Slik oppretter og vedlikeholder du en lydpalett

Har du noen gang lyttet til hvert enkelt spor i en blanding og tenkt, "Hei, de høres utrolige!" bare for å lytte til hele blandingen og gå "eww?"? Vel mine venner, det er vanligvis resultatet av ingen sammenheng i blandingen din.

Akkurat som fargene i et maleri må en blanding strømme på en måte som gir mening for den sangen. Da Vinci, Monet og Warhol malerier er alle mesterverk i sin egen rett, men å blande deres stiler vil mest sannsynlig gjøre noe mindre enn ønskelig. Det samme kan sies for en blanding der trommene, gitarene, basen, vokalen, etc. alle høres bra ut på egenhånd, men ikke gir mening sammen.

For at en blanding skal lyde bra, må det være en palett med lydfarger som alle jobber sammen for å skape et sluttmesterverk. I denne opplæringen lærer du teknikkene for å skape og male ditt eget soniske mesterverk fra mikrofonvalg til mastering. hele tiden opprettholder kohærensen i blandingen. Hvis du er klar, skyv opp faderen din og la malingen!

Velg dine farger: Pre-Production

Det aller første skrittet i å skape en sammenhengende blanding er å bestemme hva den endelige mixen til og med skal høres ut som. Hvis du ikke har en klar retning av hva du vil at den endelige miksen skal høres ut, så kan du også male i mørket! Dette er vanligvis den vanskeligste prosessen, da det vil definere lyden av et helt album i mange tilfeller, så det må være riktig.

Ofte kommer ord som varm eller kul til å tenke på mange mennesker, men disse er vage termer som har mange forskjellige betydninger avhengig av hvem du spør. Ingeniørens definisjon av varme kan være helt forskjellig fra musikerne, og begge kan være forskjellige fra produsentens mening. Her er en liste over ord du bør sannsynligvis unngå hvis mulig?

Varm: Langt den mest mishandlede og hatet ord for enhver ingeniør å høre. Den er over brukt og vag utelatt. Ikke bruk den!
Cool: Som sin bror varm, er Cool et ondt ord. Noen synes kul, skal høres mildt og mørkt, som lett kan være en andres definisjon av varme. Ser enda et problem?
Mørk: Ja Jeg brukte ordet mørkt for å beskrive kult, så du bør allerede se et problem her. Mørk for noen betyr mindre høye frekvenser, mens andre kanskje virkelig tenker noe tungt lydende (tenk Metal musikk).
Lys: Ironisk nok er det vanligvis ikke for mye feil med ordet lyse som de fleste vil ta det til å bety høyere høye frekvenser, men andre kan lett ta det som fravær av lavere frekvenser.
Varmt: Like ille som ordet varmt. Hold deg unna!

Mens det kan være mange andre onde ord, er disse de som du finner mest. I stedet for å tenke på disse vilkårene, la meg stille deg noen andre ord som kan gi en bedre følelsesretning når du bestemmer lydfarge. Se hva du synes om disse?

Klarhet eller definisjon: Når du tenker på noe klart, kan du se rett gjennom det og se hva som står bak det. Noe som er definert har et veldig tydelig punkt på det; ingen spørsmål må bli spurt. I musikk kan dette betraktes som en blanding som gir hvert instrument sitt eget sted. Sparken og basen arbeider lykkelig sammen, gitaren kommer ikke i veien for vokalen osv. I tillegg vil du ofte høre transientene (angrep) på et instrument og blir ikke igjen lurer på hvorfor akkordet endret seg magisk for tilsynelatende ingen grunn (sen 90 og tidlig 2000-tallet pop alt rockmusikk er beryktet for dette).
Åpenhet: Bare fordi noe er klart betyr det ikke at det må være åpent. Når et musikkstykke er åpent, har det mye plass for alle sporene å puste og bli hørt. Jazz eller klassisk musikk er ofte et godt eksempel på åpen musikk, men kan ikke være kirurgisk klar som et moderne punk- eller metallalbum. I klar musikk vil du vanligvis høre rommiljøet litt (eller kunstig reverb) for å gi blandingen en følelse av plass.
Fullhet: Et spor som har full kvalitet til det fyller virkelig lydspekteret. Mange ville vurdere fullheten av et instrument som ligger i midten til nedre rekkevidde. Et godt eksempel ville være en akustisk gitar som gir gitarens kropp mot en som er strengestøy.

Mens disse er de eneste tre ordene jeg leverte tror jeg at de er alt du virkelig trenger. Hvis du behandler hvert ord som et kontinuum der en ende er den nøyaktige definisjonen og den andre er nøyaktig motsatt, kan du nå ha grader av åpenhet, klarhet og fylde. Du kan ha en blanding som har svært dunkle (ikke klare) instrumenter, men har god plass til blandingen, slik at du hører at hvert instrument er mørkt på sin egen måte og ikke bare en gigantisk skummel pølse. Eller du kan ha et spor som er kirurgisk definert, men fyller fortsatt lydspekteret.

Generelt sett har du bare rom for to av de ovennevnte i en blanding. Ofte når blandingen din har en mer full lyd til det, slutter du å fylle ut rommet. Hvis du virkelig vil ha den fulle og åpne blandingen, må du sannsynligvis ofre litt klarhet i toppenden for å få plass til "luften" i et romklang. Du kan selvfølgelig balansere alle tre hvis du velger. Alt i alt trenger du ikke mer enn to noensinne. Metal og rock er vanligvis klare og fulle eller klare og åpne (avhengig av hvilket tiår du skal), Jazz og klassisk vil være åpen og klar, pop er oftere enn ikke full og åpen eller klar og åpen, en vintage lyd er skal vanligvis ha en full og åpen kvalitet til den.

Nå som du har et bedre perspektiv på hva alternativene dine er så langt som lydfarger går, er det på tide å velge farger. Husk at dette vil lede lyden fra start til slutt. Du kan alltid gå tilbake og endre ting hvis du trenger det, men det er vanligvis best å unngå dette for enhver pris.

Få dine farger: Opptak

Nå som du har bestemt deg for lydpalen, ønsker du å jobbe med tiden for å faktisk få de lydfargene. Bare hvordan en maler blander farger for å forbedre og skape nye farger, må du ta hensyn til mikrofonene, deres plassering og dine preamps for å få de lydene du vil ha. Dette er langt det viktigste trinnet i prosessen for å få rett, fordi hvis det ikke høres hvordan du vil ha det nå, så vil det ikke når du blander. For å sikre at vi får den lyden vi ønsker, må vi først ta hensyn til hvordan vi skal plassere mikrofonene våre.

Plassering av mikrofon

Enhver erfaren ingeniør vil fortelle deg at mikrofonplassering er nøkkelen til å få en god lyd. En nybegynner ingeniør kan gjøre en $ 5000 mikrofonlyd forferdelig, og en erfaren ingeniør kan gjøre en $ 100 mikrofonlyd fantastisk (stole på at jeg har sett begge). Med så mange instrumenter i verden i dag, ville det være umulig å dekke hver eneste og hvordan å registrere den. I stedet vil vi nærme mikrofonplassering fra et meget generelt perspektiv og hvordan det kan spille inn i klarhet, åpenhet og fylde.

For en tydeligere lyd på lydkilden vil du ønske å fange den høyere mids til den høye delen av frekvensområdet. Her ligger definisjonen i de fleste lydkilder. Bruk øret ditt til å finne hvor det bestemte området kommer fra og sikte mikrofonen der. Du kan til og med trekke tilbake mikrofonen din bare litt for å bidra til å redusere boxiness og ved forholdet få toppenden til å skje bedre. Et annet alternativ er å bare sikte på mikrofonen din slik at den ikke henter de nedre områdene også (godt trick for cymbal mikrofoner).
For en åpen lyd må du trenge å trekke tilbake mikrofonen din; sannsynligvis litt lenger enn du kanskje tror. Å gjøre dette vil gi instrumentets lydtid å utvikle og hjelpe med å fange litt av den naturlige tonen i rommet. Vær forsiktig, men hvis du er i et dårlig lydrom, da ingen vil høre flutter ekko og lignende.
Hvis hele lyden er det du er ute etter, vær ikke redd for å komme rett opp i instrumentets ansikt. Dette er grunnen til at vi ofte tar opp gitarer med mikrofonen helt oppe på grillen fordi rock vanligvis krever at i ansiktet ditt er full gitarlyd. Vær imidlertid forsiktig med at du ikke forsterker bunnen, med mindre du er veldig sikker på at du vil ha det kraftige bassområdet.

Mikrofonvalg

Hvis plassering er nøkkel, er mikrofonvalget den hånden som vrir nøkkelen? (ok, dårlig vits) Det er viktig at du velger riktig mikrofon for jobben. Nå, hvis du vil unnskylde, skal jeg komme på min såpekasse?

DET GJØR IKKE OM DET ER TUBE, SOLID STATE, CONDENSOR, ELLER DYNAMIC, HVA SAKER ER "LYGER DET LYD RETT FOR JOBEN?"

Beklager, da vi har det rydde opp, la meg utarbeide litt. Jeg har hørt tube mikrofoner som gjør ting til mush og tube mics som var klarere enn solid state mics. Det er kondensatorer som har en flott lav end respons og dynamikk som har en flott toppende. Alt avhenger av mikrofonen og hvordan du plasserer den. Pass på at mikrofonen din komplimenterer plasseringen og lydfargene du skal til. Her er noen retningslinjer, men husk? Det er alltid unntak.

Dynamikk generelt vil ikke være like tydelig som kondensatorer, men kan lett høres avhengig av plassering.
Rørmikrofoner lyder oftest ikke så klart som en solid state, men de har mye karakter for dem (som kanskje eller ikke fungerer for lydpaletten din).
Kardioide mikrofoner er gode for å få en definert eller full lyd siden de har god tilbakeavvisning. Hvis du spiller med nærhetseffekten (bassprang når du kommer nærmere lydkilden) kan du få rikelig med variasjon i hvor fullt instrumentet vil høres.
For den åpne eller mer naturlige lyden, vil jeg helhjertet si at det går en Omni retningsmikrofon som de vil hente fra alle retninger. Forsiktig igjen hvis rommet ditt er mindre enn ønskelig.
Et interessant alternativ for fullhet og åpenhet er figuren 8 mikrofoner. Siden de plukker opp i to forskjellige retninger, er et bånd bra for å få en full lyd med å legge til litt pust. Tradisjonelt er de ikke definert som en kondensator, men opprettholder fortsatt en fin glatt toppende.
En annen fordel å hjelpe deg med lyden er stor membran eller liten membranmikrofon. Vanligvis små membranmikrofoner vil ha en klarere toppende fordi det er lettere for høyfrekvensene å flytte en mindre kapsel enn en større. Men som alltid er ingenting absolutt.

Preamp Selection

Det siste stykket i puslespillet for å få lydpalen din slik du vil, er preampen. Hvis ditt preamp-utvalg er begrenset (si bare et enkelt grensesnitt), så har du egentlig ikke for mye å tenke på. Hvis du har noen preamps eller bare forskjellige preamps, velger du nå. Det er alltid godt å bestemme hva dine "nøytrale" preamps er, slik at du kan sammenligne alt annet opp mot dem. Når det gjelder å forberede en forkamp med en mikrofon, har du vanligvis to alternativer?

Velg en preamp som forbedrer lyden av mikrofonen. Dette vil fremheve den naturlige lyden av mikrofonen som gjør lyden enda tydeligere.
Velg en preamp som kontrasterer mikrofonvalget for å forsøke å balansere lyden. Et eksempel ville være å ta en liten membran kondensator og parring det med en tube preamp.

Personlig er jeg en forutsetning for å kontrastere og balansere mikrofonen i preampen, men det er mange situasjoner når du ikke vil gjøre dette. Hvis du vet at du vil ha den grøtende baslyden, kan du bruke en stor membran dynamisk som en RE-20 og koble den sammen med en tube preamp. Valget er ditt og din alene.

Mal et bilde: Blanding

Nå som du har spilt inn sporene dine og fått lydpalen, er det på tide å male et lydbilde. Hvis du registrerte alt godt, vil du finne at ved å justere nivåer vil du allerede ha et flott bilde! Du vil vite når du har registrert noe godt fordi det nesten vil blande seg.

Men selv et flott bilde er ikke perfekt uten de små detaljene. Det er altfor mange variabler å dekke i en enkelt opplæring om hvordan man skal blande. Men det er noen generelle regler og konsepter som kan brukes på de fleste blandingssituasjoner. Her er noen tips for å raffinere lyden litt videre?

Når du bruker kompressorer, vil du uunngåelig fylle lydområdet litt fordi du reduserer det dynamiske området. Jo mer du komprimerer lyden, desto mer vil det høres opp i ansiktet ditt. Vær også oppmerksom på angrep og utgivelsestider, samt stilen til kompressoren du bruker. Hvis du crushing transientene ned vil du få enda mer volum, men se snap og litt klarhet til mixen din.
Hvis du vil ha den superklare blandingen, må du være veldig forsiktig med hvordan du håndterer reverb. Supertett og rent opptak kan lett bli skyllet ut. Så igjen hvis du er ute etter en god send plass, så la reverb fly, men likevel ikke vaske alt ut. Prøv å bruke flere reverber hvis du blander rock, pop osv., Men hvis du jobber med Jazz eller Classical som høres litt for tørr, kan du prøve å bruke en subtil busklang for hele blandingen. Til slutt, hvis du vil ha en åpen men full lyd, så prøv å plassere reverbet i et frekvensområde som ikke kolliderer med instrumentene for mye; Dette vil gi illusjonen om mer plass enn det egentlig er der.
Når det kommer til EQing, kommer du til å ha mye valg å gjøre. På samme måte som med kompressorer har du karakter EQ-er (inkursfaseforskyvninger) og kirurgiske EQ-er (ingen faseskift) og må bestemme hva som er best for prosjektet. Hvis du virkelig trenger den klare og åpne lyden, så vil jeg bruke en kirurgisk stil EQ og kutte ut mange unødvendige frekvenser for å frigjøre mer sonisk plass. Hvis du likevel vil ha en frodig full lyd, så kan en tegnestil EQ være mer opp din øy.
Et annet sett med alternativer er forbigående shapers og porter for de av dere som trenger den definerte slag i blandingen din. Smart bruk av disse verktøyene vil legge større vekt på angrepene i mix og nedspillet de opprettholder. Men du kan ofte bruke en forbigående shaper i revers for å nedjustere angrepene og gi deg mer plass til å lage en full blanding også.

Hovedformålet med å mikse for å forbedre lydbildet ditt og lage et sonisk kunstverk. Ikke prøv å bekjempe den retningen som blandingen vil ta for mye. Jo mer du bekjemper det desto mer vil du sannsynligvis innse at du trenger å spore noe igjen.

Forbedre bildet ditt: Mastering

Du har opprettet en lydpalett og malt et flott bilde med din blanding. Nå må du virkelig frembringe det beste i maleriet ved å legge til litt fargekorrigering og forbedring. Hva? Ikke et maleri går digitalt for noe fargekorrigering?

Mastering er en svært misforstått kunstform som misbrukes av de som ikke er kjent med prosessen. Mange ganger vil folk bare squash livet ut av en blanding for å gjøre det høyere og kalle det mastering. Mastering er mer enn bare å gjøre det høyt, å undersøke blandingen som helhet og subtilt forbedre kvaliteten på blandingen (eller noen ganger fikse hva som er galt, men du ville ikke la det være noe galt ville du?).

Ved mastering bruker du ofte de samme teknikkene som du ville i blandingsstadiet, men vil bruke effektene dine mye mer subtilt. Målet ditt er å virkelig ta ut lyden av sangen og hele lydpaletten du har jobbet for hele tiden. Vanligvis på dette punktet i prosessen ønsker du å unngå reverbs, flangers, phasers, chorusing, etc. med mindre du har en veldig god musikalsk grunn til å gjøre det. Multi-band kompressorer vil være dine venner i mastering, så vel som solide buskompressorer, lineære fase EQer og (i noen tilfeller) metningsmidler. Metning er vanligvis reservert for en blanding som ønsker lydbåndet, men vil fortsatt ha klarhet i en digital, moderne arbeidsflyt. Metting utføres enten ved plugins, konvertering til tape og tilbake til digital, eller ved å spille inn miksen gjennom forskjellige mikrofoner.

Noen tror at du bare kan mestre i det analoge domenet mens andre vil opprettholde at du trenger superklare digitale plugins. Sannheten er at du må finne en arbeidsflyt som fungerer for deg for å få den lyden du er ute etter. Ikke glem lydpalen du har jobbet så hardt for å lage; Sterkt står ved siden av analog eller digital når prosjektet ditt trenger det motsatte er en meningsløs feil.

Konklusjon

For å opprette en sammenhengende og flytende endelige sang må du opprettholde kontinuitet i lyd fra begynnelse til slutt. Hvis du virkelig kan nagle ned lyden du er ute etter før du noen gang har satt foten i studioet, vil du ha en effektiv og behagelig opptaksopplevelse.

Jeg anbefaler at du holder lydpaletten din samme i et album hvis du planlegger å ta opp et helt album. Hvis det bare er en sang av sangbasis, prøv deretter forskjellige tilnærminger og se hvilken palett du liker! Det vil uunngåelig trenge å bli god til å male en blanding, men hver kunst krever tålmodighet og praksis.

Nå kom deg ut og la meg høre kunstverkene dine! Ha det fint!

Musikk og lyd