Share
Snakk med noen artister eller ta en titt på en online samtale om kunstverk, og det er en mektig god sjanse at du hører eller leser omtale av kunstnerisk stil på et tidspunkt. Men for så ofte som det er nevnt, virker stil undervurdert og misforstått. Så hva er det bak en stil? Hvordan utvikler en kunstner en stil og hva betyr stil for en artist? For å finne ut, snakket jeg med atten høyt talentfulle artister, og jeg har beleilig samlet sine svar på din oppbygging og underholdning. Dette er en del av en todelt serie, den andre delen av det må du vente på alltid så tålmodig.
Dette innlegget er dag 5 i vår digitale illustrasjonssesjon. Creative Sessions "Session Day 4Session Day 6"OK, så omtrent tre år siden, i 2007, følte jeg at jeg var på en karriereveis av forskjellige typer. Siden jeg hadde uteksaminert filmskole i 1998 hadde jeg hatt på seg en rekke kreative hatter i mitt profesjonelle liv: grafisk designer, filmregissør, bevegelsesgrafikdude, illustratør, forfatter, fotograf etc. Jeg var en Jack of all visual kunsthandel, og fra mitt uendelig-selvkritiske synspunkt, mester for ingen.
Jeg bestemte meg for å gå tilbake og evaluere mine styrker og skjære på hva jeg følte at jeg var best i. Jeg hadde skapt digital kunst i omtrent et tiår på det tidspunktet, og illustrasjon føltes som den rette kombinasjonen av ferdighetssettet mitt og mine interesser, så jeg skjønte jeg ville fokusere på og prøve å flytte karrieren mer fast i den retningen.
Teknisk side av digital illustrasjon har alltid kommet ganske enkelt til meg, så jeg har klart å skape omtrent hva som helst klient eller jobb har presentert meg med, men jeg følte meg ikke som et slit av mitt faglige arbeid stod virkelig ute som å være, vel, "meg".
Jeg hadde tegnet, maleri og doodling i årevis, men jeg følte meg som det meste av arbeidet jeg hadde skapt siden avgang fra akademiens relativt sikre rammer var nesten usynlig og ikke alt det bemerkelsesverdige. Så jeg satte meg på en vei for kunstnerisk gjenoppdagelse og i prosessen, begynte to ting å skje: Karrieren min begynte å ta av, og min kunstneriske stemme ble mye tydeligere. Med andre ord, min kunstneriske stil kom fram fra de dype fordypningene i hjernen min og begynte å ta tak i mer prevalent i arbeidet mitt.
På dette punktet er jeg ganske sikker på at enhver suksess jeg har sett kan krediteres min stil, min visuelle identitet. Som en hvilken som helst anstendig kunstner, er jeg veldig allsidig og jeg er villig til å bøye min stil og til og med jobbe utenfor den når en situasjon krever det. Men min signaturstil er mitt telefonkort, det er grunnen til at klientene ansetter meg, og fans og samlere kjøper kunstverket mitt.
Tilbake til allsidighet. Det er alltid en ressurs, en utrolig viktig, men det er vanskelig å demonstrere stemmen din og din kunstneriske tillit hvis du ikke kan skille deg fra mengden. Forbundet nedenfor er sytten artister som har funnet måter å skille seg fra massene ved å skape kunst i sine egne personlige stiler.
Etterpå ser vi på en rekke kunstnere på ulike stadier i karrieren og undersøker dem om temaet kunstnerisk stil. For format, presenterte jeg deltakerne med spørsmål og ba dem svare som de så passende (dermed ulikheten i svarlengde og spørsmål / svarformat).
Til slutt, før du begynner å slippe "Men du glemte min favorittartist!" eller "Men du har glemt meg!" kommentarer, innse at det er et veldig stort internett og en enda større verden, og det er ingen måte jeg noensinne kunne inkludere hver flott artist der ute. Så uten videre presenterer jeg følgende kunstnere og deres meninger om kunstnerisk stil.
Min stil har tatt over ti år å utvikle. Jeg tror det er utviklet av mine påvirkninger som en tidlig illustratør, og sparker mot universitetet mitt, og jeg vil ha en stil som samsvarer med deres institusjon og ønsker å skille seg ut fra mengden. Mitt arbeid er ikke for alle, og det er ok.
Min stil valg har vært veldig mye en bevisst beslutning. Jeg har alltid ønsket at folk skal gjenkjenne mitt arbeid og si, "Hei, det er et wotto-stykke." Når det er sagt, har det også blitt endret over tid. Som andre mennesker låne Din stil lærer du å tilpasse og gjenoppfinne deler av arbeidet ditt. Av og til vil jeg unngå min stil og prøve noe annerledes, og det er et veldig verdifullt eksperiment. Det blåser opp i ansiktet ditt eller fungerer bra. Så jeg antar at min stil var bevisst, men det er også vokst ben, støvler og dumme hatter.
Jeg er vanligvis ansatt for min stil. Folk har en tendens til å like min dødley, organisk arbeid og andre som min mer illustrative / fortellende arbeid. Jeg tror at det er viktig at en klient vet løst hva de skal få. Jeg antar at sysselsetting illustratorer er som å gå til et stort supermarked. Du går og velger hva du vil ha eller hva prosjektet ditt trenger. Jeg vil elske et stort supermarked full av illustratorer, men jeg er redd for at man får en gratis tilbud kan vises!
Alt arbeidet mitt har en barnlig fortelling. Når jeg tegner, tenker jeg på personens liv, hvor de bor, hva de spiser eller hvem de drepte. Selv ned til fine detaljer og forhold. Jeg vet at det er rart, men det hjelper min stil å blomstre og vokse. Det meste av arbeidet mitt er mørkt, og det er med vilje. Jeg bruker bestemte fargepaletter og repeteringselementer slik at folk identifiserer arbeidet mitt. Mange av mine tegn vil ha felles elementer. Jeg skal ikke liste dem fordi jeg liker at de er der, men ikke alle merker dem.
Alt i alt synes jeg en personlig stil er en god ting, men den må fortsette å utvikle seg og vokse ellers kan det være en risiko for at du stagnerer. Jeg liker kunstnere som stil er tydelig fra få gå. Det antyder en tillit til sitt eget arbeid.
Jeg har vært freelance som illustrerer siden jeg ble uteksaminert i 1999. Jeg har jobbet med en rekke kunder på en haug med prosjekter. Jeg maler, doodler og tegner verden som jeg ser den. Jeg utvikler tegn og prøver å ta søt inn i mørke steder gjennom en visuell fortelling. Jeg bruker tradisjonelle materialer og digitale pakker for å lage min kunst. Besøk nettstedet mitt for å lære mer om arbeidet mitt.
Jeg tilbrakte omtrent to år å tegne nonstop, se på min stilendring nesten hver dag. Bit for bit noen detaljer (temaer, former, farger, etc.) ble stadig mer tilbakevendende i tegningene mine. Jeg tror i den forbindelse at jeg begynte å utvikle en personlig stil som stadig endrer seg sakte.
Etter min mening utviklet min stil organisk. Da jeg begynte å illustrere, pleide jeg å finne noen detaljer i mitt eget arbeid som minnet meg om andre kunstneres stiler, men jeg tror dette er naturlig fordi et viktig skritt for å bli illustratør eller artist er å se på andre illustratører eller kunstnere. så noen ganger, på en underbevisst måte, påvirkes vi av dem.
Mitt arbeid er symmetrisk, statisk til tider, fargerikt og hjernebrent. Jeg bruker flere teknikker: digital, akvarell, blyanter - det avhenger av prosjektet.
Malota er pseudonym for Mar Hernandez. Mar ble født i mai 1980, hun er for tiden basert i Valencia, en middelhavsby på østkostnad av Spania. Derfra leder hun studiet Malotaprojects.
Jeg jobber i en rekke stiler. Prosjektet bestemmer riktig stil som trengs. Når det er sagt, har jeg en signaturstil jeg refererer til som «Segmentert». Jeg ble sterkt påvirket av en 1950s RCA-regissør med navnet Jim Flora.
Å vokse opp Jeg ville se på LP-dekslene mine foreldre hadde, og lite visste jeg da den ville ha så stor innvirkning på bildene mine senere i livet. Jeg gjorde ikke forbindelsen til slutten av 1990-tallet, et år etter at Jim Flora døde. Jeg hadde muligheten til å snakke med sønnen sin, som delte med meg en del av fars fars senere arbeid, og jeg var i stand til å fortelle ham hvor mye pappa hans arbeid inspirerte meg selv, så det var veldig kult.
I løpet av det siste tiåret har jeg raffinert min stil og brukt den i et bredt spekter av prosjekter. Bildet i dette innlegget var en plakat jeg gjorde for Adobe og CS4-lanseringen av Illustrator.
En av de første illustrasjonene jeg gjorde i denne stilistiske vernacularen var en musikk-CD-omslag for en pengeinnsamler kalt "Nesten Famous Band." Så i den forbindelse var det litt planlagt for dette spesifikke prosjektet fordi det passet stilen jeg ønsket å oppnå for det. Jeg har utviklet seg i segmentet siden da, men til det punktet at det har en metode for sin vanviddhet.
Stil og konsept går hånd i hånd. Du kan ha et godt konsept, men velg en upassende stil for å utføre den. Eller du kan ha den perfekte stilen, men mangler et solidt konsept. For mange illustratorer tenker i form av en stil og prøver å tvinge den stilen inn i hvert prosjekt, det er som å tvinge karri i hver oppskrift du bruker. Curry smaker fantastisk i indisk mat, men ville ikke være så flott i informasjonskapsler. Det er ikke slik at karri er dårlig, det er bare ikke passende for den typen oppskrift. Det samme prinsippet gjelder stil og hvordan det gjelder et gitt prosjekt også.
Jeg prøver å designe bildene mine godt. Jeg tar hensyn til tilsynelatende verdslige detaljer for å unngå visuell spenning. Jeg liker å bruke farge for å forsterke et konsept eller en ide også. Jeg antar at hele min kreative tilnærming er veldig systematisk uavhengig av hvilken bestemt stil jeg jobber med. Jeg legger stor vekt på å formere, balanse mellom rom og hvordan de alle forholder seg før jeg noen gang berører datamaskinen.
Dette betyr at jeg tegner alt ut på forhånd før jeg bygger det digitalt. Dette gjør at jeg kan ha et solid fundament og fjerner gjetning på utførelsesdelen av prosessen min. Når det er sagt, er jeg konstant kunst som leder meg selv under prosessen, og gjør små forbedringer og endringer når det trengs.
Von er leder av Glitschka Studios og har jobbet i kommunikasjonskunstbransjen i over 23 år. Hans arbeid gjenspeiler det symbiotiske forholdet mellom design og illustrasjon. Denne dualiteten av ferdigheter i sitt eget kreative arsenal, inspirerte ham til å myntene uttrykket og tittelen "Illustrativ Designer".
Det hele startet med en enkel og konkret ide. Ordet "Typefaces" begynte å vende rundt hodet mitt og plutselig skjønte jeg at ordet selv låste opp en veldig synlig hemmelighet. Skrift, eller ansikter fra type, ville være mitt nye prosjekt. Siden det øyeblikk, har jeg skapt et stort antall tegn basert på forskjellige typografier. Dette begynte for tre år siden, og siden dem er jeg som en Type-Maniac illustrator, som er morsomt.
Prosessen med å skape skrifttyper utviklet seg på en meget organisk og naturlig måte. Bevis for dette vises når du ser på de første skrifttypene jeg har opprettet og følger på prosessen til den siste. Det er veldig nysgjerrig på hvordan sporene i typografien begynner å forsvinne sakte. Når du ser på mine nyeste kreasjoner, er det vanskelig å tydelig skille brevformene. Jeg tror at dette skyldes det faktum at teknikken min blir bedre og bedre, utvikler hver dag.
I utgangspunktet er grunnlaget for min stil brevform og uten dem har jeg ingenting å lage. De er mine verktøy, og jeg setter pris på og takker dem for inspirasjonen de gir meg.
Du kan sjekke ut mine skapninger på flickr.com/typefaces. Du er også velkommen til å sjekke ut arbeidet mitt som designer og som frihånds illustratør: flickr.com/juliandorado.
Kukubee-stilen var et barn født av en tegneserie mamma og en byggepapir pappa. Mine tidligste drømmer var å tegne tegneserier, før jeg skjønte at jeg ikke engang var litt morsom. Så elementer fra klassisk tegneserie har vært min største kilde til inspirasjon, hvor vekt på karakterfigur er den viktigste fasetten av deres design.
I 2007 hadde jeg et kunstutstilling i Spokane, WA, hvor jeg fikk friheten til å skape alt jeg ønsket med garantien for at arbeidet mitt skulle bli vist. Føler eksperimentell og vokser litt lei av å jobbe i tegneseriestilen jeg gjorde på det tidspunktet, opprettet jeg en rekke (sannsynligvis svært brennbare) brikker som består av ulike multimediaelementer.
Jeg hadde en sjanse med mye moro å eksperimentere med ulike teksturer og begynte sakte å inkorporere dem i mitt daglige repertoar. Min nåværende stil var semi-bevisst utviklet ved å kombinere min kjærlighet til enkle tegneserier med disse eksperimentene med media for å holde det morsomt for meg selv å lage. Men over alt, tegner jeg det meste av min tegneseriebakgrunn og har en tendens til å fokusere mest på former når jeg lager designene mine. Øynene våre er lat når det gjelder visuell forening. I stedet for å huske detaljer og vakre bjeller og fløyter, inkludere vi i våre illustrasjoner en seier til slutt de fleste av sine visualer gjennom grunnleggende former.
Så spør jeg meg ofte om jeg skulle ta bort teksturer, neato-gradienter eller noe pent skinn, vil designet mitt fortsatt fungere når det brytes ned til sin mest grunnleggende sammensetning? Hvis svaret er nei, så er det tilbake til det litterære tegnebrettet. Alle de fancy extras du legger på toppen av et flott fundament, kan alltid forbedre ditt design, men ikke omvendt.
Ofte er det disse fancy små ekstra elementene du innlemmer i designet ditt, som gir deg din særegne smak (med mindre du er en av de heldige jeg vil jalve i shinens signaturstil er bare å være fantastisk).
I dagene med grafisk yore, a altmuligmann kan lande et designgig og gjøre en flink jobb av det som ble gitt til ham. Men disse jobbene er så langt og få mellom nå. Et selskap vet nå at presentasjon av et unikt merke er avgjørende for kundens oppbevaring. Så det er viktigere enn noen gang nå å kunne representere deg selv med en sterk, konsekvent, signatur stil, spesielt i dagens mettede marked - hvor alle og deres bror (og deres brors hund) har tilgang til bilderedigeringsprogramvare og fantasier seg selv som designere.
Bare å være bra på alt er en mye vanskeligere selge nå. En potensiell kunde har ingen insentiv til å gå med deg når de alltid kan finne noen andre som gjør hva du gjør, og sannsynligvis billigere. Ikke gi din klient muligheten, men å gå med deg, fordi ingen andre gjør det du gjør som du gjør.
Kukubee ble skapt av to sjelevenner, Brent og Brandi, som deler en kjærlighet til alle ting, som er søte, smarte, skumle og noen ganger skallede. Sjekk ut min kunst på kukubee.com, og følg oss på Twitter: @kukubee.
Min illustrasjonsstil og teknikk har utviklet seg og fortsetter å utvikle seg på en underbevisst måte. Siden jeg var veldig ung, har jeg alltid vært interessert i å utvikle tegn som et uttrykk for selvuttrykk. Jeg tar en veldig organisk tilnærming til arbeidet mitt. Jeg tenker ofte ikke på å skape og kommunisere en unik stil, tvert imot prøver jeg å fjerne eventuelle barrierer og retningslinjer og bare la mitt underbevissthet kommunisere hva det vil kommunisere. Det er noe ekstremt fascinerende om å la ditt underbevissthet gå og uttrykke seg med former, farger og øyne.
Mitt navn er Camilo Bejarano, også kjent som Ph7labs. Jeg er designer og illustratør basert på Florida, USA. Ta kontakt med meg på ph7labs.com eller @ ph7labs på twitter.
Min stil kom til meg naturlig etter en lang periode med eksperimentering og utforsking. Som en tidsperiode vil jeg si at det tok omtrent et år å få visuell estetikk til det punktet det er nå.
Min stil gjennom kunstskolen var svært forskjellig fra den stilen jeg har nå. Senere ble flertallet av arbeidet håndtegnet og fokusert veldig mye på tegn. Jeg følte at dette var veldig begrenset, og jeg ønsket å skape en stil som var virkelig reflekterende av meg, men det kunne også være kommersielt levedyktig for noen kort.
Jeg var veldig heldig å ha vært på et kurs som virkelig legger vekt på å dabble så mye som mulig før du avgjør en singel stemme eller måte å jobbe på. Etter å ha tatt opp alle ferdighetene jeg hadde lært mens jeg var på banen, gikk jeg tilbake til tegnebrettet og begynte virkelig å finne min sanne stemme.
Selv frem til denne dagen ser jeg ikke stilen min som definert, fordi jeg som en kreatør alltid leter etter feil og forbedringer for å fremme utviklingen min innen illustrasjon og gjøre den mer anvendelig for den kommersielle verden.
Min stil ble aldri planlagt. Jeg tror at alle har sin egen unike stil, akkurat som alles håndskrift er subtilt forskjellig fra hverandres. Visst, stiler kan virke like, og det er når du må dykke videre personlig, begynn å utvikle en enestående stemme som virkelig reflekterer deg og skiller din stil fra resten.
Enda viktigere, din stil må bli en naturlig måte å jobbe for deg, slik at det du selv illustrerer, har du en veldig sterk base for å bygge opp på.
Min stil spiller egentlig ikke stor rolle i arbeidsprosessen min når jeg mottar et prosjekt, da jeg er veldig komfortabel med det og føler at det kan brukes på et bredt spekter av emner.
Enda viktigere for meg nå er ideen bak illustrasjonen. Vi som illustratører bruker mye tid personlig bort fra den kommersielle verden som utvikler og raffinerer vår stil slik at det egentlig ikke burde være så vanskelig når det gjelder å utføre det. Det mer utfordrende aspektet er å komme med en god idé, og deretter slå sammen med stilen din for å lage en komplett og balansert illustrasjon som sender en melding, samtidig som den er visuelt stimulerende.
Når jeg definerer en stil, synes jeg det er veldig viktig å trekke inspirasjon fra bilder som du virkelig er fascinert av. For meg elsker jeg å se på gamle kulturer og deres kunst, også jeg har en fascinasjon med symmetri, form sammensetning, tekstur og farge. Alt dette brensler arbeidet mitt og kontinuerlig utvikling av min stil.
Jonny Wan er illustratør basert i Sheffield, Storbritannia. Hans arbeid fokuserer sterkt på å kombinere formeksperimentering, ansiktsuttrykk og symmetri for å produsere unike visualer. Lær mer om sitt arbeid på: jonnywan.com.
Stilen til kunstverket jeg lager er noe jeg tror er en kombinasjon av barndomspåvirkninger og å ta dem videre.
På noen måter er det en blanding av de to. Det har alltid vært en underliggende visjon jeg har hatt av utseendet jeg ønsket at kunstverket mitt skulle ha, men bare da jeg klarte å gi slipp på et visst punkt og la kunsten ha lik linje med hvor den ville lede, nådde jeg et tilfredsstillingsnivå med kunsten jeg lager.
Jeg pleide å slite litt med stilen på kunstverket jeg beundret, og hva var i meg. Jeg føler meg som om jeg har oppnådd en sunn balanse mellom hvor jeg ønsket å gå, og hvor kreativiteten ønsket å ta meg.
Det avhenger av prosjektet. Jeg er heldig nok på dette tidspunktet at klienter ansetter meg for å lage illustrasjoner og karakterer for dem i den stilen de ser i det eksisterende arbeidet jeg har gjort, så det er mer et problem å holde på poeng enn å vurdere stilen til kunstverk.
Jeg har alltid vært - og fremdeles er - en fan av fet, flytende, grafisk stilisert linjekunst. Jeg er også en stor fan av underliggende geometri, selv om den geometrien ikke er blatant i det endelige kunstverket. Farge tjener som et kompliment til linjekunsten.
George Coghill er en humoristisk illustratør og tegneserieutøver, som spesialiserer seg på tegneserie karakterdesign for maskoter og logoer. Du kan se hans tegneserieillustrationsarbeid på Coghill Cartooning, lære mer om sitt arbeid på bloggen sin, og følg ham på Twitter: @gcoghill.
Jeg har ikke vært involvert i digital kunst i lang tid. Jeg begynte å gjøre kunst på alvor for to år siden, og jeg vokser fortsatt og prøver mange nye ting for å utvikle min stil. Det var ikke en bevisst beslutning. Da jeg begynte, valgte jeg bare ting som inspirerte meg. En dag laget jeg et bilde som hadde et helt nytt utseende for meg. Jeg bestemte meg for det øyeblikket at jeg fant min egen stil. Så begynte det å skifte. Jeg kan ikke si hvordan det skjer og hvor det går.
Illustrasjon er ikke min eneste kilde til inspirasjon. Jeg finner det også i arkitektur, mote, fotografering, kunstinstallasjoner, folkekunst og mange, mange andre steder, selv noen vanvittige vitenskapelige ting.
Farger og gradienter er de store delene av min stil. Jeg liker også å skape en følelse av rommet, en slags dybde, og eksperimentere med belysning. Også, jeg betaler mye oppmerksomhet til figurer, tar tid å gjøre hver enkelt perfekt. Programvare påvirker også stil ganske mye. Da jeg flyttet fra Photoshop til Illustrator, endret min stil veldig mye. Nå er jeg forelsket i vektor.
Mitt virkelige navn er Alexandra, men jeg er bedre kjent som Zutto. Jeg er 26 år gammel, jeg bor i liten by som heter Miass, i Russland. Jeg jobber som freelance designer / illustrator, hovedsakelig tegning med vektor. Jeg har ingen spesiell utdannelse og er selvlært på denne måten. Du kan lære mer om arbeidet mitt på zuttoworld.com.
Jeg liker egentlig ikke å tenke på stil i konvensjonell forstand fordi det høres ut som en destinasjon, hvor å skape kunst bør være om reisen. På begynnelsen av 20-årene hadde jeg en oppfatning at når jeg kom opp med min stil alt i min karriere ville stikke på plass. Det legger mye unødvendig press på meg når jeg burde ha lært verktøyene og ha det gøy. Men selvfølgelig lærte jeg ikke dette før jeg vokste opp litt :)
Men når det gjelder hva slags arbeid jeg har gjort, er det egentlig en kulminasjon av mange ting jeg er interessert i. Ikke bare andre kunstnere, men design-tegn som var utbredt tilbake da jeg var barn tidlig 80s.
De siste årene har jeg skiftet fokuset mitt til bare å skape arbeid som var morsomt, ting som den 7 år gamle James kanskje vil henge på veggen sin tilbake i '82. Dette førte meg til å se på design og animasjon fra barndommen min, og det var litt å oppfinne den ideen med det jeg har lært om design. Så hvis du tenker på det på den måten, har jeg utviklet stilen siden jeg var barn (jeg var alltid på jakt etter kule ting).
Det utviklet seg veldig organisk, som er hvordan jeg prøver å jobbe på alle nivåer. Jeg begynte å jobbe med mange kranier med maleriske effekter, ligner arbeidet til Converge frontman Jacob Bannon. Jeg begynte å legge til forskjellige designelementer og farge temaer for å holde ting interessant, og likte å jobbe med brede linjer og skjær. Jeg tok det til neste nivå ved å sette disse rare figurene i Flash for å generere grupper av tilfeldige utvalg, som jeg portretterte til Illustrator for å manipulere og rydde dem opp. Når jeg oppdaget at de så veldig kult når de var lagt over hverandre i Photoshop, var det alle systemene som gikk.
Etter det ble jeg veldig interessert i nettverks-ID-animasjoner fra 70- og 80-tallet, spesielt NBC-logoen med alle de ville farger. Jeg så mange av disse animasjonene på YouTube og prøvde å bruke estetikken og paletten til arbeidet mitt på en interessant måte. De hadde også vanvittige lyseffekter på brev og design, noe jeg tok direkte og satte inn i arbeidet mitt.
På en måte. Jeg prøver til slutt å ha det gøy mens jeg jobber med noe, uansett hva prosjektet kan være. Klientene jeg jobber med, jobber med meg på grunn av det de ser i porteføljen min. Jeg liker dette fordi de i det vesentlige kan si "Du vet hvordan du gjorde nettverksposten? Kan du gjøre det for meg?" Hvis tiden tillater det, vil jeg alltid prøve å legge til et unikt snurr på hva jeg gjør, jeg replikerer ikke bare meg selv for en klient. Jeg vil gi dem noe som er unikt dem, ikke bare en forlengelse på egen portefølje.
Når det gjelder mitt eget arbeid, vurderer jeg stilen i en grad. Jeg liker å ha mine Signalnoise-plakater som passer sammen som en helhet, hvor du kan henge dem alle på en vegg uten så mye forskjell at de ser rart ut. Jeg liker konsistens, men det betyr ikke nødvendigvis selvtilfredshet. Til slutt vil jeg ha det gøy å skape noe, og jeg vil ha den glede å vise i sluttproduktet.
Jeg har blitt spurt dette før av venner og jeg sier alltid "Å, jeg vet ikke. Linjer og regnbue!" Elementene jeg bruker, er for det meste inspirert av nettverks-IDene jeg nevnte tidligere. Typografiske skjemaer, fargespekterfarger, lyskilder, distressed teksturer, gritty blurs og glows. Jeg vil gjerne se at arbeidet mitt passer godt med noe som NBC ville fly i 1977.
Når det er sagt, prøver jeg også å legge til elementer lært fra å se på arbeidet til Paul Rand, Milton Glaser, Josef Muller-Brockman og Saul Bass. Disse karene kjenner sine ting, og jeg føler meg umiddelbart dum hver gang jeg undersøker dem. Men de visste deres medier, de visste deres regler og deres porteføljer virker som en fantastisk lærings kilde for en fyr som meg, som bare ønsker å lage plakater for alltid.
Det jeg har lært i løpet av det siste tiåret, er at søken etter å trenge en stil for å definere deg selv, gjør ingenting annet enn å legge til press og frustrasjon til noe du virkelig bør nyte. I stedet for å prøve å tvinge noe ut, tenk på hvem du er og hva du virkelig er interessert i. Lær verktøyene dine og ha det gøy å gjøre det. Men det største punktet er å prøve nye ting ... prøv ting du ikke ville se deg selv, fordi du bare kan elske det. Helvete, jeg er en metalhode som lager plakater med regnbuer. Tror du jeg kunne ha spådd det for 10 år siden? :)
James White er en visuell kunstner og designer som bor i Halifax, Nova Scotia, Canada. James har jobbet med en rekke personlige kunstprosjekter med 12 års erfaring. Hans klientklienter inkluderer Toyota, Nike, Google, VH1, Armada Ski, Wired Magazine og mer. Han har vært omtalt i Computer Arts, Computer Arts Projects og Advanced Photoshop magasiner. Lær mer om hans arbeid på Signalnoise.com, Behance, Flickr, og følg ham på Twitter som @signalnoiseart.
Hold øye med del II av dette to deltagsintervjuet. Vi får noen flere gode svar fra fantastiske illustratorer om å utvikle sine kunstneriske stiler snart.
Accentsconagua