Share
Hver annen uke besøker vi noen av våre leserinnlegg fra hele Phototuts + historie. Denne opplæringen ble først publisert i august 2010.
I dag tar vi en titt på teorien og psykologien bak størrelsen, innramming og visuell vekt av forskjellige elementer i din fotografiske sammensetning. Du vil bli overrasket over hvor mye det er å lære om dette valget, og virkningen din beslutning kan ha!
Fotografier er våre visjoner, opprettet i søkeren, komponert og registrert med et klikk på en knapp. Noen ganger er denne innledende sammensetning den endelige sammensetningen, og noen ganger er det ikke. Noen ganger komponerer vi scenen vår med det formål å skape vår endelige visjon akkurat i det øyeblikk, mens noen ganger komponerer vi en scene med det formål å senere beskjære eller forlenge vår visjon.
De fleste 35mm-formatbildene er tatt tett og komponerer for det endelige bildet. Store formater gir oss imidlertid muligheten til å beskjære og rekomponere uten å skade kvaliteten på bildet vårt. Og til slutt er firkantede formater mindre praktiske for sluttblandinger og blir ofte senere beskåret til mer ønskelige.
I motsetning til andre former for grafikk, har et fotografi alltid vært bundet av romlige dimensjoner som er begrenset til bilderammen. Og oftere enn ikke, disse dimensjonene vekter og til slutt påvirker sammensetningen av våre scener.
Frem til hele utviklingen av digital fotografering var det vanligste bildestørrelsesformatet et forhold på 3: 2 bredde og høyde, som er standardrammeformatet for en 35mm film med dimensjoner på 36x24mm. Med fremdriften av digital fotografering ble det mer naturlige rammformatet av et 4: 3 bredde til høydeforhold raskt vedtatt på lav til middels forbrukerkameraer. Dette tillot en mer horisontalt utvidet, naturlig sett bilderamme, spesielt på dataskjermer og standardstørrelsesutskriftspapir.
35mm filmformatet ble subtilt overført til digital fotografering og skapt noe av et gap mellom den profesjonelle / seriøse amatørfotografen og andre fotografer. Og dens langlivede popularitet er bare et lite bevis på hvor lett vår følelse av visceral sammensetning tilpasser seg.
Vår naturlige syn viser ofte en horisontal utsikt (på grunn av måten vi naturlig sett ser på med våre øyne), som kan være den mest innflytelsesrike grunnen til at fotografier ofte består horisontalt i stedet for vertikalt. En annen, mindre grunnleggende årsak er den enkle hånden som holder et kamera horisontalt på grunn av bygg og design.
Når et emne er vertikalt langstrakt, er det mer fornuftig og mer naturlig oppfattet av menneskets syn når den er innrammet vertikalt. Hvis vår scene eller emne utvides horisontalt (eller like i begge retninger), blir det mer naturlig oppfattet av menneskelig visjon innrammet horisontalt.
Videre, når et objekt er innrammet horisontalt, er det mer hensiktsmessig for betrakterens øye å være sammensatt off-center, litt lutende mer til den ene siden av rammen. Og når et objekt er innrammet vertikalt, er det mer hensiktsmessig hvis motivet ble plassert utenfor senteret enten til toppen eller bunnen av rammen, med den nedre plasseringen er mer egnet og naturlig siden den antyder og formidler stabilitet i stedet for å forårsake en Følelse av noe nedadgående, hodet senket sensasjon.
Hvis et vertikalt motiv er horisontalt innrammet, er det ofte sammensatt mot hver ende av en horisontal ramme for å motivere øyet til å bevege seg horisontalt langs rammen.
Innenfor en firkantet ramme blir dette imidlertid mer komplisert på grunn av rammens mangel på retningsbestemt vekt. Bare få kameraer tilbyr faktisk en ramme på 1: 1 bredde og høydeforhold, og det er vanlig for fotografer av en slik rammeform for å komponere scenen som gir løs eller ubrukte ender for vertikal eller horisontal beskjæring senere.
Siden de fleste fagene ikke er naturlig firkantede, gir en firkantet ramme en utfordring for en vellykket sammensetning. Siden de fleste landskapsformene ofte blir utformet og innrammet horisontalt, kan en firkantet ramme pålegge en utfordring for å kontrollere et visuelt bilde i et bilde.
En firkantet ramme kan imidlertid noen ganger gi en interessant eller til og med forfriskende forandring fra de mer kjente vertikalt eller horisontalt forlengede rammevannene. Det kan til og med være et mer praktisk format for symmetriske fag (som i bildet nedenfor av Elena Erda).
Det er viktig å huske på at disse ideene er forslag, snarere enn egentlig stive regler som alltid må følges.
Når det bare er ett emne som skal innrammes, kan det virke logisk å plassere det dødsenter - med like tom plass rundt det i alle retninger. Noen ganger virker dette faktisk, men problemet med denne typen innramming er forutsigbarhet. Det er alltid verdt å se bort fra dette alternativet, og eksperimentere med å plassere motivet på forskjellige sider av sammensetningen for å se hvilke som fungerer best.
Dette blir viktigere hvis motivet er relativt lite i forhold til det fulle omgivelsene. Når motivet er utenfor sentrum, skaper det spenning i bildet ditt. Denne spenningen kan beskrives som en fysiologisk kraft, som i fotografering gir en ekstra kant til bildene dine, formidler spenning og skaper drama.
Hvis motivet er utenfor sentrum, gir det av følelsen av at det enten strever mot sentrum for å bli balansert på et logisk sted, eller at den prøver å bevege seg enda lenger bort fra midten mot kanten av fotografiet. Ganske høyt nivå teori, er jeg enig, men verdt å vurdere!
Hvis det også er andre emner som skal innrammes, må komposisjonen balansere disse fagene innenfor rammen. Jeg vil vise deg et eksempel som illustrerer hva jeg snakker om, og jeg kunne virkelig ikke tenke på noe bedre eksempel enn Trey Ratcliff er berømt bilde: Den ensomme treenigheten.
På dette bildet kan du tydelig se hvordan Trey briljant balansert bildet sitt ved å arrangere de tre hovedelementene i bildet i en triangulær måte, og ha hver to motsatte emner balansere hverandre og ende opp med en behagelig sammensetning:
Når du ser på et fotografi, ser du vanligvis først på det som interesserer deg mest. Når det er sagt, er det noen ubestridelige fakta som er kjent for å regulere det som interesserer seerne mest og hva griper deres oppmerksomhet (og i hvilken rekkefølge).
Selvfølgelig, å finne ut hvordan folk ser på en scene er en kompleks prosess, men det er en generell konsensus om hva som tiltrekker øyet først - enten fordi vi pleier å forholde seg til disse følelsesmessig og personlig, eller fordi vi ubevisst stoler på dem for å få en følelse eller reaksjon.
For eksempel, ansikter er kjent for å være det mest tiltrekkende visuelle elementet - spesielt øyne og munn. Tross alt, det er det vi ser på for å gjette hvordan folk føler, hva de tenker på en bestemt situasjon, eller hvordan de skal reagere.
Etter det, skriving har en tendens til å tiltrekke seg øyet mest. Skriving gir et høyt nivå av informasjon om en bestemt situasjon. Selv om det er skrevet på et fremmed språk, legger skriving fortsatt til en stor estetisk kvalitet til et kunstverk bare fordi det representerer en informativ kilde eller element.
Deretter kommer andre elementer i rammen, bestemt av deres fremtredendehet og plassen gitt til dem i sammensetningen.
Et visuelt kunstverk har alltid vært, og vil alltid være, underlagt individuell tolkning. Kanskje ingen kunstner noensinne vil være i stand til å perfekt lede publikum i riktig retning.
Hva en fotograf kan gjøre for å hjelpe seerne å forstå kunstfaget i sitt arbeid, er å gi dem et lite incitament eller skyve i riktig retning ved å observere og forstå visuelle vekter av forskjellige elementer. Ved å bruke disse forsiktig kan det hjelpe et bilde å fortelle en historie, engasjere en følelse, eller trekke alle leserne oppmerksomhet til et bestemt punkt.
Accentsconagua