Guy TaI Landskapene mine er nært kjent

Etiketten "landskapsfotograf" er lett hva folk flest bruker når de møter Guy Tal-fotografier. Men forfatteren er ikke en "landskapsfotograf", mer noen som fotograferer, skriver og puster de stedene han er mest kjent med.

Jeg har kjent Guy Talks arbeid for en stund, men har aldri utvekslet ord med ham til nå. Hans fargearbeid er noe jeg beundrer, ikke bare for grandiositeten til naturen, men også for stillheten som utmerker seg fra hvert rektangel. Det føles som å åpne et vindu til andre rom, ikke bare for å stirre på "et godt skudd", men også fordi man føler at det er mer mening i bildet enn bare linjer og sammensetning. Det er følelser.

Nylig kom jeg over noe svart og hvitt arbeid fra Guy Tal og jeg var spent og forvirret. Farge og svart og hvitt er på en eller annen måte, fra min synsvinkel, forskjellige disipliner, så jeg følte at jeg hadde en god grunn til å gå for et intervju som ville være meningsfylt og ikke bare ville svare på mine spørsmål. men også, jeg forventer, de du også vil spørre Guy Tal.

QWho er Guy Tal og hva gjør han?

I bred forstand av begrepet er jeg en heltidskunstner og forfatter, selv om slike etiketter ofte mangler å gi en ekte følelse av hva jeg gjør (jeg mistenker at jeg ikke er alene blant kunstnere). Jeg brukte mer enn fire tiår i ulike innstillinger.

Jeg har vært soldat, universitetslærer, teknologikonsulent og leder, og mange andre ting. Jeg fant til slutt mitt kall i et fjerntliggende område i det vestlige USA, kjent som Colorado-platået - et stort, vakkert og tynt befolket landskap av ørkener, kløfter, fjell og skoger som jeg har blitt kjent med intimt og som inspirerer arbeidet mitt.

QHow begynte du i fotografering?

Som de fleste tok jeg først opp et kamera for å dokumentere hendelser og folk i livet mitt. Som tenåring elsket jeg å utforske feltene og frukthager rundt huset mitt. En dag, av grunner jeg ikke engang kan huske, lånte jeg min fars gamle Minolta og gikk en tur.

Jeg endte opp med å tilbringe timer med å fotografere alt fra insekter og blomster til trær og skyer. Det var oppkvikkende og spennende. Spenningen min ble snart bremset da jeg fikk min film tilbake og fant ut at ikke et enkelt bilde på den var riktig utsatt eller fokusert, men opplevelsen var så dyp at jeg bestemte meg for å forbedre, og kameraet ble en følgesvenn på nesten alle mine oppdagelser siden.

Q Rett meg hvis jeg har feil: du lever fra fotografering. Føler du den samme lidenskapen du hadde da du startet, eller er det mer en 9 til 5 yrke nå?

For å være nøyaktig, bor jeg ikke bare fra fotografering, men også fra undervisning, skriving og snakk om kreative emner. Hvis noe skjer, øker min lidenskap bare over tid. Hvis det noen gang skulle føles som et 9 til 5 yrke, ville jeg sikkert miste interessen veldig raskt. Det er mye bedre jobber enn kreativ fotografering, men ikke mange bedre liv.

Kanskje det er verdt å merke seg at jeg ikke deler opp hva jeg gjør. Det er ingen "fotograf Guy" forskjellig fra "Skribent Guy" eller "Off Work Guy." Det er bare en fyr. Fotografering er bare en måte å dele meg med verden, men jeg skiller ikke den fra hvem jeg er, eller fra noe annet jeg gjør. Jeg er en veldig stille person som foretrekker å jobbe i ensomhet og prøver å skape arbeid som gir intimitet og introspeksjon.

Q Du har uttalt at titler som naturfotograf eller landskapsfotograf eller kunstner ikke virkelig beskriver hva du gjør. Og du legger til at du kjenner natur, reise, eventyr og landskapsfotografer, forfattere og forfattere, og hva de gjør er ikke hva du gjør. Så hva er du?

Jeg tror at bruk av en slik forenklet kategorisering ofte er skadelig for en kunstner og hva de prøver å formidle i sitt arbeid. Når du ser på Van Goghs Starry Night, for eksempel, forholder du ikke til det når det gjelder "et oljemaleri av en nederlandsk postimpresjonistisk artist" (med mindre du brukte alt for mye tid i akademiet, det er).

Kunnskapen om van Goghs biografi, og motivasjonene bak hans valg av stil, farge, emne og media gir snarere et mye dypere inntrykk. Kategorier hjelper å dele ting med objektive egenskaper; men kunst, til slutt, er kanskje den mest subjektive uttrykksformen. Jo mer du vet om kunstneren, deres inspirasjon, deres bakgrunn, deres filosofi og tro, og avkom av et bestemt arbeid, desto rikere blir din erfaring.

Så hva er jeg? Jeg er noen som søker å lede en meningsfylt eksistens, og for meg betyr det at det kommuniserer med det vilde, ofte bruker det som metaforer for å tolke min egen eksistens og etablere mitt eget verdenssyn. Jeg søker å bli inspirert og dele min inspirasjon.

Jeg søker lykke, ikke i overfladisk forstand, men i form av en dyp og varig tilfredshet og tilfredshet med livet mitt, og jeg finner at det å hjelpe andre å finne det samme, løfter min egen erfaring. Til det formål søker jeg meningsfylte opplevelser i alt - i det jeg gjør, på stedet jeg valgte for hjemmet mitt, i hvordan jeg forholder seg til andre mennesker, og i det jeg finner vakkert. Jeg er ikke sikker på at det er et enkelt begrep som ordentlig kan beskrive det.

QThe American Southwest, hvor du fotograferer, synes å være et unikt sted når det gjelder landskapsmuligheter. Tror du at du ville være en annen fotograf hvis du bodde et annet sted?

Ja veldig mye. Dette er et område hvor jeg avviger fra de fleste landskapsfotografer. Jeg bruker ikke mye tid på å forfølge ting for sin visuelle skjønnhet alene. Jeg vil fortelle mitt forhold til landskapet jeg fotograferer, og mitt forhold til stedene i hjemmet mitt er mye rikere og mer komplekst enn noe jeg kanskje har med et landskap som jeg ikke er kjent med, uansett hvor visuelt tiltalende.

På en annen måte har jeg mye mer å si, og mange flere historier om steder som er personlig meningsfylt for meg, hvor jeg tilbringer mine dager og netter - steder som var innstillingen for noen av de mest minneverdige og viktige hendelsene i min livet og som jeg er kjent med, enn jeg ville om et tilfeldig fjell eller elv eller strand hvor jeg er, men en uformell besøkende.

Jeg ønsker ikke å bare dokumentere en ekstern finér på et sted. Jeg vil gi en tolkning av det, og for å gjøre det trenger jeg et visst nivå av kjennskap og rapporterer med det over en betydelig tidsperiode.

Qi er det landskapet du bor i som gjorde deg til en fotograf, eller er det en indre visjon som hjelper oss med å fotografere andre steder med samme skjønnhet vi finner i bildene dine? Med andre ord, må vi finne skjønnheten i oss selv først for å kunne se, med et nytt perspektiv, hva som er rundt oss?

Det er et vanskelig spørsmål å svare i generell forstand. Jo mer jeg samhandler med andre kunstnere, jo mer innser jeg at vi hver finner vår egen vei til arbeidet vårt. Når jeg snakker om meg selv, må jeg være i en viss sinnstilstand og bli inspirert av noe for å kunne produsere et godt bilde av mine egne standarder. Før jeg ble fulltidskunstner bodde jeg i en by, og pleide å lage bilder hver gang jeg kunne komme seg bort fra jobben.

På den tiden trodde jeg at den eneste forskjellen mellom hva jeg gjorde og noen som gjorde det profesjonelt, var hvor mye tid jeg måtte bruke til det. Jeg tok feil. Å være i stand til å fordype meg i opplevelsen uten forstyrrelse, og å leve med mine fag, bokstavelig talt, er en helt annen opplevelse, og bildene mine i dag er ikke de samme som de jeg opprettet da. De kan vise lignende emner, men de har ikke den samme betydningen.

Disse dagene går jeg ikke ut eksplisitt på jakt etter ting å fotografere. I stedet går jeg ut og ser ut til å bli inspirert og stoler på at bildene kommer til meg som en del av opplevelsen. Et trofébilde laget på en forhastet tur til et ikonisk sted beveger meg ganske enkelt ikke på samme måte som en som avslører meg selv når jeg vandrer gjennom anonyme steder, lytter, ser og lukter, tar meg tid, beveger seg på min eget tempo, tenkning om livet og reveling i opplevelsen.

Landskapet og visjonen er ikke separate begreper. Landskapet informerer, inspirerer og utvikler visjonen, og visjonen lar meg sette pris på mer og mer om opplevelsen av å være i landskapet.

QDu lærer på workshops. Kan disse indre følelsene bli lært til folk eller slutter alt i de tekniske aspektene ved fotografering? Hva lærer du om du ikke anser deg som fotograf?

Jeg tegner en linje mellom "lært" og "inspirert". Ferdigheter kan læres, men følelser kan bare inspireres. Jeg kan beskrive mine egne erfaringer og hvorfor de er meningsfylte for meg, og håper at studentene mine vil bli inspirert til å søke seg selv. Jeg skjønner også at forskjellige mennesker kan finne sin inspirasjon på forskjellige steder, emner og måter. Jeg oppfordrer dem til ikke bare å etterligne andres arbeid, men å bruke verktøyene sine til å uttrykke seg.

Jeg sa ikke at jeg ikke er fotograf, men heller, som refererer til meg, bare som fotograf, savner de viktigste aspektene av hvem jeg er og hva jeg gjør. Fotografering er rett og slett et sett med verktøy og prosesser, og i kraft av å bruke fotografiske verktøy, er jeg også en fotograf og jeg lærer fotografiske teknikker. I mine workshops bruker jeg også en del tid på å diskutere kreative emner, elementer av visuell design (sammensetning, farge, oppfatning etc.).

Folk reagerer på forskjellige måter, som man kan forvente. De som kommer til verkstedet, bare å returnere med trofébilder, vil følge disse fagene, men jeg gjør det til et poeng å understreke at dette ikke er hovedmålet for verkstedet.

Jeg prøver å skape en atmosfære der deltakerne ikke føler seg presset til å konkurrere med sine jevnaldrende og kan bruke tiden sin til å praktisere de ferdigheter som læres. Jeg tildeler aldri noen for et "beste bilde". I stedet ber jeg dem om å dele sitt arbeid og forklare motivasjonene bak den. Alle tolkninger er gyldige.

QYou're mest kjent for ditt fargearbeid, men du bruker svart og hvitt i din nye eBok, Creative B & W-behandling. Hvor vanskelig er det å flytte fra all fargen du bruker til en mer begrenset palett?

Jeg tror at separasjonen er mer en oppfatning enn noen objektiv egenskap, som palett eller prosess. Det er en annen måte å oppleve et emne på, eller omvendt, en annen måte å uttrykke forskjellige betydninger på.

Jeg har opplevd en veldig tydelig fremgang i min tilnærming til svart og hvitt arbeid. Tidligere fant jeg meg selv å se bare det jeg lette etter. Hvis jeg var ute for å lage svarte og hvite bilder, så var det alt jeg så, og hvis jeg var ute etter fargebilder, er det alt jeg fanget.

Jeg skjønte at en slik streng separasjon var til slutt en refleksjon av mine egne begrensninger. Hjernen min måtte tenke i form av et medium eller det andre, siden jeg tenkte i form av bilder og estetikk, i stedet for tolkninger.

Med mer praksis og dyktighet ble jeg mindre opptatt av bilder og mer bevisst på hva jeg ønsket å si om et gitt emne. Valget av medium ble et biprodukt av det jeg ønsket å si om et gitt emne. Jeg liker å tenke på det når det gjelder visuell leseferdighet. Med praksis får du et større ordforråd og uttrykkene dine blir utvidet.

Hvis du er like flytende i fargespråket som i svart-hvitt, trenger du ikke nødvendigvis å tenke i den ene eller den andre, du kommer bare til den som best passer til det du ønsker å uttrykke. Det samme gjelder for talespråk. Folk som flyter på flere språk vet at noen begreper uttrykkes best, eller bare finnes, på enkelte språk og ikke andre.

QYou har tidligere sagt i din karriere at "fotografier har en bindende forbindelse med virkelige hendelser, virkelige elementer, ekte lys og virkelige øyeblikk i tid. Enhver åpenbar avvik fra disse realitetene vil føre til at et bilde blir avvist direkte" og legg til det "Målet mitt er å produsere bilder som inspirerer uten å venturing utenfor den troendes rike." Likevel gjør du svart-hvitt fotografi, som på en eller annen måte er en avvik fra virkeligheten som vi ser det. Kan du forklare hvordan det virker?

Som jeg nevner i en av mine e-bøker, tror jeg at svart-hvitt fotografering er en av de mest tilfeldige ulykker i visuell kunsthistorie. Siden begynnelsen og i mange tiår etter var all fotografering monokromatisk og de fleste seere er betinget av det og intuitivt anser det som et avvik fra virkeligheten.

Hver dag følger store nyhetskretser sine faktuelle journalistiske rapporter med svart og hvitt bilder uten tilbakeslag. Jeg mistenker at hvis fargfotografering kom først, ville dette ikke være tilfelle.

Når det gjelder å lage kunstneriske bilder, gir svart og hvitt verktøy og uttryksformer ikke mulig med farge nettopp fordi det er et avvik fra virkeligheten, som ikke intuitivt oppfattes som sådan.

I et sort / hvitt bilde kan du skildre et gitt emne i nesten hvilken som helst nyanse uten å fornærme seerens følsomhet. Dette ville ikke vært mulig hvis vi ikke var så betinget i så mange år for å akseptere svart-hvite bilder som gyldige visuelle representasjoner. Historisk sett tjener historien til å frigjøre sorte og hvite fotografiske artister fra de bokstavelige begrensninger som ellers binder fargfotografering.

QWhat er dine mål med svart-hvitt fotografering, og hvordan passer det inn i en verden der folk vil kjenne deg mer for ditt fargearbeid?

Jeg nøler med å prognostisere om hvordan folk vil kjenne meg i fremtiden. For meg er svart og hvitt så mye del av mitt visuelle ordforråd som farge, og jeg bruker den der jeg finner hensiktsmessig. Hvis jeg hadde et ord i saken, håper jeg at jeg blir husket som en kunstner, forfatter og lærer, i stedet for de smale begrensningene i farge eller svart og hvitt.

Mine mål er ikke forskjellige, basert på mediet jeg bruker. Fotografi så vel som skriving, er verktøyene jeg tilfeldigvis eier. Jeg prøver å legge mye større vekt på de tingene jeg vil uttrykke i arbeidet mitt, i stedet for mekanikken til verktøyene som brukes til å uttrykke dem.

De er alle midler til en slutt; Ingen er mer eller mindre gyldig enn de andre, og ikke mer eller mindre gyldige enn andre kunstneriske midler som maleri, musikk eller skulptur. De har hver sin styrke og svakheter, men er nesten ikke så viktige som det inntrykket de til slutt har med publikum.

Q Hvordan jobber en fotograf innenfor disse to forskjellige realiteter?

Jeg vil utsette til Hermann Hesses visdom: "Det er ingen realitet unntatt den som er inneholdt i oss. Det er derfor så mange mennesker lever et så uvirkelig liv. De tar bildene utenfor dem for virkelighet og lar aldri verden innrømme seg selv. "

Det er bare en virkelighet jeg jobber med, og det er min egen oppfatning av verden. Det kan uttrykkes på forskjellige måter og i ulike medier, men det er alltid den samme virkeligheten.

QHvor og når bestemmer du at et fotografi skal tas i svart og hvitt eller farger? På scenen eller etterpå? Hvordan fungerer det for å visualisere mulighetene? Kan du forklare prosessen?

Det har blitt mye sagt om rollen som begrensninger i kunsten. Så mye som vi roser kunstnerisk frihet, er begrensninger avgjørende for å fokusere arbeidet, slik at det er mer effektivt for å oppnå ønsket effekt. Og til slutt, ingen av oss kan være en mester i all kunst, språk og stiler.

Vi ender opp med å velge de begrensningene som passer best til det vi ønsker å uttrykke. For noen er begrensningene like smale som allfarget fotografi eller svartvitt fotografi, eller haiku eller iambisk pentameter. For andre kan de bli utvidet til slike ting som fotografi, poesi eller maleri.

Andre er fortsatt i stand til å mestre flere disipliner og produsere meningsfylt arbeid i dem alle (var Leonardo da Vinci en maler? En forsker? En ingeniør? En musiker? Alt ovenfor?). Dette reflekterer på ingen måte verdien av arbeidet, men bare på kunstnerens personlige følelser.

Når det gjelder hvem som ser mer eller mindre; Noen mennesker kan produsere rike arbeidsformer i bare farge, eller bare svart-hvitt, mens andre ikke kan gi et meningsfylt bilde, uansett hvor mange medier de jobber i. Skillet ligger ikke i verktøyene, men i sinnet, ferdighetene, fantasien og kreativiteten til kunstneren som bruker dem.

I arbeidet mitt i dag er beslutningen ikke uttrykkelig, men implisitt. Utover de enkle mekanikkene ved å bruke et kamera, er den viktigste ferdigheten som en fotografisk kunstner kan ha, evnen til å visualisere effektivt. Det vil si å forestille seg alle mulige måter å uttrykke et konsept på og velge den som passer best.

Ofte betyr dette at jeg vil instinktivt vite om et konsept er best portrayed i farger eller i svart og hvitt før jeg noen gang berører kameraet. Men det er ikke en hard og rask regel. Naturen til kreativitet er slik at epiphanies kan skje når som helst jeg er engasjert i arbeidet mitt. Noen ganger vil jeg innse etter at min opprinnelige visualisering kanskje ikke er den mest effektive, og jeg kan velge å ta bildet i en annen retning under behandlingen.

Den kreative prosessen er ikke en lineær, annet enn i sine mekaniske aspekter. Når det gjelder å uttrykke et konsept, kan nye ideer lede arbeidet på forskjellige måter. Det er viktig å ikke bli låst inn i bare ett mulig utfall. Å gjøre det kveler kreativitet, som er motoren som gjør kunst mulig.

QCH du deler noen tips for folk interessert i landskapsfotografering? Den mest åpenbare og også de som kan komme fra hjertet, hvis du tror det er noe delbart med folk? Er det en vei å gå utover de enkle teknikkforslagene?

Svaret er i spørsmålet. Teknikk er viktig, men uten følelser, fantasi, erfaring og kreativitet, i beste fall kan du håpe på godt utformede bilder. Forsøk å lage meningsfylte bilder. Disse kan bare komme fra introspeksjon.

Det viktigste spørsmålet noen kan spørre om et bilde er ikke hvordan det ble laget, men hvorfor, og hvorfor er ikke inneholdt i emnet eller verktøyene. Det må komme fra personen bak kameraet. Snarere enn å lete etter enkel estetikk, se for å uttrykke noe av din egen fremstilling - dine tanker og følelser om de tingene du fotograferer, eller om noe annet som kan komme gjennom bildet.

Det enkleste og mest effektive rådet gjenspeiles i ordene til Mark Twain: ordboken er det eneste stedet hvor suksess kommer før arbeidet. Eksperiment, arbeid, praksis, tilbringer så mye tid som mulig med fagene dine, studere, undersøke, lese, ta kurs og være forberedt på å mislykkes igjen og igjen før du lykkes.

Det er ingen snarveier. Det er et vell av kunnskap der ute for å hjelpe deg med å bygge ditt fundament, men forsøker alltid å uttrykke noe av deg selv i arbeidet ditt. Husk at det er en forskjell mellom et flott bilde og et bilde av noe flott.

QDu har publisert eBooks, Creative-serien, som dekker ulike aspekter ved fotografering. Nå har du publisert en trykt bok, Eksponeringer, Utsikt fra begge sider av kameraet. Hvordan føler du at publiseringsmarkedet er akkurat nå når det gjelder forfattere, og har du tenkt å fortsette å lage nye e-bøker i Creative-serien og også i print?

Jeg tror at publiseringsmarkedet er i en revolusjon - en demokratisering, hvor store forretningsinteresser ikke lenger dikterer hva som ser dagens lys og hva som ikke gjør det. Med ebøker kan alle være forfatter og nå alle målgrupper.

Dette har dype økonomiske og kreative implikasjoner for alle som ønsker å dele sitt skriftlige arbeid. Jeg synes det er en absolutt velsignelse for både forfattere og lesere, men bør ikke tas for gitt. Det legger også større ansvar for leserne når det gjelder å undersøke, filtrere og forbruke skriftlig innhold.

Jeg har tenkt å tilby flere titler i Creative-serien (mest sannsynlig adressering av fagene i visuell sammensetning og feltteknikker). Jeg planlegger også å tilby en annen type eBook å utforske, tør jeg si, mer filosofiske aspekter ved å nærme seg visuell kunst og fordelene ved å inkorporere det i ens liv.