Share
Etter min mening er det ikke noe så inspirerende som å jobbe med talentfulle og erfarne musikere i et innspillingsstudio. Jeg nyter alltid disse øktene enormt - arrangementet ditt er alt organisert og backing track mixen er klar; nå sitter du bare i studioet ditt og venter på at spilleren kommer.
Eksempler på samlinger er selvfølgelig rikelig med forsyning for alle de viktigste orkester- og jazzinstrumentene, for ikke å nevne et stort spekter av "off the beaten track" -instrumenter, alt fra etnisk og urfolk til rett og slett utenlandsk! Men en ekte spiller kan gi så mye mer til musikken din.
Hvis innspilt i en passende innstilling med riktig type mikrofon, er lyden garantert å være helt autentisk for en ting. Den andre store faktoren er sessionsmusikernes egen kreativitet. De tar med seg talentet og 'tar' på sangarrangementet, og verdien som bringer, er veldig ofte uvurderlig.
Her er et utdrag av et arrangement jeg gjorde en stund tilbake som har en levende fløyte som bærer melodien. Brikken fortsetter videre inn i en broseksjon. En vakker tone og intonasjon er avgjørende når instrumentet har dette langt fram i mixen.
Her er et annet utdrag i en noe keltisk stil; denne gangen en fiolinist. Som jeg husker spilte denne spilleren fra en del jeg tidligere hadde skrevet ut med scoringsprogramvare, men den spesielt vakre tonen og stilen til intonasjon her ville være ekstremt vanskelig å etterligne med instrumentprøver.
Selvfølgelig bringer opptak av "ekte" spillere sitt eget sett med spesifikke problemer og problemer å løse. Disse spenner fra hvilken mikrofon som skal brukes, til hvor godt du skal forberede sporet for den ankommer spilleren. Ditt overordnede mål bør være å prøve å gjøre hele opplevelsen så komfortabel og naturlig for sessionsspilleren som mulig.
Husk at de vil mest sannsynlig forsøke å spille en rolle de aldri har sett før, samtidig som de prøver å akklimatisere med studiooppsettet og selve sporet, samtidig. I denne opplæringen vil vi se på en rekke instrumenter ved den klassiske slutten av spekteret, og se hvor best å forberede seg på en økt med noen av dem.
Hvis vi tenker på symfoniorkesteret som "familier" av instrumenter (strenger, treblåsere, messing, etc.) vil du legge merke til at jeg har valgt en eller to fra hver gruppe, og også med harp, noe som krever en litt annen tilnærming. De fleste klassiske musikere har en ting til felles: de leser vanligvis musikk veldig bra, da det danner en viktig del av deres tidlige musikkopplæring. Det er derfor ganske sannsynlig at de vil forvente å se en notert del på dagen.
Jeg foreslår ikke at klassiske musikere ikke improviserer eller ikke vil improvisere. Noen av dem gjør det veldig bra. Men sjansen er at de vil føle seg mye mer komfortabel å jobbe med et musikkark trykt ut foran dem. Så jeg kommer til å anta at du planlegger å skrive ut din del, som du mest sannsynlig vil bruke en notasjons programvarepakke.
Når du har ditt arrangement i tankene, hvor mye detalj bør du inkludere på den delen? I den klassiske verden er absolutt alle nyanser dekket: uttrykk, frasering, bøyemerker, etc. Det er ikke noe riktig svar på dette, men jeg pleier å favorisere "bare bein" -tilnærming, da du alltid kan jobbe med detaljene med spillerens inngang under økten.
Her er en sangintro som har en cello-del. Etterpå kommer cellodelen ned i et lavere register når hovedstemmen går inn.
Delen jeg ga spilleren til intro er skrevet nedenfor (ganske vist ganske kort!). Jeg prøvde å gi dem en klar strekning fra begynnelsen av sangen. Det ville også ha vært et roligere klikkspor som kjører i hodetelefonene for å hjelpe dem med å cue dem.
Når jeg skriver strengdeler, har jeg en tendens til å forlate bøyemerker som disse vil bli diskutert i løpet av sesjonen, og spilleren vil vite hvordan man skal spille delen teknisk for å høres ut som jeg vil.
Her er et annet MP3-eksempel, etterfulgt av den noterte delen. Denne gangen spiller en fiolin melodilinjen:
Den delen jeg ga spilleren på den tiden, ville ikke ha inneholdt noen bøyemerkninger, men jeg har lagt dem over, basert på hvordan forestillingen gikk. Det er viktig å kjenne de nøyaktige grensene for instrumentet, og også hvilken lyd det kan produsere på tvers av toneområdet når du skriver delen.
Tips: Det er en god ide å ha en slags orkestrering ordbok tilgjengelig for deg som kan gi intervaller og beskrive grunnleggende instrumentegenskaper. Det er et nummer. Min personlige favoritt er "The Essential Dictionary of Orchestration" av Dave Black og Tom Gerou. Dette er billig, unfussy og også pocketbook størrelse; så det er lett å bære rundt.
Jeg har jobbet med alle de ovennevnte i min egen studio-fiolinist som spiller i en 'keltisk' stil og også en mer klassisk tilnærming, jazzfløyte og klassisk fløyte. Jeg har også registrert keltisk harpe flere ganger, men en orkesterharp bare en gang. Ved den anledning var jeg veldig opptatt av om instrumentet egentlig ville passe inn i studioet mitt, som har ganske lavt tak.
Da spilleren kom, overrasket hun meg ved å nekte å la meg hjelpe henne å laste instrumentet fra sin godsbilsbil. (Klart tenkte hun på kostnaden for instrumentet, og min egen mangel på erfaring med å bære en!) Hun produserte omgående en vogn som var egnet for formålet fra et sted i kjøretøyet. Jeg er glad for å si høyden på instrumentet fjernet høyden på studioet mitt ... men bare med rundt to inches!
Her er et eksempel på hvordan keltisk harpe kan høres ut. Dette er hentet fra en sanginnledning.
Generelt bør bruk av forsvarlig kvalitetskondensatormikrofon gi akseptable resultater. En stor membran kondensator mikrofon som en AKG C414, eller en Neumann U87 ville være et typisk profesjonelt valg for en slik situasjon, men mange andre alternativer er også mulige.
Plassering av mikrofonen er avgjørende. Generelt vil du plassere mikrofonen ganske nær instrumentet, da dette vil redusere romstøy. Se tabellen under.
Den naturlige omgivende lyden i rommet blir stadig tydeligere, da en mikrofon er plassert lenger bort fra lydkilden. Faktisk reduseres lydnivået med en faktor på 6dB som avstanden dobler, noe som er ganske mye.
Mengden av direkte lyd i forhold til romlyd kan styres av både mikrofonens avstand fra lydkilden og i mindre grad det polære mønsteret til mikrofonen (kardioid eller omni-directional).
Vil du være miking instrumentet i mono? Min preferanse vil være å registrere alle disse instrumentene på et monospor med en enkelt mikrofonkilde, med unntak av harpe som kan være til nytte ved å ha et stereopar mikrofoner satt opp en liten avstand.
Her er et diagram som gir noen spesifikke tips og mikrofonforslag:
I praksis synes jeg ofte å finne meg selv ved siden av spilleren mens de er oppvarmende, prøver å lytte etter det "søte" stedet hvor instrumentets tone kommer over mest effektivt. Dette er stedet der mikrofonen din må være fokusert, og er hvor du skal se etter å sette den opp. Kontroller imidlertid at det ikke kommer i veien for spilleren eller skjuler hans eller hennes syn på musikken. Violinister og cellister trenger rom for å bøye sine instrumenter.
Med fløyten har jeg lagt merke til at lyden kan variere ganske mye avhengig av mikrofonposisjonen. For nær munnstykket, og du kan risikere å få for mye pust innblandet i lyden, men for nær nøklene, og lyden begynner å bli dominert av fingerskruen på tastaturene. Det er ganske overraskende hvordan en god mikrofon vil hente den minste lyden, men ubetydelig du kanskje tror det er på det tidspunktet.
En bit av avstanden fra instrumentet slutter ofte å være det sikreste alternativet, spesielt hvis du planlegger å bruke komprimering senere, da dette vil gi opp støynivået ganske mye. Feil er lette å lage, og jeg har sikkert blitt fanget ut i det siste; og har funnet meg selv å lytte tilbake senere til økt tar med den merkelige støyen eller to som ikke burde være der, lenge etter at spilleren har forsvunnet!
Harpen er unik fordi den har 47 strenger organisert ikke-kromatisk. Spilleren spiller med et sett med pedaler som er arrangert for begge føttene på undersiden av instrumentet for å endre innstillingen av disse strengene.
De fleste harpister som registrerer regelmessig har ekstra filt montert for å dempe disse pedaler, noe som ellers kan gjøre en ganske klumpete lyd! Det er generelt best å sette opp et stereopar mikrofoner litt på avstand fra instrumentet, for å unngå uønsket pedalstøy og fingerstøy på strenger.
I neste artikkel skal jeg se på hvordan du spiller inn jazzinstrumenter, noe som krever en helt annen tilnærming. Vi ser også på andre viktige tekniske problemer som hvordan du setter opp en flott hodetelefonblanding, og riktig bruk av komprimering og tuningskorreksjon.
Accentsconagua