Share
En av de største tingene med musikk er det evne til å uttrykke følelser og ideer på en helt immateriell måte. Musikk kan formidle ideer så forskjellig som vann, vår, maskiner, melankoli og utroskap. Når du bare har begynt som komponist eller låtskriver, kan det være en skremmende og overveldende oppgave å bruke instrumental musikk til å uttrykke bestemte ideer..
Formålet med denne opplæringen er å presentere en trinnvis prosess du kan bruke til å formidle en ikke-musikalsk ide i musikalske termer. Det er ikke den eneste tilnærmingen, og ofte er ren intuisjon den beste måten å gå, men det er en logisk og enkel måte for en begynnende komponist eller låtskriver å komme i gang.
Jeg begynner med å diskutere grunnleggende ideen om programmusikk, og deretter gå videre til trinn-for-trinn-prosessen, etterfulgt av noen få eksempler på å sette prosessen i bruk.
Når du bruker musikk for å forsøke å formidle en ikke-musikalsk ide, skriver du i hovedsak hva som kalles "Programmusikk". I svært generaliserte termer har komponister en tendens til å bryte musikk inn i de to kategoriene Absolutt musikk og programmusikk.
Absolutt musikk refererer til musikk for egen skyld, for eksempel en Brahms 'Symphony nr. 4 i Em eller Rachmaninoffs klaverkonsert nr. 2. Du skal nyte og sette pris på musikken for det er smart utvikling av motiver, spennende harmonier, virtuosisk ytelse , blant annet kvaliteter. Absolutt musikk eksisterer for musikken alene, og eventuelle foreninger du lager med andre ideer, er rent av din egen og gjøres ikke direkte av komponisten.
Programmusikk, derimot, er ment å uttrykke en ide utenfor musikken selv. Selv om det har eksistert så lenge musikk selv, ble programmusikken spesielt populær i den romantiske tiden og er fortsatt svært populær i dag. Mange tror ikke engang at et stykke musikk kan være strengt "absolutt", og at hver sammensetning uttrykker noe. Med programmusikk har komponisten en bestemt ide i tankene om hvilke eksterne foreninger lytteren skal gjøre med musikken.
Den mest vanlige form for instrumentell musikk i dag er filmmusikk, der musikken er ment å uttrykke følelser, motivasjoner, tegn, innstillinger, tidsperioder eller andre ideer som knyttet til en bestemt scene i en film. En rask takt og kjørerytme kan tyde på spenningen og energien til en jakten, eller en svulmende fiolin løp kan uttrykke en utbrudd av lidenskap.
Du trenger ikke å være en filmkomponist som ønsker å uttrykke en ide musikalsk. Hvis du har skrevet en sang med triste tekster, vil det virke ganske logisk at du vil at musikken skal føle deg trist også (med mindre du er målrettet kontrarisk eller ironisk). Å forstå hvordan du får mer uttrykksfull mening ut av musikken, kan gi en helt ny dimensjon til tekstene dine.
Det første trinnet er selvfølgelig å bestemme hva du vil formidle. Hvis du scorer en scene i en film, vil dette sannsynligvis bli bestemt for deg ved handlingen på skjermen, men det er også opp til deg å bestemme hva slags snurr for å ta på dramaet. Hvis scenen er trist, er det en tristhet basert på tap eller avvisning? Å være så spesifikk som mulig fra begynnelsen om meldingen du vil ha i musikken din er viktig. Det vil gjøre resten av prosessen mye enklere enn bare å gå i blind og håpe på det beste.
Når du har definert hva du vil si, er det på tide å finne ut hvordan du sier det. Vi gjør det ved å bryte musikken ned i byggeklossene.
Som hjerteslag av musikken din er rytmen det første elementet vi skal etablere. Vi kan bryte rytmen ned enda lenger inn i tempo, meter og spor.
Tempoet på et stykke er en avgjørende faktor i hvor spennende det er. Et raskt pumpe tempo er som en rask pumpe hjerterytme; Den er full av adrenalin og spenning. Rask tempo er vanligvis egnet for handling, for eksempel en jage scene, eller når noe er lykkelig og morsomt. Omvendt er et sakte tempo mer avslappet og er forbundet med enten mer lidenskapelige følelser av romantikk eller sorg, eller mindre visse følelser av spenning og frykt.
Manglende tempo er en like effektiv enhet, da det fører til en følelse av tvetydighet og usikkerhet. Et helt gratis tempo passer best til følelser som enten er frie og flytende, eller på kant og uforutsigbar.
Meter bidrar til vår følelse av et stykke både av den faktiske følelsen, men også av tidligere foreninger. En opptatt 6/8 meter kan få oss til å tenke på irske jigs, og derfor piratmusikk. Tuplet meter som 3/4 brukes ofte til flygende scener fordi de har en følelse av sprett og løft (vurder poengene fra "Up" eller "Around the World in 80 Days"). 4/4 er en mer enkel og vanlig.
Ulike meter som 5/8 eller 7/4 brukes ofte til action scener når du skal føle spenningen om uforutsigbarhet.
Når du velger en måler, er det en god ide å vurdere hvilke tidligere foreninger publikum kan ha ubevisst. Det er greit hvis ditt stykke i 3/4 har en følelse av Wiener Waltz til det, men bare hvis du er bevisst klar over det.
I likhet med meter kommer sporet eller slaget av stykket med byrden av tidligere foreninger. Visse rytmer kan føle seg veldig "danslignende" selv når det ikke er det du skal til. Et overskudd av synkoperinger kan gjøre at musikken din føles som funk eller jazz, eller ved å inkludere en klokke ved et uhell, kan det hende at musikken din er en latinsk stil.
Å bruke en bestemt type rytme eller spor kan være et svært verdifullt verktøy når du prøver å etablere en bestemt innstilling eller tidsperiode. Som vi har sagt med de andre elementene, vær bare oppmerksom på hvilke foreninger beat du bruker, foreslår.
Så du har valgt et tempo og har en generell ide om hvordan pulsen vil føles. Neste ser vi på harmonien.
Med dette i tankene, er vårt neste skritt i å bestemme hvordan du formidler dine ideer, å vurdere harmonien vi vil bruke. For å holde ting enkelt vil vi holde oss til tradisjonell tonal harmoni og ikke komme inn i atonalitet, kromatisme, osv.
Selv ikke-musikere synes å vite at "en stor akkord er glad" og "en mindre akkord er trist". Men vi vet at det blir mye mer nyansert og komplekst enn det. Enhver akkord som går til en annen akkord har en unik lyd og følelsesmessig vekt på den. Hver akkordbytting har en varierende grad av statisk bevegelse, løft eller depresjon.
Vurder følgende fremgang, C F G C:
Ganske stabilt, ikke sant? Alle akkordene er store, men ingen av dem føles nødvendigvis forskjellige eller mer følelsesladet enn noen annen. Men hva med denne, igjen alle store akkorder C F G A:
Denne gangen føles akkordet A veldig lyst og oppløftende. Det er et interessant fenomen der store akkorder som lånes fra utenfor nøkkelen, føles mer "store". Samtidig føles mindre akkorder som er tatt fra utsiden av nøkkelen mer "mindre".
For å høre effekten av ikke-diatoniske mindre akkorder, vurder dette eksempelet C Em F:
Hvis vi bytter F til Fm, får vi en effekt langt mer dramatisk enn du kanskje forventet ved å endre en enkelt tonehøyde. C Em Fm:
Fm høres noe mye mer "mindre" enn Em fordi det ikke er fra nøkkelen til C.
Det første stedet å starte er med det som kommer naturlig. En positiv følelse vil sannsynligvis være riktig formidlet med en hovednøkkel, en negativ med en mindre nøkkel. Med denne grunnleggende beslutningen ut av veien kan du da bli mer interessant. Jeg har funnet ut at den beste måten å gjøre dette på er å spille forskjellige akkordprogresjoner og ta notater om hvordan de føler. I eksemplet nedenfor går jeg inn i mer
detalj om dette.
Neste på linjen er melodien, som utgjør mye av "karakteren" av musikken din. En melodi kan være lang vind og sørg, eller lys og peppy. Ved å gå i den spesifikke rekkefølgen av disse trinnene, vil mange karakteristikker av melodien din bli bestemt ut fra de rytmiske og harmoniske ideene du allerede har etablert.
De viktigste hensynene til melodi er hvordan rytmisk aktiv det er og hva slags rekkevidde det dekker. Generelt har melodier som dekker et bredt spekter og har mange store sprang en tendens til å føle seg mer lidenskapelig, mens melodier med mindre områder og mer trinnvis bevegelse har en mer reservert og målrettet følelse.
Et viktig hensyn er å registrere, eller hvor høy eller lav melodien din er. Svært lave melodier som spilles av bassonger eller basser, kan ofte ha en sløv og treg følelse, mens ekstremt høye melodier kan være skarpe og tynne. Instrumentasjonen vil påvirke dette sterkt, men det er viktig å være oppmerksom på effekten et annet register kan ha på følelsen og intensiteten av linjene dine.
Tenk på denne korte setningen for piano, som bruker nøyaktig samme rytme, harmoni og melodi, men spilles i et annet register av piano:
Lav:
Høy:
Den høyere versjonen av melodien føles søt og uskyldig mens den nedre versjonen er mye mer vanlig.
Vår siste vurdering er orkestrasjonen, eller hvilke instrumenter du skal bruke. Timbre er du bruker til å uttrykke dine ideer er ekstremt viktig fra et intensitetspunkt og enda en gang i området utenforforeninger.
Elektriske gitarer, for eksempel, har en tendens til å foreslå ungdom eller maskulinitet. En harmonika har implikasjoner av blues eller amerikansk sør, og så videre.
Intensitet av timbre er også et viktig hensyn. Her er en enkel demonstrasjon av hvordan de samme eksakte notatene kan ha en helt annen holdning. Vi har samme akkord, samme avstand, med tre forskjellige lyder. Messing, strenger og en glatt pute:
Alle andre elementer er like, forskjellen i timbre har en massiv effekt på akkordens innstilling.
Dette eksemplet kommer fra en cue jeg nylig skrev for en spillefilm. Scenen er en tenåringsgutt som bekjenner at han ved et uhell drepte noen. Han er plaget av sorg og anger.
Trinn 1 er å finne ut hva jeg prøver å si. Jeg vil formidle en følelse av sorg og sorg, som hans sjel gråter ut for forløsning. Trinn for trinn vil jeg vurdere rytme, harmoni, melodi og orkestrasjon.
Rytmen skal være langsom og lengsel. Det er ikke noe spennende om sorg, det er mektig og smertefullt. Etter å ha spilt med metronomen en stund har jeg avgjort på den ekstremt sakte 42bpm.
Jeg har også bestemt at en enkel 4/4 er veien å gå. For å skape en følelse av lengsel, kan jeg bruke en og annen merkelig målerbar for å legge til ekstra lengde, i hovedsak å skape et fermata-hold, men generelt er det bare å plugge seg frem på 4/4 fordi det ikke er behov for å bli fancy.
Neste kommer harmonien, som i dette tilfellet vil være en av de mest avgjørende faktorene i å forme brikken.
Jeg vil at stykket skal være trist, så det er fornuftig å starte med en mindre nøkkel. Jeg valgte vilkårlig G-nøkkelen, bare fordi det var der fingrene landet på piano først, og det føltes bra. Selv om du til slutt vil utvikle en unik følelse for hver nøkkel, kan de alle vurderes på rimelig like grunnlag på dette stadiet.
Så starter på en Gm-akkord, min neste bekymring er å finne et akkord som kommer etter og føler seg trist. Etter at noen hadde spilt rundt, fant jeg at jeg liker at bassen går fra en G ned til F. Dette hele trinnet har en fin deprimert følelse uten å være for mørk eller vridd.
Med det i tankene kan vi prøve noen forskjellige akkordendringer som går fra Gm til en akkord med F som akkordton.
Gm til F:
Gm til FM:
Gm til Dm / F:
Gm til Db / F:
Gm til Bb / F:
Gm til Bbm / F:
Ved å spille gjennom hverandre kan jeg se hvordan jeg føler om dem. Jeg synes det er ganske tydelig at å gå til noen av de store akkorderne (F, Db eller Bb) er feil måte å formidle tristhet på. Dette gir oss tre valg for de mindre akkordene.
Gm til Fm føles for middelalder, Gm til Dm / F føles ganske bra, mens Gm til Bbm / F er for skummelt. Gm til Dm / F det er. Det er trist og fortryllende uten å være for mystisk.
Gm til Dm / F:
Nå som jeg har kommet opp med en "trist" progresjon, liker jeg, jeg vil legge til en annen til mitt arsenal som er mer mørkt og vondt. Husk at dette handler om drap!
Etter samme tankegang som før, liker jeg måten G opp til Ab føler i basen. Det er kontrast til den forrige prosessen, men også mye skarpere.
Her er alternativene, ved å bruke Ab som en akkordton i triader:
Gm til Ab:
Gm til Abm:
Gm til E / G #:
Gm til Fm / Ab:
Gm til Db / Ab:
Gm til Dbm / Ab:
Akkurat som før er det å gå til en stor akkord den feilstilte tilnærmingen, så jeg vil avvise dem helt. Gm til Abm er veldig mystisk, Gm til Fm føles bra, men virker lik den "triste" progresjonen, og Gm til Db føler seg veldig sci-fi. Selv om det er uvanlig høres, er Gm til Abm min favoritt av de tre for denne forekomsten.
Gm til Abm:
Disse to enkle akkordprogresjonene er nok for meg å gå videre til neste stadium.
Melodien for dette stykket skal bestå av for det meste langsomt lange notater. Det er mer en stønnlinje enn en sanglinje, så jeg antar at det er relativt enkelt.
Fordi vi allerede har bestemt harmonien, vil melodien i utgangspunktet passe på toppen av dette. Counterpoint purister dekker ørene dine, men jeg skal etterligne G til Ab-ideen i melodien, la G gni over Abm-akkordet for litt spenning. Merk F 16 notatet legger til en variant til G til Abm ideen, noe som gjør det litt mer interessant enn hva vi har basen.
Jeg vil da bruke vanlig tone D over Gm til Dm / F-progresjon for en reservert tristhet.
Dette blir grunnleggende ideen til melodien, som jeg skal utvikle når jeg utvikler resten av brikken.
Den grunnleggende harmonien vil bli dekket av strenge som spiller i deres nedre register, fordi for meg det er en veldig rik, myk og tragisk lyd. Jeg vil også legge til en jevn organlignende pute til lyden for å gi den den følelsen av kirkeaktig sorg. Også bare for å legge til interesse og bevegelse vil jeg legge til en arpeggiated linje i violaene, doblet med harpe for å få den ut, og en enkel rytmisk puls i vibene. Jeg valgte harpe og vibraphone fordi de er myke farger som blander seg lett med strengene, men har også en forkjølelse til timbre.
Få instrumenter er så lidenskapelige og sørgede som den menneskelige stemme, så jeg går rett for jugularen på denne og bruker en kvinnelig vokal. Jeg vil doble henne på fiolinene for å legge litt støtte til linjen.
Jeg har bare kommet opp med fire barer med materiale, men jeg har klart å finne den "lyden" jeg leter etter: sorgfull med et angrep for å begå drap.
Herfra kan jeg fortsette å fullføre komposisjonen.
Jeg vil ikke gå inn i detaljene for å skrive innledningen, men bare fokusere på to andre viktige øyeblikk i stykket. Halvveis gjennom hans bekjennelse bryter vår karakter ned på hans dypeste sorg, og vi kan bruke noen få triks for å gjøre dette mer emosjonelt. Jeg vil gjerne ta den grunnleggende ideen vi har brukt, og så starte den inn i et mer lidenskapelig sted. Deretter vil jeg etter bare noen få barer slappe av og legge til et snev av skuffelse når scenen kommer til slutt.
Rhythmically jeg synes det er fornuftig for stykket å holde seg konsistent, så jeg skal ikke gjøre noen drastiske endringer der. Det samme gjelder for orkestrering, jeg skal holde den i samsvar med instrumentene vi har brukt så langt.
Harmonisk har vi så langt vært flytende frem og tilbake mellom Gm og et "slags" dominerende territorium med det som kunne argumenteres som fancy variasjoner på D7 og Dm. Hvor vi ennå ikke har ventet, er underdominanten, i dette tilfellet Cm, så å gå det ville ikke bare være en ny lyd, men også føle at vi flytter et nytt sted.
Etter at vi har kommet inn i det "nye" underdomineringsområdet, er den neste tingen å sette opp skuffelsen, og den beste måten å oppnå dette på er å etablere en forventning og da tåle den. Dette er en teknikk jeg stjal fra Wagner (og du burde også!) Der du bruker en vanlig akkordprogresjon, slik at folk kan forvente en bestemt akkord og deretter gi dem en villedende kadence i stedet for å holde dramaet fremover og til Aldri appease lytterens tilfredshet.
I dette tilfellet bruker jeg fremdriften Cm / Eb Gm / D D7. Dette er egentlig en veldig typisk iv-V7-i-progresjon.
Cm / Eb D7 Gm:
Gm / D-D7 gjør jeg akkordet, Gm, føles enda mer uunngåelig.
Cm / Eb Gm / D D7 Gm:
Men i dette tilfellet vil jeg formidle skuffelse og tap. Vi gjør det ved å sette opp lytterens forventning og deretter ta den bort. I denne køen i stedet for å gå til Gm, går jeg til den veldig mørke og trist D redusert.
Cm / Eb Gm / D D7 Dº:
Nå har vi vår harmoni dekket. Vi satte opp en større følelsesmessig innflytelse i Cm og la skuffelsen til slutt. Nå må vi gjøre det samme med melodien.
Rett på vår tur til Cm, vår lidenskapelige økning, er når vi skal lage et oktavprang. Så langt har vår melodi ikke flyttet seg over en tredjedel, så en oktav vil føle seg veldig ekspansiv. I tillegg vil det bli et rikere register i stemmen. Og for å legge enda mer til spenningen, hopper vi opp i en D, som er den 9. av Cm-akkordet, før vi går ned i akkordtonen C. Denne appoggiatura skaper et enda mer lidenskapelig øyeblikk enn å bare hoppe opp til en C.
Resten av melodien kommer ned ned trinnvis som vi overgi roligt inn i skuffelse.
Her har vi det endelige stykket fra begynnelse til slutt:
Hvis du er ny på komposisjon, kan det virke som om det skjer mye her, men følg det gjennom hvert trinn, og du vil begynne å se at alt kan brytes ned i veldig enkle ideer. Ved å sørge for at hvert element i musikken forblir sant for visjonen din (rytme, harmoni, melodi, orkestrasjon), kan du være trygg på at musikken uttrykker ideen du prøver å formidle.
Accentsconagua