Share
Snakk med noen artister eller ta en titt på en online samtale om kunstverk, og det er en mektig god sjanse at du hører eller leser omtale av kunstnerisk stil på et tidspunkt. Men for så ofte som det er nevnt, virker stil undervurdert og misforstått. Så hva er det bak en stil? Hvordan utvikler en kunstner en stil og hva betyr stil for en artist? For å finne ut, snakket jeg med atten høyt talentfulle artister, og jeg har beleilig samlet sine svar på din oppbygging og underholdning. Dette er den andre delen av en todelt serie. Hva er det? Savnet den første delen? Vel sjekk det ut!
Dette innlegget er dag 6 i vår digitale illustrasjonssesjon. Creative Sessions "Session Day 5Session Day 7"Min stil tok over de fire årene med kunstskolen å utvikle, og jeg tror det fortsetter å utvikle seg over tid.
Jeg vil gjerne tenke på at min stil var en bevisst beslutning, men jeg tror at det underbevisste også kommer inn i spill. Vi har alle en preferanse til hva vi liker og hva slags elementer vi er tiltrukket av. Da jeg begynte og fortsatt fant stilen min, hadde jeg visjoner i hodet mitt om hva jeg vil at arbeidet mitt skulle være, men det tok mange år med praksis før det jeg hadde forestilt og hva jeg hadde som sluttresultat, var nært tilpasset.
Min stil fortsetter å utvikle seg, og nå er jeg igjen på scenen hvor jeg vil ta det til et annet nivå, noe som betyr mer å øve og planlegge. Underveis vil noen lykkelige ulykker skli inn. Det er det som gjør kunst så flott.
Forhåpentligvis når et prosjekt kommer opp, vil min stil være gratis for det, men noen ganger er det nødvendigvis å presse utover den vanlige måten å utføre ting på. Målet med en illustratør eller designer er å løse problemet, så jeg må bestemme om stilen min passer, eller kanskje en annen måte, er bedre. Å lære om en annen stil snakker om hvordan jeg har gjort ting - det hjelper meg å utforske mine liker og misliker. Det gir et spark til rutinen og hjelpemidler for å fremme min stil.
Når jeg definerer stilen min, tenker jeg på organiske linjer, lyse farger og lykkelige tegn. Temaet er søtt med en vridning av humor. Jeg liker å jobbe digitalt med Adobe Illustrator, men jeg prøver hardt for ikke å ha det som definerer stilen min. Alle kan bruke samme teknikk, men oppnå et annet resultat. Min stil er stemmen min - det vil si måten jeg tegner karakterene mine på, emnet jeg liker å gjøre.
Jannie Ho er en barnebok illustratør, designer og kylling anbud. Besøk hennes hjemmeside JannieHo.com eller følg henne på Twitter @JannieHo.
Jeg antar at min stil er en evolusjon som opprinnelig stammer fra meg å være i hip hop-scenen og elsker graffiti bokstaver og tegn. Jeg har alltid prøvd å presse meg selv og streve for min egen perfeksjon. Da foretrukket jeg bare å tegne skisser og tegn på papir, da dette tillot meg å ta meg tid og gå tilbake til ting før jeg følte meg veldig glad.
Selv om jeg ikke er involvert i scenen lenger, ga det meg en god grunnlag for å lære meg om form og struktur i både bokstaver og tegn. Det var bra for meg å flytte fra dette til å gjøre mitt kunstverk på en Mac, da denne metoden også tillot meg å endre arbeidet mitt uendelig til jeg var veldig fornøyd med det. Jeg antar at denne tilnærmingen med å kontinuerlig streve etter en form for personlig perfeksjon er en velsignelse og en forbannelse!
I dag elsker jeg å se på Flickr, Behance, Blogsider, Twitter, Anime-filmer, Barnas TV og bøker, gatekunst, natur - jeg kan trekke inspirasjon fra hvor som helst.
Min stil har definitivt utviklet seg de siste 20 + årene på grunn av at jeg utviklet og lærte nye teknikker som har gitt meg mulighet til å uttrykke mine ideer bedre. Eksterne påvirkninger og programvareutvikling har også bidratt til min stil.
Jeg har to hovedtyper:
Personlig har jeg ikke noe imot å bruke tid på bildene mine (om tid og budsjett tillater) som jeg liker å kunne se tilbake og være fornøyd med det jeg har gjort. Jeg tror de fleste artister er veldig selvkritiske. Jeg er sikkert, og dette hjelper meg å presse meg til neste nivå med hvert nytt stykke jeg forplikter.
Jeg antar at noen ting definerer stilen min: teknikk, fargepalett, og jeg prøver å injisere en god dose av Engelsk eksentrisitet inn i de fleste stykkene mine.
Jeg har vært designer og illustratør i rundt 14 år. I løpet av min profesjonelle karriere har jeg jobbet med prosjekter for mange kunder, inkludert: Universal Pictures, EA Games, Dreamworks, BBC, AOL, Mattel og Nickleodeon. Jeg lisensierer også noen utvalgt arbeid gjennom Getty Images. Jeg bruker primært Adobe Illustrator til mine tegn og scener, og jeg animerer med Adobe Flash. Jeg har noen veldig spennende prosjekter i røret og er veldig spent på fremtiden. Finn ut mer om arbeid på Roctopus.net, Flickr, eller følg meg på Twitter @MrRoctopus.
Jeg begynte ganske mange konkurranser online tidlig i 2007. Jeg hadde egentlig ikke egen stil på den tiden, og dette kan ha vært grunnen til at jeg fortsatte å miste.
Senere kom jeg inn i "Ikke panikk" plakatkonkurransen, som var en del av 2007 Manchester International Festival. Dette var fødselen av illustrasjonsstilen jeg bruker nå. Fristen for prosjektet nærmet seg, så i utgangspunktet trengte jeg en stil som kunne oppnås ganske raskt. Ved å bruke repeterbare isometriske bygninger og et utvalg av tegn, kunne jeg produsere en detaljert illustrasjon i løpet av minutter jeg trodde (men det var ikke tilfelle). Å legge ned en grunnleggende sammensetning og kartlegge hvor alt ville være, var lettere og sped opp prosessen min, men da tilbrakte jeg mye tid innzoomd og tilføyet unike detaljer og små funksjoner rundt brikken.
Jeg endte med å vinne konkurransen, og det ble dømt av Peter Saville, så jeg må ha gjort noe riktig. Jeg fortsatte med denne stilen og vant noen flere konkurranser, fikk noen få interessante prosjekter, som bidro til å utvikle stilen og spre navnet mitt.
Når jeg starter et nytt prosjekt, vil min stil (som hovedsakelig er isometrisk bybilder og tegn) alltid være i tankene mine. Så, avhengig av temaet i prosjektet, bestemmer jeg hvilket område av min stil som passer best for å nærme seg kortene.
Min stil kan defineres som vektorbasert, karakterdrevet med enkle fargepaletter, noen ganger med isometriske, store detaljerte landskaper og scener. Jeg prøver å implementere så mye detaljer og gjøre illustrasjonen så morsom og interessant som mulig.
Jeg tror å skape en sterk, distinkt stil er et must hvis du vil bli en flott illustratør. Du må skape kjennskap, legge inn mange konkurranser og høyt nominelle designprosjekter for å spre navnet ditt så mye du kan. Så begynner folk å gjenkjenne din unike stil og personlighet, og de vil nærme deg, spørre om du vil delta i prosjektene deres.
I løpet av det siste året har Stephen jobbet som freelance Illustrator / Grafisk Designer med klienter som Tiger Beer, IdN, Boxbird Gallery og Mercy Magazine, etc. Han er også en av grunnleggerne av designportalen Thunder Chunky, en Tiger AKA ( Asiatisk kinetisk kunstner), bortsett fra Tiger Translate-prosjektet, og en artist på Blood Sweat Vector. Du kan lære mer om hans arbeid på stephen-chan.co.uk, Behance, og du kan følge ham på Twitter @stephen_chan_.
Jeg elsker minimalistisk, moderne design og illustrasjoner fra slutten av 1950-tallet til tidlig på 1960-tallet. Vokser opp, jeg var også sterkt påvirket av tegneseriene som Pink Panther, Underdog og Bugs Bunny; og av barnebøker fra Leo Leonni, Eric Carle, JP Miller og Mary Blair. Min stil er en refleksjon av ting jeg likte som barn. Den har utviklet seg siden jeg begynte å tegne, og den fortsetter å utvikle seg. Og jeg studerte som grafisk designer, så min illustrasjonsstil gjenspeiler en stor designpåvirkning.
Den har utviklet seg for det meste organisk, men praksis og utforskning spilte (og fortsatt spiller) en rolle.
Absolutt. Min stil er litt lunefull, så det gir seg godt til mer lystige, humoristiske prosjekter ... Jeg pleier å holde seg unna veldig alvorlig emne. Å ha en etablert portefølje hjelper potensielle kunder til å vite hva de kan forvente, og prosjektene de tilbyr reflekterer den forståelsen.
Jeg pleier å jobbe mer med form, tekstur og solide fargeblekk, og mindre med linje. Mine tradisjonelle stykker er laget med gouache og akryl, og mine digitale brikker etterligner det samme utseendet; Det er ikke mye visuell forskjell mellom mitt digitale og tradisjonelle arbeid.
Eric Barclay er en illustratør og grafisk designer basert i Texas. Han arbeider i både digitale og tradisjonelle medier, og skaper lunefull illustrasjoner for reklame, utdanning og redaksjonelle kunder, og barnas marked. Lær mer om hans arbeid på ericbarclay.com eller besøk min blogg.
Jeg kan ikke ha en oppsett for å finne en definert stil i utgangspunktet, men jeg er nå veldig bevisst på å ha en sterk personlig illustrasjonsstil. Det utvikler seg, det utvikler seg alltid, men det er fortsatt, i hovedsak, min egen stil. Jeg er stolt av det, jeg holder den høy som en viktig del av meg og min karriere.
Alt jeg har gjort har alltid vært fargerikt. Farge er noe jeg alltid har elsket å leke med, men uansett hva det er, er essensen av min stil dannet organisk over noen år med å jobbe.
Jeg ble uteksaminert fra universitetet i 1999 og ønsket å jobbe i hundrevis av forskjellige stilarter, fra å etterligne vintage illustrasjonsstiler til de nyeste trender, men ingen bygger en god karriere som gjør det. Jeg jobbet i animasjon i rundt 4 år, hovedsakelig på musikkvideoer, med ulike stiler, men separat for min daglige jobb, var jeg alltid å illustrere, for moro skyld eller for klienter, og det var i denne perioden at jeg føler at min stil må ha har kommet sammen. Det var en blanding av å oppdage vektorprogramvare, med fokus på mine tegneferdigheter, forstå prinsippene for design og design / fargesykologi og også å ha
muligheter til å reise mye (jeg har alltid tatt mye inspirasjon fra naturen).
I 2005 kom jeg til et veikryss i karrieren min og bestemte meg for å forlate min stilling i et animasjonsstudio. Jeg bestemte meg for å gå alene og fokusere på illustrasjonsarbeidet mitt. I de første månedene var jeg heldig å tjene en provisjon fra Smart Cars for å jobbe på en trykkannonsekampanje for dem. Det var denne kampanjen som raffinerte min stil. Jeg skaper landskap som blandet realisme og grafiske elementer, spiller med form og farge i naturen.
Kort tid etter jobbet jeg med Airside på en kampanje for Mastercard, som lærte meg betydningen av presisjon, å fokusere på hvert element i en illustrasjon for å oppnå det beste arbeidet. Siden de siste fem årene har jeg alltid gjennomført disse leksjonene sammen med min personlige stil. Jeg er nøye med å gi en klient hva de kom til meg, for en sterk følelse av farge, en ny tilnærming til utformingen av landskap, dyr, bybilder, uansett emnet! Jeg beveger meg mellom å lage illustrasjoner som er ganske realistiske og andre som er mye mer grafiske, men de beholder alltid et nivå av frisk lekfullhet.
Jeg pleier å vurdere min stil når jeg nærmer meg en ny kort, hva kan jeg medbringe til dette? Jeg bruker ofte også et prosjekt for å utvikle et element i arbeidet mitt, så hvis en kort kaller for noe veldig naturlig, veldig realistisk, så vil jeg bruke den til å oppdage en ny måte å nærme seg en realistisk tekstur, farge, objekt eller scene på..
Jeg håper at selv om stilen min kanskje har modnet eller utviklet seg, har den fortsatt den samme følelsen som jeg var stolt av å ha opprettet da jeg begynte å illustrere vellykket. Jeg prøver å lage illustrasjoner, vanligvis steder, som fremkaller en følelse, om den er myk og myk eller høy og spennende. Jeg vil gjerne inspirere folk til å komme ut, nyte verden, å være en med naturen og respektere miljøet. Dette er temaene i arbeidet mitt, store faktorer i min personlige stil.
Ben O'Brien (aka Ben Illustrator) er basert i Storbritannia og har jobbet for kunder som Hasbro, Honda, Computer Arts Magazine og Sony. Han jobber også sammen med sin kone på deres hjemmevaremerke "Wish You Were Here" som selger kunsttrykk, tekstiler og interiørdesign. Oppdag mer av Bens arbeid på bentheillustrator.com, wywh.co.uk eller på Twitter @benandfi.
Når jeg snakker om "stil", kan jeg bare ta arbeidet mitt som et eksempel: Mine illustrasjoner er laget av enkle fargerike former og gjentatte linjer. Følelsen av det gjør meg glad.
Så jeg ser etter elementer av det overalt. Ikke bare i arbeidet i midten av århundre illustrasjon og design, men i de daglige tingene rundt meg. De ikke helt parallelle kraftledningene utenfor studioet mitt, sprekkene i et bilvindu, det lyse oransje rektangelet på en leveringsbil som det rummer av; Hodet mitt registrerer det hele - går gjennom det og senere finner det en bruk for det i illustrasjonsarbeidet mitt.
Etter oppgradering tilbrakte jeg mange år tegning og kunstskoleprogrammering. Å finne meg selv i mitt arbeid har blitt den viktigste utviklingen i min karriere som kunstner. Jeg tror denne forstanden eller søket er kjernen i hvilken stil som er.
Brian Gubicza vokste opp i Pennsylvania omgitt av verkene av N.C. Wyeth og Howard Pyle ... dessverre ingen av det fast. Hans illustrasjonsarbeid har blitt publisert nasjonalt i USA i magasiner og aviser, og hans "drøm" -blogg har et internasjonalt publikum. Lær mer på goobeetsa.com.
Min stil utviklet seg litt etter litt. Jeg likte arbeidet med forskjellige vektorartister så mye at jeg bestemte meg for å jobbe med denne typen medium. Jeg har okkupert meg selv med det og oppdaget min moro med søte figurer og skinnende farger. I saker jeg jobber med, liker jeg å bli inspirert av mine egne nåværende smaker. Noens stil er bare en personlig sak.
I denne prosessen er alt avhengig av personlige preferanser. Hemmeligheten er å lytte til ens eget sinn og å være lojal mot det. Det er et spørsmål om å definere faktorer for ens arbeid som du fortsetter å søke. Fra mitt synspunkt er utviklingen av en personlig stil aldri helt ferdig. Men retningen som kunstneren fortsetter å bevege seg i, beholdes.
En personlig stil kan egentlig ikke planlegges bevisst. Det ville bety at stilen bare er valgt for å appellere til noen. Slike stiler har ikke en god fremtid som de jager aktuelle tendenser og meninger. Stil kan bare overbevise når kunstneren holder seg til den på en trygg måte.
Fra mitt synspunkt går en stil gjennom en organisk utvikling med mye innsats brukt av kunstneren. Den vokser og forvandles til noe personlig. Oppriktig sagt, jeg har satt meg noen retningslinjer for å skille seg ut fra massen med mitt eget unike utseende. Dette har alltid vært min grunnleggende ide. I mitt sinn kan en illustratør bare lykkes, hvis et bestemt bilde eller en følelse er knyttet til hans navn. Mange mennesker er dyktige i tegning eller vet hvordan de skal bruke en datamaskin.
Jeg sjekker skissene mine for å se at de passer til min stil. I overføringsarbeid er det klientens oppgave å si hva han forestiller, selvsagt. I mine egne prosjekter prøver jeg hardt å opprettholde og fremme min stil. Det er viktig å holde på kurset og vise det til andre. Hvis du avviger fra stilen din enormt, vil ditt distinkte design ikke bli oppfattet.
Den rådende stemningen i bildene mine er positiv. Jeg bruker runde og klare skjemaer. Alt er veldig fargerikt da jeg bruker en stor fargepalett. Mine tegn er søte og lykkelige. Ikke realistisk, men redusert. Bubblefriends figurer har små øyne, samsvarer med ordningen med barnlige egenskaper og er imaginære.
I prosessen med utarbeidelse bruker jeg bare noen få eller ingen konturer. Jeg prøver å få mine bilder og figurer som tredimensjonale som mulig. For å oppnå det bruker jeg gradienter og skyggelegging. Applikasjonen av datamaskinen er midtpunktet i arbeidet mitt. Når jeg bruker andre medier, som for eksempel akrylfarger, må resultatet være lik de på skjermen.
Sascha Preuß - Bubblefriends, født 1973, bor og arbeider i Tyskland. Besøk bubblefriends.de nettstedet.
Som jeg er sikker på er veien med de fleste illustratorer, var stil noe jeg kjempet med i årevis. Jeg vil tilbringe timer med å se på mine favorittillustratører, sammenligne arbeidet mitt med deres og bli skremt og lammet av sammenligningene. Jeg kom til det punktet hvor jeg fortalte så mye at jeg ikke engang produserte noe arbeid.
Det er det punktet som jeg bevisst bestemte meg for å ta trykket av og bare se hva som kom ut organisk. Jeg begynte en lang periode med eksperimentering, og skapte arbeid basert på ulike fag og i ulike medier, for eksempel: pastell, maling, digital, blekk og til slutt collage.
Det var et bilde av en modellens hår i en magasinannonse og ideen om at det ville gjøre en god tekstur for trebark som fikk meg til å starte med min nåværende stil. Dette var et ekte vendepunkt, og selv om det har utviklet seg siden da, ble det raskt den tradisjonelle kutte og lime kollasjestilen som jeg jobber i i dag.
Jeg prøvde å gjenopprette arbeidsformen min digitalt, men fant det fordi det var så lett å endre farge, form og lag i Photoshop, at mine valg ikke var så kreative. Det var ikke så mye moro som det ikke er noe som å finne den perfekte tekstur i et magasin for hva det er jeg jobber med på den tiden, eller til og med å finne en flott tekstur som sporer en ny, ikke-planlagt illustrasjon. Det er også fint å ha et fysisk originalt stykke på slutten av dagen!
Jeg vil si at hovedelementene som definerer min stil, er tekstur og form. Jeg prøver stadig å forfine begge disse ned til deres enkleste form.
Det viktigste jeg har lært gjennom prosessen med å finne min egen stil er å slutte å se på hva alle andre gjør, legge bort kunstbøkene, slå av datamaskinen og bare lage ditt eget arbeid. Før lenge vil du se visse mønstre som bobler til overflaten og en stil som begynner å utvikle seg organisk.
Jonathan Woodward er en uavhengig freelance grafisk designer og illustratør. Han er også forfatteren av bloggen zero2illo, en blogg for aspirerende illustratører og sammen med sin kone kjører også det populære nettverket locationindependent.com. Besøk Jonathans porteføljeside jonathanwoodwardstudio.com.
Så er det en riktig eller feil måte å nærme seg kunstnerisk stil på? Selvfølgelig ikke! Som med alt kunstnerisk, er det ikke bare subjektivt, men det handler egentlig om hva som fungerer for du. Som du har lest, er det mange divergerende meninger om temaet stil, men det er en ganske solid gjennomlinje: En personlig kunstnerisk stil er i kjernen et uttrykk for kunstnerens personlighet. Kan en kunstner ha mer enn en stil? Hvorfor ikke? En kunstner kan ha mer enn en personlighet, riktig;)? Men de mest vellykkede stilene er som fingeravtrykk; unikt for en person og noen ganger inkriminerende så. Kunstnerisk stil er din sjanse til å legge merke til. Undervurder ikke det!
Accentsconagua