Share
Denne opplæringen tar deg gjennom hele kreative prosessen for å utvikle og lage en presisjonsvektorbasert karikaturillustrasjon. Du kan lære mer om den illustrative design-kreative prosessen på nettstedet mitt IllustrationClass.com. La oss komme i gang med denne opplæringen.
I stedet for å fokusere på et tips eller en trick tilnærming for deg å gjenta, vil denne opplæringen ta deg inne i en komplett kreativ prosess, du vil kunne tilpasse og tilpasse for dine egne illustrative prosjekter fremover. I et nøtteskall går det utover bare verktøy, og gir deg innsikt i å legge et skikkelig fundament for å lage godt utformet vektorgrafik.
Du kan finne kildefilene i katalogen merket kilde som kom inn i filene du lastet ned. Du kan ønske å se gjennom dem kort før vi begynner.
Selv når du lager vektorkunst, kommer den endelige suksessen eller fiaskoen til ditt endelige produkt ned til grunnleggende og hvor sterk et kreativt fundament du bygger på. Dette krever ikke bare verktøyskompetanse i AI, men også analoge ferdigheter som miniatyrbilding, skissering og raffinert tegning av kunst du vil så kutte ut i vektorform.
Dette viser min første miniatyrskisse. Jeg dro dette fra minnet. På dette punktet vil du fange de rå grunnene, ikke bekymre deg hvis det ikke er ringt inn fordi du vil gjøre forbedringer når du beveger deg fremover. Bare trene grunnleggende ideen, uansett hvor løs det kan vises på dette punktet.
Når du tegner en karikatur av noen du trenger for å studere ansiktet ditt. Isolere de attributter som best overdriver hans / hennes identitet. Den beste måten å gjøre dette på er å samle referansebilder for å hjelpe deg med å studere deres utseende. Noen ganger er egenskapene du overdriver, egentlig ikke sant for livet, men hjelper den samlede effekten.
Når jeg vet hva jeg trenger å overdrive, tegner jeg på toppen av min første miniatyrbildeforstramming og forbedrer den generelle tegningen, mens du legger til detaljer jeg har hentet fra referansematerialet.
Dette kan virke overflødig, men jeg trekker igjen på toppen av min tidligere tegning, gjør ytterligere forbedringer og strammer opp det enda mer. Legg merke til hvordan jeg bare trenger å tegne halvparten av kunsten siden dette er en symmetrisk illustrasjon.
Jeg skanner denne strammere skissen i datamaskinen min, og deretter bruker Photoshop jeg kopierer kunsten og blar den. Jeg vil få en god ide om hvordan min kunst vil føle seg. Jeg skriver ut dette ut og bruker det til å tegne min siste kunst som jeg deretter bruker til å bygge mine vektorformer fra.
Ved å bruke utskriften, forfiner jeg tegningen min og spiker nøyaktig hva vektorformene mine vil se ut. Tenk på dette som en blå utskrift, det vil etterlate ingen gjetning arbeid som du begynner å lage vektorgrafik. Jeg er nå klar til å skanne den inn.
Dette er min siste raffinerte tegning skannet inn.
Jeg plasserer tiffen min i AI, juster gjennomsiktigheten slik at den er tonet tilbake og låse laget. Jeg skal tegne på et annet lag over det.
Jeg begynner nå bare å bygge vektormene mine etter min tette skisse. Det er ingen gjett arbeid. Jeg vet hva jeg trenger å lage og følger bare skissen min.
Jeg lager mine siste vektorgrader enten punkt for punkt ved hjelp av pennverktøyet, eller jeg bruker Ellipseverktøyet. Jo mer du kan tenke i form av figurer, Jo lettere det er å bygge kunst i vektorgraden. Jeg unngår å bruke stryk og bare bo med fyll.
Ved å bruke Pathfinder-paletten velger jeg to former og krysser figurene for å komme til den endelige formen som trengs. I en kompleks illustrasjon vil jeg utføre denne typen funksjon hundrevis av ganger.
Når jeg bygger punkt for punkt, legger jeg poengene mine på de viktigste stedene. Som vist i disse bildene har øyenbrynet totalt fem poeng på nøkkelstedene. Jeg går inn etter at jeg har alle fem plassert og den raske formen er på plass, og så justerer jeg bezierkurvene for å matche min skannede skisse.
Illustrators bane redigeringsverktøy er i beste fall forældet. Med hver ny versjon gir Adobe flere og flere funksjoner oppblåst, men forbedrer sjelden noen ting om de grunnleggende byggemetodene i AI. På grunn av dette bruker jeg et plugin kalt Xtream Path av CValley Software.
Jeg legger ned min grunnform og deretter går tilbake til bruk av Segment Direct Edit Tool, som lar meg gripe en bane og bøye den ut eller inn for å forme den. Langt raskere og lettere, og deretter prøver å trekke ut deiligere håndtakene fra de ulike punktene.
Hvis du besøker CValley Software-siden, kan du se alle de kule tingene dette nyttig plugin-tilbudet gir. Tiden du sparer i det lange løp vil da da dekke prisen på programvaren.
Jeg legger ned min grunnform og deretter går tilbake til bruk av Segment Direct Edit Tool, som lar meg gripe en bane og bøye den ut eller inn for å forme den. Langt raskere og lettere, og deretter prøver å trekke ut deiligere håndtakene fra de ulike punktene. Ved å bruke Pathfinder-paletten trekker jeg fra form for å komme til mine siste figurer for å lage kunst for ørene.
Igjen bruker jeg paletten Pathfinder til å trekke fra formområdet for å komme til min endelige form som trengs.
Jeg har nå ferdig alle mine grunnvektorformer. Du har kanskje lurt på hvorfor jeg bruker rosa linjer når du bygger min baseform? Dette er bare min personlige preferanse, og siden jeg har gjort det i over et tiår nå, representerer det byggeprosessen av min kreative prosess.
Jeg kopierer vektorformene mine og blar dem for å få alt jeg trenger for min siste kunst. På dette tidspunktet lager jeg vanligvis en kopi av min kunst og lagrer den på et ubrukt lag. Dette er bare hvis jeg skruer noe opp senere. På den måten får jeg originalen jeg kan gå tilbake til. Vector forsikring hvis du vil.
Ved å bruke Pathfinder-paletten legger jeg til formen områder alt for å lage de endelige sammensatte banene jeg trenger.
Nå er det på tide å trene fargepaletten din og begynne å fargelegge fargen i kunstverket ditt. Jeg liker å ha alle mine figurer ferdigstilt og les for å farge heller enn å prøve å gjøre begge deler mens jeg går.
Jeg liker å starte med øynene de fleste ganger. Hovedsakelig fordi det er morsomt. I dette tilfellet kopierer jeg og limer litt øyekunst fra en annen illustrasjon og bestemte meg for å rive av meg selv og bruke den som grunnlag for å modellere min nye øye detalj for denne illustrasjonen.
Legg merke til den svarte skyggeformen jeg opprettet under øverste øyelokk. Jeg har nå valgt denne formen, så setter jeg blendmodus til Multiply og justerer også gjennomsiktigheten.
Jeg har nå ferdig med min basefarge. Tid til å lage min skyggelengde.
Jeg skriver ut min fargede versjon og begynner å tegne ut hvordan jeg vil ha mine skyggeformer som skal vises. Når du gjør dette må du vite hva lyskilden din for illustrasjonen din vil være. I dette tilfellet er det rett fram, så igjen kommer jeg bort med bare å trekke halvveis og vil vende den for å få den andre siden.
Dette viser min skygge tiff plassert i AI. Jeg legger den på et lag over min fargete kunst, sett den til Multiply, juster gjennomsiktigheten, og lås den deretter.
Som min base vektorkunst: Jeg bygger den ut, flip den, og få mine siste figurer.
Jeg har nå alle mine skyggevektorbaner bygget.
Jeg spilte med tettheten av skyggenfarge en stund før jeg satte på en fin balanse som var mørk nok til å kompensere seg for basekjøttfarge, men ikke for mørkt å konkurrere med de andre ansiktsdetaljer.
Mine skyggende former var hardt kantet. Men jeg vil ha høydepunktene mine til å være mykere og noe kontrast til mine skyggeområder, så jeg bestemte meg for å bruke den radiale gradienten og en sirkelform. Jeg bruker alltid globale farger fordi det gjør redigering langt raskere og enklere, så jeg foreslår at du kommer inn i den vanen også.
Dette viser hvor alle mine radiale gradienter er plassert. Jeg smelter dem bak skyggene og over huden med hensyn til det lagde hierarkiet i denne illustrasjonen. Hvis du ser på kildefilen, ser du hva jeg mener.
I tillegg til høydepunkter opprettet jeg også radiale gradienter for skyggeområder for å legge vekt på dybde og legge til nødvendig kontrast.
Kommer nærmere. Noen få mindre tweaks er likevel nødvendig. Det er på dette tidspunktet, jeg pleier å legge til side min kunst og deretter nærme den med friske øyne senere. Jeg pleier alltid å se områder jeg kan forbedre på.
En ting jeg legger merke til om mitt emne er hans hår. Du kan se hodebunnen gjennom håret på sidene av hodet. Så jeg bestemte meg for å etterligne det via en gradient.
Dette kan virke som en no brainer, men jeg måtte spille med vinkelen av graden for en stund før jeg fikk blandingen til å se bra ut.
Min kunst er nesten ferdig nå.
Du kan tro at dette er et halt i denne opplæringen. Jeg mener kom bare snakket om fem små ovaler rett? Vel det kan virke mindre viktig enn andre aspekter av denne illustrasjonen, men det er en av de viktigste.
Tenk på disse hotspots som kirsebær på sundae. Illustrasjonen ville ikke se forferdelig ut uten dem, men det ser så mye bedre ut med dem. Det er den fine, enkle etterbehandlingen som legger til mye.
Jeg ønsket å gjennomgå en nøkkelkomponent i dette prosjektet. Detaljering av kunsten via skyggelegging og høydepunkter gjør sluttkunst hva det er. Uten disse ville det være flatt og kjedelig. Dette bildet viser deg skyggeleggingen og høydepunktdetaljene minus bakgrunnsfargen som den blander seg inn i.
Det er en balanse mellom blandemodus og gjennomsiktighetsinnstillinger i hele. Pass på å peke rundt i kildefilen for å forstå dette til det er fulle. Legg også merke til lagdelingen av elementer.
Når hudfargen er integrert, meldes alt sammen pent. Jeg vet at noen kanskje tror Hvorfor ikke bruke gradientmaskeverktøyet? Fordi hvis du kan oppnå en effekt med enkle midler, så er det slik du burde gjøre det. Ikke over kompliser dine filer. Hold dem mager og slemme!
Det siste jeg gjør før du bruker illustrasjonen, er å legge til et fint tykt svart slag rundt kanten av kunsten. Jeg gjør dette bare på hudområdene fordi håret ikke trenger det. Sikker på at kunst ser bra ut uten det, men det er langt mer dramatisk med det. Mitt kunstverk er nå fullført, tid til å sette den til bruk.
Hvis jeg planlegger å bruke en illustrasjon i en kontekst, illustrerer jeg alltid kunstverket i sin egen fil. Når jeg er ferdig kopierer jeg og limer den inn i designfilen min. I dette tilfellet er det en plakatdesignoppsett. Min kunst er nå helt ferdig.
Illustrasjonen er en ferdighet. Jo mer du tegner jo bedre du får. Alle kan lære programvare, slik at du får de største forbedringene dine ved å finjustere din generelle kreative prosess, hvordan du nærmer deg et prosjekt, hvordan du arbeider gjennom det og utfører vektorkunst. Ta deg tid, forplikte deg til presisjon og ha det gøy!
Accentsconagua