Accentsconagua
Share
Tegning er en kompleks ferdighet. Du trenger å lære ting som manuell ferdighet, blyant teknikker, presisjon, perspektiv, gest, anatomi, lys og skygge ... Men selv når du er en mester i det hele, selv om bildet ditt har alle disse elementene på plass, kan det fortsatt vær noe galt med det. Denne unnvikende faktoren kalles sammensetning.
Dårlig sammensetning kan ødelegge virkningen av selv den mest polerte kunstverket. Men dette emnet blir ofte oversvømmet i tegningstimer, med bare noen få eksempler på gode og dårlige komposisjoner som presenteres, og gir alt til din intuisjon.
I denne artikkelen vil jeg gjerne ta en mer praktisk tilnærming til sammensetningen. Hva er det egentlig? Hva er det lagd av? Og mest av alt, hvordan kan du sørge for at komposisjonen din sprer seg ut før du plasserer din første linje, i stedet for å se den først etter at den er ferdig? Fortsett å lese og jeg svarer på disse spørsmålene for deg!
For å si det så enkelt som mulig, er sammensetning et arrangement av elementer som gjør at vi ser dem som en helhet. Alle kunstverk har noen sammensetning. Du lager enten bevisst eller ved et uhell, men du kan ikke lage en tegning uten den.
I en mer praktisk forstand er sammensetningen forholdet mellom elementene i bildet. Og dette forholdet, ikke elementene, er det første vi ser. Samtidig er det faktisk usynlig for oss. Det er som skjelettet til en levende vesen - du kan ikke se beinene, men de får kroppen til å se ut som den gjør. Uten skjelettet ville det ikke være noen form.
Skjelettet skaper skjemaet mens det er usynlig for oss.Likevel er det skjemaet vi ser, og hvis du prøver å tegne skjemaet, kan du ende opp med noe unaturlig. Du kan ved et uhell lage et skjema som ser riktig ut, men å være oppmerksom på påvirkning av skjelettet øker sjansene dine for å gjøre det.
Det er det samme med sammensetningen. Du kan prøve å gjette hvordan du plasserer elementene i bildet og ønsker det beste, men du kan også lære hva som gjør et kunstverk godt, og bruk denne kunnskapen til din fordel.
God sammensetning handler om balanse. For mye er like ille som for lite. Hvis tegningen din er en tallerken, er sammensetningen krydder. Uansett hvor mye tid du har brukt på kjøkkenet, kan ukorrekt brukt krydderur ødelegge arbeidet ditt. Men hva betyr "riktig"? Og hva er "krydder" av sammensetningen?
Siden sammensetningen er en relasjon, må det være minst to elementer for at dette skal skje. Det forholdet mellom dem kan være basert på mange faktorer, noe som gjør dette problemet så komplisert. La oss takle dem en etter en.
Selv om sammensetningen krever at minst to elementer skal forekomme, kan du ikke unngå å lage komposisjon ved å tegne ett element. Det vil alltid være en sammenheng mellom det ene elementet og ramme.
Med "ramme" mener jeg ikke bare de rikt dekorative rammene av tradisjonelle malerier. Rammen er grensen til kunstverket. Selv om du ikke bryr deg om det, er det opprettet en ramme av kantene på arket ditt, eller, hvis du tar et bilde av det, ved beskjæringen.
Med andre ord er en ramme en grense mellom hva som er en del av kunstverket, og hva som ikke er. Denne grensen blir en del av sammensetningen så snart du tegner noe i det - det er mini-universet i kunstverket ditt. Når du viser kunsten til noen, ser øynene på hele rammen som helhet, uansett hvor selve tegningen er.
1-art; 2-ikke-kunstverkHer kommer vi til spørsmålet om negativ plass. På bildet ser vi ikke bare hva som er tegnet, men også hva som ikke er. Området mellom tegningen og rammen er ikke "ingenting". Vi ser det, selv om det ikke ble opprettet bevisst. Og selv om vi ignorerer den delen, legger den fortsatt til betydningen av bildet og påvirker vår oppfatning av det.
Positiv plass vs negativ plass - Når du oppretter en, blir den andre opprettet automatiskHer er tegningen liten i forhold til resten av kunstområdet. Seeren vil se mye plass og karakteren. Faktisk er plassen stjernen til dette bildet! Hvis det er det du ville ha, er det ingenting galt med denne sammensetningen, det viser ubetydelig karakter, som kan være nyttig. Hvis det ikke var målet ditt, og du ønsket at karakteren skulle være stjernen, er dette en feil.
Her har vi motsatt situasjon. Tegnet tar nesten hele plassen, og resultatet er det blir verdensrommet. Tegnet her er faktisk et kunstverk - ikke et tegn på kunstverket. Dets detaljer blir tegnene i stedet.
Her ser tegnet ut som om det prøver å forlate kunstverket. Seeren får se mye tomt rom og et tegn som ikke er interessert i sin egen skjerm. Er det bra eller dårlig? Igjen er det et spørsmål om intensjon.
Hvordan kan du gjøre disse komposisjonene mer interessante? Tips: Det er ingen enkelt, korrekt løsning for hver.
Sammensetningen kan forklares hovedsakelig ved å vise sammenligningen mellom elementene. Kontrast er et mål på forskjellen mellom dem. Det er veldig viktig, fordi vi ser ved sammenligning - vi sammenligner hvitt rom med de mørke linjene for å se en tegning.
Kontrast gjør ting interessant, fordi det trekker vår oppmerksomhet. Det skiller to ting, slik at vi ser på dem individuelt. Bildene under har samme antall elementer, men den til høyre har høyere kontrast. Hvilken komposisjon ser mer interessant ut for deg?
Høy kontrast gjør at du raskt finner et element, noe som gir deg en plutselig interesse. Lav kontrast viser deg det samme sakte, med større innsats, noe som resulterer i en tonet ned reaksjon.Når du ser på et bilde, sammenligner du ulike elementer av elementene for å visuelt gruppere dem for en raskere reaksjon. Jo høyere kontrast er, desto lettere er det å lage en slik gruppering, og jo mer tilfredsstillende føles det. Det er mange egenskaper vi kan bruke til å måle kontrasten:
Vi kan bruke alle disse egenskapene til å skape kontrast i vår sammensetning. Det er imidlertid en fangst her. Kontrast trenger balanse til arbeid. For mange forskjellige ting blir en ting-kaos. For få blir en ting i orden. For å oppnå en naturlig effekt må du balansere kaos og orden.
1-kaos; 2-balanse; 3-ordreKontrast er så kraftig fordi den har en evolusjonær betydning - det får oss til å se hodet på et løve i et hav av gress, eller en enkelt rød frukt blant grønne blader. Det trekker oppmerksomheten til det som er viktig. Og det er slik du burde bruke den i komposisjonen din: å trekke oppmerksomhet til det som er viktig.
Selvfølgelig betyr dette at du må bestemme hva som er viktig, og hva er bare en bakgrunn. Etter dette handler det bare om å gi dem motsatte egenskaper. Det er ikke nødvendig å bruke dem alle, eller å gjøre dem alle motsatte. Det er alt et spørsmål om stilistisk valgrealisme, ikke som overdrivelse, men tegneseriestiler trives på det.
Chibi-stil bruker kontrasten mellom en liten kropp og et stort hode for å få karakteren til å se like søt ut som en baby.Hver av disse gjenstandene ville være kjedelig hvis de ble plassert separat. Sammen skaper de en relasjon, og det er det vi ser - ikke to objekter, men en følelse av skala.
Her blir følelsen av skalaen tapt. For mye kontrast resulterer i kaos, og skaper et rotete mønster i stedet for en scene.
Men kaos kan være en god bakgrunn for et viktig element vi vil vise! Hvis det bare er forskjellig fra kaoset, vil det bli sett på som det første, noe som gjør bakgrunnen ubetydelig.
Hvilke av disse sammensetningene er interessante, og hvilke er ikke? Hvorfor?
Vi sier ofte at sammensetning handler om arrangementet av elementene - deres posisjon mot hverandre. Men er det riktige og uriktige ordninger? Ikke akkurat, men det er en ting sikkert - visse ordninger har en mening for oss.
Rytme er en visuell snarvei som vår hjerne tar. Hvis noen elementer følger en rytme, trenger vi ikke å se på dem alle en etter en. En rekke gjerder skinner er et gjerde, en "sky" av blader er en trekrone osv. Men vi tar også subtilere hint, skille naturlige gjenstander ("som de burde være") fra unaturlige seg ("som noen gjorde dem").
Rytme skaper en annen form for kontrast. På dette bildet trekker den lille blomsten vår oppmerksomhet ikke bare fordi den er liten i forhold til de store, men fordi den bryter rytmen. Det blir "en rekke blomster" til "en liten blomst mellom de store".
Men det er ikke bare et spørsmål om kontrast. Rytme får oss til å se noe som ikke var virkelig trukket. En rekke steiner betyr at noen setter dem på denne måten. En "sky" av blader på et tre betyr at de tilhører samme plante. Elementer som går i samme retning betyr at de er drevet av samme kraft (det være seg vind eller frykt).
Dette gir ytterligere informasjon til bildet. Og denne informasjonen bør ikke være tilfeldig, fordi den legger til virkningen av sammensetningen. Bare se: En enkel tegning tema "svømming fisk" kan bli omgjort til "går mot tidevannet" bare ved å bryte rytmen.
Rytme (eller ødelegge den) bør ikke være tilfeldig. Det betyr noe - ikke la den meningen stå i vei for den tilsiktede meldingen.Den ødelagte rytmen til et ødelagt gjerde trekker øyeblikkelig vår oppmerksomhet. Hva skjedde? Var det en flok gale kyr, eller bare en drunken bonde på en traktor? En historie utfolder seg bare ved å bryte rytmen.
Denne sammensetning handler om bestillingen. Det er størrelseskontrast her, så det er interessant, men vi ser også noe mer her: det er 100% menneskeskapt og kontrollert. Alt går til kaos, men her holder noen stopp for denne trenden.
Her er en lignende situasjon, med trærne som plantes av mennesker. Denne sammensetningen er enkel, men det er litt skjønnhet i denne forutsigbare rytmen.
Hva forteller disse komposisjonene deg?
Tegningen din er ikke bare et sett med tilfeldige linjer. De skal bety noe, men selv den mest fantastiske meldingen vil bli forstyrret når de leses feil - for eksempel når de leses fra slutten.
Sammensetning kan brukes til å lede seeren for å se nøyaktig hva vi vil at de skal se, i nøyaktig den rekkefølgen vi valgte å være mest effektive for at meldingen skal forstås. Hvis du ignorerer dette, kan seeren få et helt feil første inntrykk, gi opp på kunstverket før du forstår sin virkelige betydning.
Når vi ser på et bilde, søker vi først etter ting å se på. Ordren med å se er viktig, for selv om det tar millisekunder å se alt i naturen, kan en millisekund være et spørsmål om liv og død. Vi vil sørge for at vi først ser de viktigste elementene.
Når du planlegger en sammensetning, må du bestemme hva disse "viktigste elementene" er. Deretter kan du bruke kontrast for å få dem til å skille seg ut og rytme for å skape en bane for betrakteren til å se på dem i en bestemt rekkefølge.
La oss se på det forrige eksemplet igjen. Alle linjene fører oss til sentrum. Du ser der før du ser veien eller trærne. Uansett hva du setter der, blir det lagt merke til først.
Her er det mer subtilt, fordi rytmene er alle innenfor dyrets kropp. Øynene dine glir langs det uten noe poeng å stoppe. Dette legger til bevegelsesbeviset.
Her gjør kontrast at du ser på den store figuren først. Deretter søker du etter fullstendig informasjon, ser du akkurat hvor de ser ut.
Hva ser du først når du ser på disse eksemplene? Hvordan beveger øynene dine seg? Hvorfor?
Nå vet du hva sammensetningen er og hvordan man finner feil i den. Men det hjelper ikke hvis du er ferdig med en tegning, og bare da oppdager du at du har lagt ut for mye negativt mellomrom, eller rytmen har gjort landskapet ditt skikkelig menneskeskapt. Derfor må du tenke på komposisjon før du legger din første linje.
Men hvordan kan du gjøre det, hvis du ikke er sikker på hva du tegner ennå? Planer pleier å gjøre alt stivt og kjedelig, og spontanitet kan ikke planlegges i det hele tatt. La oss se hvordan du løser det.
Du trenger ikke å lage en ferdig tegning for å bedømme sammensetningen. Legg merke til at jeg egentlig ikke nevnte detaljer i teorien. Det er fordi de ikke har betydning i sammensetningen. De er sett på som det siste i bildet, lenge etter at vi forstår hva vi ser på.
Derfor trenger du ikke å fullføre en tegning for å se hvilken innvirkning den skaper. Du trenger bare å se rammen, kontrast, rytme og fokuspunkter. Og dette er noe du kan skisse ganske fort for å se hvordan elementene fungerer sammen!
Vi kaller denne metoden miniatyr tegning. En miniatyrbilde er en miniatyrversjon av et kunstverk som du ofte ser før du åpner den opprinnelige versjonen. Du kan ikke se noen detaljer i miniatyrbildet, men du ser alt som er viktigst for bildet.
En miniatyrbilde forteller deg hva bildet handler om, uten å fortelle deg noe. Bilde fra Hvordan lage en Cute Baby Dragon Photo Manipulation i Adobe PhotoshopFor å lage miniatyrbilder må du først tegne et sett med rammer som er miniatyrversjoner av den tiltenkte rammen (for eksempel små rektangler med proporsjonene av arket ditt). Skiss deretter en veldig generell versjon av tegningen din. Enkle former, enkle silhuetter, enkel skygge - dette er alt du trenger for å se om sammensetningen fungerer som du ville. Du kan også eksperimentere fritt uten å kaste bort tid.
Miniatyrskisser trenger ikke å være rene, så ikke bruke for mye tid på hver; bare skisser ideen din og døm dem alle senere.Du kan lære mer om miniatyr tegning her:
Det er vanskelig å holde riktig proporsjoner og avstander når du tegner i et stort format. For å sørge for at du oppretter din sammensetning som ønsket, tegner du bare de grunnleggende elementene først.
Slik gjør du det: se på arket og avgjør hvor den ytre grensen til tegningen vil være. Skiss det veldig, veldig lett. Skisser deretter kantene på elementene inne i det, fortsatt veldig lett. Du bør ende opp med en "spøkelse" tegning - noe så subtil at det er nesten usynlig, men det bør være nok å se om komposisjonen er satt opp riktig.
Disse linjene trenger ikke å ha noe med anatomi - det handler om de generelle figurene du vil se som det første når bildet er ferdigDu har sikkert allerede hørt om det, men jeg kan ikke hoppe over denne regelen i en artikkel om sammensetning. Det er mange regler du kan bruke i dette emnet, men jeg tror regelen av tredjedeler er den mest enkle og universelle av dem.
For å bruke regelen, del (fysisk eller mentalt) bildet ditt inn i tre horisontale deler og tre vertikale deler. Krysspunktene i linjene er ifølge regelen naturlige kontaktpunkt for våre øyne. Sett de viktigste elementene der - elementene du vil at folk skal se på først.
Det er enda bedre hvis elementene egentlig er nær disse punktene, ikke akkurat i dem. En klype uforutsigbarhet gjør det mer interessant.Denne regelen forteller også hvilke komposisjoner som skal unngås. For eksempel er bruk av "en halvregel" ganske intuitiv, men sammensetningene er uinteressant i beste grad og visuelt forvirrende i verste fall.
Den samme sammensetningen kan enkelt forbedres bare ved å flytte fokuspunktene litt til siden / opp / ned.Bokomslag bruker ofte regelen av tredjedeler til deres fordel. Du kan lære hvordan du lager dem nedenfor fra våre opplæringsprogrammer:
Det er mange faktorer som påvirker sammensetningen. Hvordan kan du klare dem alle? Du kan bruke metaforiske skalaer til å veie dem.
Det er tre hovedvekttyper i komposisjon: negativ plass, positiv plass og fokuspunkter. Positiv plass er selve tegningen. Negativ plass er området utenfor tegningen (det trenger ikke å være tomt plass - det kan bare være himmelen). Fokuspunkter er de delene du vil at folk skal se på.
En interessant sammensetning er basert på balansen mellom disse vekter. Denne balansen har også mange nyanser, alt basert på elementene i kontrast. I "lineær" tegning bryr du deg mest om størrelsen. Hvis du bruker nyanser, vil skygge bli enda viktigere.
La oss se hvordan du skal administrere den. Her har vi ett element plassert i et fokuspunkt beskrevet av tredjedelsregel. Sammensetningen er ubalansert, fordi dette er bare ett lite element versus stort tomt rom. Positiv plass og fokuspunktet er det samme her.
Hvis du legger til et annet lignende element i noen av de andre kontaktpunktene, løser du ikke situasjonen, fordi den låser betrakteren i det sentrale området som beskrives av fokuspunktene. Derfor er en kjedelig sentral komposisjon opprettet.
For å balansere ut det negative rommet, er det best å gjøre det litt mindre negativt. Separat negativ og positiv plass et sted nær fokuspunktene i tredjedelsregelen.
Når positiv plass oppveier negativ plass, kan negativt mellomrom bli et fokuspunkt.
Ethvert element i kontrast kan brukes til å balansere sammensetningen. Faktisk handler hele saldoen om å oppnå en riktig mengde kontrast. For å gjøre det mer intuitivt, tenk på en innstilling med lav kontrast som bakgrunn, og legg til noe kontrasterende for å gjøre komposisjonen fullført.
Her er balanse opprettet ved å bryte rytmen.Sammensetning handler om relasjon av elementene, men det er et element utover rammen - betrakteren. Hvis du inkluderer dem i komposisjonen, vil du oppnå et annet, dypere forhold.
Når betrakteren ser på et bilde, kan de se seg selv være der - de trenger bare noen tips fra deg for å finne sin posisjon. Perspektiv kan hjelpe deg her. Trikset er å plassere noe nær "kameraet" for å fremheve sin posisjon.
Jo nærmere noe er for oss, jo større er det. Så hvis i komposisjonen din er en stor versjon av noe som normalt er normalt, betyr det at det er nært til seeren. Alt annet er langt fra dem, noe som gir en dybdefølelse.
Perspektivet kan også forbedre en sammensetning dersom du inkluderer en slags skalaindikator. Den klareste er en menneskelig silhuett, men du kan også bruke dyr eller trær til dette formålet. Hvis du gjør det riktig, blir skalaen et element i sammensetningen din.
Selv når du vet alt om komposisjon, er det lett å miste følelsen av det etter flere timer med å jobbe på samme kunstverk. Du begynner bare å se den som "noe jeg har sett før", og det gjør du ikke føle det som noen ser det for første gang.
For å få mer avstand og en ny visning, må du endre ditt perspektiv fra tid til annen for å tvinge hjernen til å justere. I digital kunst er den enkleste måten å vende bildet horisontalt. I tradisjonell kunst kan du rotere arket eller bruke et speil. Gjør det ofte for å holde visningen fersk.
En vendt utsikt blir en ny sammensetning for at hjernen din skal trene.Når du er ferdig med bildet, hvis det fortsatt er noe galt, er det en siste ting du kan gjøre. Ved å endre rammen - dens størrelse eller proporsjoner - kan du tilpasse fokuspunktene og forbedre sammensetningen sterkt.
I digital kunst kan du alltid bruke en slags beskjæringsverktøy. I tradisjonell kunst kan du enten bruke en verktøykniv, gjøre riktig beskjæring når du tar et bilde av kunstverket, eller bruk en ramme som vil legge til noe negativt mellomrom, dekker de delene du ikke vil se.
Det samme bildet kan ha forskjellige betydninger avhengig av beskjæringen du bruker.Teori er teori, men til slutt må all den kunnskapen bli en del av din intuisjon - noe du kan bruke uten å tenke. For å utvide din intuisjon, legg til ett steg til din forståelse av et kunstverk. Prøv å forstå hvorfor det ser så bra ut, finn elementene i sammensetningen, og prøv å gjette hvilken beslutning kunstneren må ha gjort.
Intuisjon kan også utvides bare ved å bli utsatt for god kunst. På denne måten sammenligner du komposisjonene dine med alle disse du har sett, uten å være klar over at du gjør det. Det er imidlertid best å kombinere intuisjon med kunnskap.
Etter å ha forklart alle disse reglene til deg, må jeg legge til det viktigste: i kunst er det ingen regler. Vi liker bestemte bilder, bestemte komposisjoner, og vi vet ikke alltid hvorfor. Kunstnere prøver å lage noen tommelfingerregler som vil være nyttige mesteparten av tiden, men til slutt kan du tegne et fantastisk kunstverk bare ved å bryte dem alle.
Du kan bruke kompositionsreglene for å finne ut hva som er galt med bildet ditt, men de vil ikke fortelle deg nøyaktig hvordan du gjør det riktig. Eksperiment, hold øynene åpne og skape med hjertet ditt. Ikke vær redd for å gjøre feil - du kan også lære av dem!
