Nevada. Det var en planlagt skyte. Det bestemte skudd ble tatt i Rock Creek, som ligger oppe i Mammoth-området i Sierra Nevada langs (Hwy) 395.
Det er et flott sted om vinteren fordi det alltid er pålitelig for snø. Det er et av de kaldeste stedene i Sierra, og stien på banen starter faktisk rundt 9000 '. Den starter på 9000 'hvor veien slutter og du går opp til 11.000'.
Det bestemte bildet ble tatt rett i skumringen på en skiferie på bakken, og teltet er bare opplyst med en veldig liten lanterne, en LED-lanterne. Det oppsettet er ganske enkelt. 24mm linse, som egentlig er en av mine primære linser for landskaps- og eventyrsporter. Det er bare et flott synsfelt, og dybdeskarpheten er fantastisk, så det er egentlig en av mine go-to-linser.
I det skuddet, som går opp i toppene, er det bare en vakker silhuett, pent silhuett og det er litt skumringslys og den varme gløden i teltet. Det var ikke nødvendig med manipulering, etterbehandling. Veldig rett fram.
Går tilbake til de tidlige dagene, fulgte jeg i Galen Rowells fotspor ganske mye. Han var definitivt en av mine inspirasjoner sammen med Art Wolfe og Ansel Adams, selvfølgelig, med min fars arbeid. [Rowells] hel motto om å reise i fjellet, en fjellklatrer først og fremst og en fotograf andre, jeg abonnerer virkelig på det. Reiser raskt og lett.
Så tidlig i filmene, før digital, brukte jeg det som Nikon ville klassifisere som mer av et semi-pro modellkamera, som FM og FE, som ironisk nok valgte selv National Geographic fotografer som Dewitt Jones og Galen Rowel de samme modeller fordi med film du ikke trenger den tyngre kamera som F3 eller F4s. Det var ikke noe du ville bære i baklandet. Å kunne reise lys.
Igjen, 20 mm eller 24 mm linser. Tilbake i dagene, før den nåværende tilstanden med zoomene er av en slik kvalitet at de faktisk kan erstatte det av primene. Nå er min favoritt en 17-35mm og 70-200mm som er bare fantastiske linser. Det er mine to primære linser i dag
Sikkerhetskopiere litt. Den 24mm, sannsynligvis de første 10 årene av karrieren min, var min primære landskapslins og 105mm var min ideelle korttelefon for portretter, åpen eller til og med naturdetalj.
Nei, bare en enmanshow. Jeg har ikke hatt behov for det ennå, selv om jeg har hatt mange tilbud. [ler] Noen ganger ville det være fint å ha selskapet, men en del av det raske, lyse mottoet er bare det; å være i stand til å bære utstyret, men jeg legger til at flippen av det også er i god fysisk tilstand.
Faktisk leser jeg bare noe i dag, jeg tror det var i Sierra Magazine, om noen som sier at en person aldri burde bære en pakke som er over en fjerdedel kroppsvekt. Og jeg måtte le. Ofte bruker jeg min pakke, LowePro-pakker, og jeg bærer en Orion-pakke foran, vil ha nær 10 pund i den. Ganske ofte mellom skiutstyr, klatring og fotoutstyr på ryggen min. Pluss campingutstyr, vil jeg ofte ha 60, 70 pund pakke. Jeg måtte ganske le av det
Poenget er at din fysiske kondisjonering er like like en del av utstyret ditt og ditt forberedelse for en tur som er forskning og å vite utstyret ditt.
På landskapssiden måtte jeg si Eliot Porter. Han presset fargearbeid og satte scenen tilbake tidlig. I dag er David Muench en inspirasjon for meg, etter ham og hans blogg.
Selvfølgelig kom han nettopp tilbake fra polarsirkelen, og jeg liker hans tilnærming. Han spesialiserer seg også mer på den humanitære siden. Jeg liker hans virkelige åpne ende tilnærming og selvfølgelig vekten på syn, igjen, å vite utstyret ditt og å kunne jobbe med den visjonen og å kunne se og utvikle øynene dine.
I fremtiden ser jeg frem til å forgrene litt og muligens gjøre det til Island og Patagonia i noen av mine reiser. Å gjøre workshops, som jeg ikke gjør nå, er muligens i horisonten. Så det er et par ting vi kan ha i verkene.
Som jeg sa før, vil jeg bare understreke at de yngre fotografene kommer i gang, om de bestemmer seg for å gjøre dette som en levende eller først og fremst som en hobby, det viktigste er å følge deres lidenskaper og la det komme gjennom. La følelsene komme gjennom i bildene sine.
Du kan finne flere av Russs arbeid på hans nettsted, blogg, Facebook, Twitter, LinkedIn og Google+.
Accentsconagua