Share
Kontrapunkt er en av de mest givende og rike teksturer i musikk. Godt motspill er vakkert, interessant og intellektuelt stimulerende. De store komponistene gjennom historien, fra Bach og Mozart, Debussy og Stravinsky, John Williams og Jerry Goldsmith, alle deler felles trang til å beherske kontrapunkt.
Vi tar et kollisjonskurs gjennom begreper motpunkt. Vi lærer det grunnleggende om konsonans vs. dissonans, de forskjellige typer bevegelse mellom to stemmer og generelle retningslinjer for å skrive effektive motposter.
Problemet med de fleste counterpoint-bøker og kurs er at det eneste de vet hvordan man skal gjøre, er å lære deg å skrive noe slikt:
Dessverre, ikke mange mennesker virkelig lytter til musikk slik som lenger. Visst, det er strålende skriving, og det høres bra ut, men det er gammeldags (og jeg mener egentlig gammeldags. Selv folk på slutten av 1700-tallet mente det var ute av stil!). Kan du tenke deg å prøve å score en action scene med noe sånt? Eller hva om Black Eyed Peas kom ut med det som deres siste single? I et kort øyeblikk kan de betraktes som "strålende", men det ville ikke vare mye lenger enn en kjepp.
Som et resultat av å lære folk å skrive musikk fra midten av 18-tallet, gir de fleste som prøver å dabble i motspill gi opp. De kommer til den konklusjon at metodene er utdaterte og utrolige, at musikken deres ikke skal leve av alle disse "reglene", og at å studere kontrapenskapens kunst er meningsløs.
Vel, jeg er her for å argumentere for at motspill er en helt avgjørende ferdighet for enhver aspirerende komponist / låtskriver / musikkskaper å lære, internalisere og innlemme i sin musikk. Og det vil ikke kreve at du tar noen semestre på en vinterhage for å forstå heller. Bare noen få grunnleggende retningslinjer er nok til å komme i gang.
Det jeg har funnet er at selv om de spesifikke reglene og metodene for tradisjonelle motposter er en hindring for de fleste elevers læring, hvis du kan forstå noen av de mest grunnleggende konseptene, vil du være godt på vei til å skrive motpunkt i musikken din som er effektiv og meningsfylt.
Kontrapunkt refererer til to eller flere uavhengige melodier som høres bra når de spilles samtidig. Kontrapunkt blir også ofte omtalt som polyfoni.
Her er et eksempel på hva vi er ikke ringer motpunkt:
Ja, det er to uavhengige linjer, men figuren i venstre hånd er bare et arpeggio-mønster som fungerer som akkompagnement og er underlagt melodien i høyre hånd. Husk at i motspill er det lagt vekt på uavhengighet. Selv om en linje er mer interessant og tiltrekker seg mer oppmerksomhet (som ofte er tilfelle), bør den andre linjen fortsatt høres bra ut på egenhånd.
I denne opplæringen skal vi jobbe med tonal musikk. Kromatisme er gjerne velkommen, men generelt antar jeg at de fleste av dere leser dette er mer sannsynlig å foretrekke Michael Giacchino og Coldplay over Shoenberg og Varese.
I denne opplæringen skal vi snakke hovedsakelig om todelte eller 2 stemme-kontrakter. Selv om du vil finne mange eksempler på 3, 4 og flere stemmer, er 2 stemme kontrapunkt det enkleste og det viktigste å lære.
En "stemme" refererer ikke bokstavelig talt til en menneskelig stemme, men til en enkelt melodisk linje. Hvis du har to melodier på samme tid, må du ha forskjellige stemmer.
En stemme:
To stemmer:
Fire stemmer:
Antall stemmer i et stykke er ikke det samme som antall instrumenter. Du kan ha 100 spillere av et massivt orkester som spiller nøyaktig samme melodi, og det vil bli betraktet som en stemme.
Før du går videre, er det viktig at du har en sterk forståelse av intervaller. Du bør være i stand til å fortelle forskjellen mellom en perfekt femte og en redusert 5., en mindre 3. og en stor 3. etc. Hvis konseptet er nytt for deg eller du trenger en oppfriskning, foreslår jeg at du stiller nå for å lese denne opplæringen. Det meste av det vi skal gjøre er å analysere intervaller mellom de to stemmeene, så det er av største betydning at du kan gjøre dette flytende og enkelt.
En av de viktigste konseptene vi skal håndtere er konsonansen vs. dissonans.
Fra thefreedictionary.com:
I rå og grunnleggende termer høres konsonanser godt og dissonanser høres dårlig ut. Mer elegant, dissonanser har en tendens til å høres hardt og spent mens konsonanser har en tendens til å høres hyggelig og avslappende.
Hvilke intervaller er konsonant og som er dissonante, er i stor grad et spørsmål om smak og kontekst, men den generelle konsensus i tonalmusikk er dette:
Dissonanser kan da brytes ned enda lenger:
Forbindelser (intervaller større enn en oktav) behandles på samme måte som deres kortere ekvivalenter (dvs. 9. er behandlet som 2., 10. som 3rds, etc.)
I motspill er det tre typer bevegelse:
Parallell bevegelse: begge stemmer beveger seg i samme retning. Fra Rite of Spring:
Motsatt bevegelse: begge stemmer beveger seg i motsatt retning. Fra Wagners forspill til Die Meistersinger von Nürnberg:
Skrå bevegelse: en stemme beveger seg mens den andre forblir konstant. Fra Beethovens Rondo i C-minor:
Det er verdt å nevne at tradisjonelle metoder generelt bryter studien av counterpoint ned til 5 "arter". Hver art refererer til hvor mange notater i en stemme spiller mot hvor mange notater i den andre stemmen. For eksempel:
Nå som jeg har gått gjennom og forklart alt dette: Jeg skal ikke gå gjennom en art om gangen. Et metodisk system for å bygge en kompleksitet på toppen av en annen, gir perfekt mening, men dette er et krasjbane og vi har notater for å skrive! I stedet skal retningslinjene jeg skisserer, vurderes for alle typer kontrapunkt, uansett hvor mange notater du har mot hvor mange andre notater. Puristene blant dere kan ikke like det, men vi skriver ikke vårt avhandlingstykke for en mester i sammensetning. Vi prøver bare å komme nær nok til jazz.
Nå som vi har de grunnleggende begreper konsonans vs. dissonans og de tre typer bevegelser, kan vi begynne å sette opp noen retningslinjer for godt motspill. Jeg kaller dem "retningslinjer" fordi det er åpenbart ingen regler i en kreativ kunst som musikk. Men hvis du ønsker å lære hvordan du gjør motspunktet effektivt, anbefales det sterkt at du overholder retningslinjene til du bevisst og målrettet velger å gå imot dem.
Hovedformålet med kontrapunktet er å ha to separate, men like melodier som spilles samtidig. Separat betyr at de topper og daler på forskjellige steder, og at de beveger seg på forskjellige tidspunkter. Lige betyr at de begge er interessante linjer i seg selv, at hvis de skulle spilles alene, ville det være en tilstrekkelig følelse av melodisk kontur og interesse.
Disse to linjene kommer fra Debussy's Prelude til ettermiddagen av en Faun:
Lytt til bare den øverste stemmen:
Og nå bare den nederste stemmen:
Legg merke til at selv om de jobber godt sammen, er de også interessante i seg selv. Legg også merke til bevegelseskontrast. Når fiolinene har 16. noter har vindene kvart og 8. noter. Når fiolinene hviler, blir vindene mer aktive.
Tidligere så vi at det er tre typer bevegelse mellom stemmer: I motsetning, parallell og skrå. Sterkt motpunkt bruker en balanse mellom alle tre typer.
Generelt er bevegelse det mest foretrukne, da det skaper størst mulig uavhengighet.
Skrå bevegelse er svært effektiv når du veksler mellom stemmer, men bør brukes sparsomt hvis du holder samme tonehøyde konstant i en enkelt stemme. Du ender opp med en stemme og gjør den andre stemmen til å virke mye mindre viktig og interessant.
Her er en effektiv bruk av alternerende skråbevegelse fra Beethoven:
Som vi ser videre ned, bør parallell bevegelse generelt være reservert for tredje og sjette. Parallell bevegelse skaper en god kontrast fra for mye mot og skrå bevegelse, men du må være forsiktig med å unngå å ha for mye av det, eller du mister uavhengighet mellom stemmer.
Legg merke til hvordan i dette eksemplet fra Debussy's Fêtes at selv om det er 5 separate stemmer, fordi de alle konsekvent beveger seg parallelt, gir de inntrykk av en enkelt enhet:
For å skape ekte uavhengighet mellom stemmer, i motsetning til en enkelt fungerende blokk, må vi blande opp bruk av bevegelse. Disse klarinett- og fagotlinjene fra Stravinsky's Firebird har like motiver, men har tydelig uavhengighet i retning:
Vår neste vurdering vil være en balanse av konsonans og dissonans. For mye konsonans kan være myk og kjedelig:
For mye dissonans kan være stygg og vanskelig å forstå:
Å bestemme hva nettopp denne "balansen" er, vil være helt opp til intensjonene og smakene til komponisten.
La oss ta to eksempler som er forskjellige i stil og sammenligne deres balanse mellom konsonans og dissonans. Den første kommer fra Schumanns album for de unge:
Det andre eksemplet er fra Bartoks Mikrokosmos:
Den interessante tingen om disse to veldig stilistisk forskjellige setningene er at de faktisk har et forholdsvis likartet forhold til dissonans til konsonans (7:25 i Schumann, 8:21 i Bartok). Bartok har imidlertid definitivt mer dissonans (20% i Schumann sammenlignet med 28% i Bartok). Begge eksemplene har en tendens til å stole på det meste konsonantintervall, ved hjelp av dissonanser som ekstra "krydder". Legg også merke til hvordan dissonansene er adskilt fra hverandre.
Akkurat som du trenger balanse på alle andre områder, bidrar en balanse mellom intervalltypene til å holde linjene interessante.
Lytt til dette eksemplet fra Mahlers fjerde symfoni og noter den komplette blandingen av intervalltyper (det er også et glimrende eksempel på uavhengige rytmer):
Dette er en av de vanskeligste reglene for nybegynnere å følge, fordi det ved første øyekast ikke ser ut til å gi mye mening. Regelen er at når to stemmer beveger seg i samme retning, bør de ikke bevege seg inn i et intervall på en femte eller en oktav.
Begrunnelsen bak denne regelen er at oktav og femte er primale intervaller. Å ha to unike stemmer beveger seg i parallell bevegelse på oktav eller 5. gir inntrykk av at de faktisk er den samme melodien. Så hvis dine to stemmer beveger seg parallelt ved 5. eller oktav, bryter du i utgangspunktet hele ideen om motpunkt som skal ha to uavhengige og separate stemmer.
Problemet studentene går inn i, er at parallell 5 og oktav er svært vanskelig å høre med et uopplært øre. Mitt eneste råd er å følge denne regelen på tro, for når ørene dine og dine motspill ferdigheter utvikler, vil du etter hvert lære å høre parallelle femte og oktav og de vil faktisk høres feil ut for deg.
Jeg er sikker på at du finner denne regelen "ødelagt" i mange eksempler. En av de viktigste unntakene til denne regelen er at parallell femte og oktav i slutten av en setning (dvs. inn i en kadence) anses akseptabel, sannsynligvis fordi tegnsetting av kadensen gjør effekten mye mindre plagsom.
Generelt bør et dissonantintervall løses til et konsonantintervall. Dette betyr at hvis du bruker en dissonans for litt krydder og skaper spenning, vil det bare være effektivt hvis du slipper den spenningen. Ellers vil det nok bare høres ut som om du spilte en feil notat!
Den enkleste måten for en dissonans å løse er å holde en tone konstant og flytte den andre banen til et konsonantintervall. La oss se på Beethoven-eksemplet vi brukte tidligere da vi viste skjev bevegelse:
Legg merke til hvordan hver dissonanse først blir introdusert som en konsonans, da gir et nytt notat intervallet dissonant, og til slutt løser det seg tilbake til en konsonans. Hvis du lytter til strengen skriving av Harry Gregson-Williams vil du høre denne teknikken blir brukt over alt.
Todelt kontrapunkt er flott og alt, men mest ekte musikk bruker mer enn to stemmer. Hvis du bryter ut i å bruke flere deler, er det viktigste å ta hensyn til motpunktet mellom ytre stemmer. De øverste og nederste stemmer er de som kommer til å bli hørt mest, så det er hvor fokuset ditt skal være når du skriver gode linjer. Resten av stemmene kan da brukes til å "fylle inn mellomrom" av harmonien.
Lytt til dette eksemplet fra Brahms 'fjerde symfoni:
Lytt nå bare på topp og nederste stemmer:
Vi får fortsatt i hovedsak samme musikalske effekt. De første fiolinene med toppstemmen og celloene og bassene på den nederste stemmen gir et interessant og effektivt motspill. De andre fiolinene og violene tjener til å fylle ut akkordene, med mindre vekt som er nødvendig for å lage dem selvstendige og interessante linjer.
Føler overveldet? Det ville være forståelig, jeg kastet bare mye informasjon på deg! Gå gjennom det stykke for hverandre, ta deg tid og lek med hvert konsept. Skriv ut dine egne eksempler og vær sikker på å lytte til dem. Se etter motspill i noen av favorittmusikken din og trekk den fra hverandre i intervaller for å se hva som gjør det til å fungere.
Jeg håper du behandler dette kurset i motspill som en introduksjon til kunsten. For mange av dere vil bare disse grunnleggende konseptene være nok til å legge til litt mer raffinement til musikken din. For andre som ønsker å ta sin læring til neste nivå, foreslår jeg at nå er det på tide å knekke åpne en av de mer tradisjonelle lærebøkene om emnet og begynne litt seriøs studie.
Den mest anbefalte boken er "The Study of Counterpoint" av Johann Joseph Fux. Folk elsker denne boken fordi det har eksistert for alltid, og det sies at selv Mozart lærte motposten fra det. Problemet er at det blir nær 300 år gammelt. Alvor! Mens prinsippene er alle der, kan det være en kamp for å lese hele veien gjennom.
Jeg vil anbefale noe skrevet i en mer moderne tone, som "Counterpoint" av Kent Wheeler Kennan eller "Counterpoint in Composition" av Felix Salzer. Lærebøkene kan være dyre, men du bør kunne finne en brukt kopi på Amazon eller Ebay.
Kontrapunkt kan være en livslang studie, men det er uten tvil en givende forfølgelse.
Accentsconagua