Share
Ved filmmaking refererer innramming til hvordan du velger å komponere et skudd for en bestemt scene. Innramming lar deg understreke eller vise følelser, tanker, opplevelser og ideer. Det er ingrediens som legger vekt og følelse til øyeblikket.
Innramming er det essensielle uttrykksfulle verktøyet i filmskaping. I denne opplæringen lærer du om de åtte viktige måtene å ramme bildene dine og hvordan du bruker dem.
Rammer er en viktig del av å lage en historiefortellende sekvens. Mangfold i innramming gir forskjellige perspektiver for betrakteren. Det bringer seeren inn i filmen, og lar dem føle seg nedsenket i det som skjer. Innramming er veldig viktig valg! Du kan zoome inn i visningen for å se et tegns reaksjon, eller det kan du trekke seeren tilbake for å se at scenen utfolder seg langt unna. Hvordan du velger å ramme, har stor innvirkning på hvordan seeren opplever handlingen og historien.
Ikke glem at å ha et skript, din brainstorming og storyboard vil hjelpe deg med å bestemme hva slags rammer du trenger å bruke. Det handler om å være kreativ når du løser visuelle fortellingsproblemer. Ikke glem dette er din visjon! Så hold deg i tarm og hva du synes ser best ut.
Jeg har tatt med forkortelser og eksempler for hvert skudd. Du kan legge til disse forkortelsene til storyboardet ditt for å minne deg om deg selv (eller besetningen din, hvis du har en) hvordan du forestillte scenen mens du planla. Når du planlegger storyboardet ditt, må du prøve å visualisere i tankens øye hvordan du vil at den skal se ut.
En Extreme Long Shot er en som vanligvis er tatt for å etablere en scene. Det gir en følelse av sted, kontekst og miljø. Det er tatt fra en stor avstand.
For eksempel, la oss si at du snakker om hvor noen bor og du setter opp scenen. Skottet kunne være et ekstremt vidvinkel skudd av stedet: et luftfoto av nabolaget, et helt bylandskap, en skyline.
Har du noen gang lagt merke til i TV-programmer noen ganger viser de bildet eller et kart som viser terreng og land? Åpningskredittene til TV-programmer som Law & Order eller Full House, for eksempel, inkluderer denne typen skudd. Kinoografen vil at du skal vite hvor du er før du går i dybden til neste scene.
En Long Shot brukes fremdeles til å etablere en scene, men det er litt mer fokusert. En person kan være i rammen, men hvis de er, har de mye plass rundt dem.
I stedet for å vise hele bybildet som du ville for en Extreme Long Shot, kan du gjøre et langt skudd av nabolaget som personen bor i med fokus på bygningen de bor i. Long Shot kan fortsatt brukes til å etablere en område for noen. Du gir fortsatt mennesker kontekst og en anelse om hva som skal skje neste i den aktuelle scenen.
The Full Shot har vanligvis en full kroppsskudd, hovmod til noen eller en gruppe. Full Shot bidrar til å gi seere perspektiver av hvem som skal samhandle i omgivelsene som du har etablert for dem.
Hvis du har etablert bybildet, er Toronto, nabolag hvor en person bor, neste vil du kanskje etablere stedet der scenen din skjer.
Nå husk, du trenger ikke nødvendigvis å gjøre det på denne måten, du kan spille med ordren for effekt. Du kan ha en Full Shot først av en person som snakker med noen andre, og deretter gå til en Long Shot for å etablere scenen din. Det er ikke noe riktig svar når du vil bruke en ramme.
¾ Shot eller "American Shot" er et skudd hvor rammens kant halver overlåret. Dette bildet kan skape en dramatisk dialog scene.
Den kalles også den vestlige fordi den ble brukt på nytt i løpet av cowboy og vestlige scener. Da du så konfrontasjonen mellom to cowboys, var en nærmere kameraet vendt mot den andre i en standoff-konfrontasjon. Dette ble brukt til å skape en dramatisk dialog scene uten å måtte endre kameravinkelen.
¾ Shot er også bra når du vil understreke hendene og torsoen, for eksempel når motivet ditt bruker et verktøy eller redskap av noe slag.
Medium Shot er ganske enkelt; Det er et skudd av fagene dine i rammen, men bare midje og over.
Du kan bruke en Medium Shot av ulike grunner, ikke bare en dramatisk samtale som i et ¾-skudd. Det kan ganske enkelt være en samtale mellom to personer. Medium Shot gir en følelse av full interaksjon med motivet ditt.
Medium Close-Up bruker brystet opp. Det gir en følelse av mer intim samhandling, og bidrar til å fokusere publikums oppmerksomhet på en person som snakker. Personen er fokuspunktet til rammen.
I en nærbilde fyller ansiktets ansikt rammen, med en liten puste. Nærbilde er en god måte å fange når en person uttrykker følelser. I dialogscener er det en nyttig måte å lagre på ikke-verbale reaksjoner i karakterens ansikt.
Til slutt er Extreme Close-up en ekstremt nærbilde av et bestemt emne eller objekt.
Kanskje et tegn snakker om objektet i din scene og du vil vise det visuelt. Extreme Close-Up kan være intens. Det skaper en sterk vekt.
Bare husk, hvordan du rammer bildene dine er alt avhengig av hva du vil uttrykke i din scene. Du har ansvaret for hva du vil at publikum skal se og hvordan du vil at publikum skal føle. Folk aksepterer den manipuleringen som en del av prosessen med å se video. Bruk innramming for å ta folk på en reise og etablere stilen din.
Det hjelper å få en oversikt over filmen din for å finne ut hvilken type innramming du vil bruke og når. Det er mange typer bilder, så det er flott at du har muligheter, men du må også være smart når du skal bruke en bestemt ramme.
Hvis du vil vise sinne, vil du kanskje gjøre et nærbilde av noen som har en kamp med noen. Eller kanskje du vil gjøre en ¾ Shot for å vise konfrontasjonen mellom de to menneskene. Det handler om hva som fungerer best for filmen din.
Til slutt er det ingen riktig eller feil måte. Arbeid med brainstormingarket, historikkbrettet ditt og skriptet ditt, og ram deretter på måten du synes er best for din scene.
En annen ting som påvirker måten du rammer, er ditt aspektforhold. Dette er forholdet mellom høyde og bredde på rammen din. Du vil legge merke til at noen av eksemplene ovenfor har svarte streker på toppen og bunnen eller sidene. Christopher Kenworthy har en god opplæring om hvordan du bruker bildeforholdet på rammen din kreativt.
Accentsconagua