Share
Du er en unik artist med ideer du vil uttrykke og musikk du må dele. Så hvordan sørger du for at du holder sporene dine interessant og morsomt for publikum å lytte til?
I denne opplæringen ser vi på noen av de vanligste tingene som folk forsømmer å holde seg interessert i, noe som gjør at sporene deres føles livløse og kjedelige, og hvordan vi kan holde ting livlige og spennende for å holde fast på publikums oppmerksomhet.
Vi vet alle at førsteinntrykk er alt, og regelen gjelder musikk så mye som noe annet. Åpningstider av sporet ditt kan ta tak i lytterens oppmerksomhet og få dem glade for å fortsette å lytte eller gjøre dem helt unimpressed og bore dem, så det er kritisk at det første publikum hører er overbevisende.
Sangskrivere vil ofte feilaktig starte sangene sine ved å spille et vers, eller de 8 åpningene i et vers, uten vokal eller instrumental ledelse. Mens jeg forstår at dette "introduserer" sangenes smak, er det ganske kjedelig å lytte til noen akkorder som er strummet på gitaren. Hvis du skal starte sangen av instrumentelt, bruk et spennende rytmisk mønster eller en melodisk krok. Du trenger ikke engang å bruke materiale som eksisterer andre steder i sangen din.
The Beatles er mestere på fengende introduksjoner (som alt annet jeg antar). Tenk på den interessante begynnelsen til sangen "Jeg har nettopp sett et ansikt", som starter med et travelt 12/8 gitarmønster. Det er overbevisende, det har ingenting å gjøre med selve sangen, og det fungerer. Andre eksempler: Begynn med en slående, men spennende akkord eller treff og deretter dykke rett inn i sangen som i "Hard Days Night" eller "Glass Onion"; starter umiddelbart med et vokalt kor som "Hun elsker deg", "Ingen steder Man", "Eleanor Rigby", "Hjelp" eller "Hei Farvel"; starter med en unik instrumentkrok som "Ticket to Ride", "Day Tripper" eller "Drive My Car".
Vurder disse to eksemplene, hvor hvert spor begynner med en rask blomstring. Begynnelsen av sangen er umiddelbart spennende og gir deg følelsen av at du vil fortsette å lytte.
En av de enkleste måtene å bore noen er å finne en trommesløyfe du tror er kult og gjenta det ad nauseum. Det kan være morsomt å lytte til to ganger gjennom, men hvis ingenting endres, vil det ikke ta lengre tid for våre tanker å begynne å vandre og slutte å legge merke til musikken din.
En annen ulempe med kommersielle looper er at de raskt kan bli standard og cliche. Selv om lytteren ikke kan si sikkert hvor de hørte det, hvis sløyfen har blitt brukt av noen andre, kommer de til å innse at det er kjent. Bruke egendefinerte beats og lyder holder musikken din unik.
Hvis du leser denne opplæringen, er sjansene ganske bra at du vet hvordan en grunnleggende trommeslag fungerer. Hvis du i stedet for å lete etter løkker, legger du i stedet eller lager et trommesett, vil du bli tvunget til å begynne å tenke mer kreativt. Du må faktisk tenke på mønsteret du lager, i stedet for å stole på noen andre til å gjøre det for deg.
I dette eksemplet brukte jeg et 8-bits elektronisk sett med mange unike og morsomme lyder. Den resulterende beat er variert og livlig, og ikke noe jeg kunne ha kommet opp hvis jeg bare søkte gjennom mapper for en loop.
Den neste viktige grunnen til å bygge dine egne beats er at det er veldig enkelt å tilpasse og endre dem rundt. Selv subtile endringer som en skiftet symmetrisk treff eller et variert bass trommemønster vil gjøre din beat mye mer levende i hele sangen din enn de samme 4 beats igjen og igjen. Ta en titt på MIDI for denne løkken:
De eneste tingene som er nøyaktig det samme hele er den tikkende hatten (oransje notatene på G3 og G # 3) og 8-biters støy på siste beat (de gule notatene på G # 0).
Alt annet rundt disse elementene endrer seg hele tiden på små måter (sparken og snaren som holder et noe konsekvent spor) eller store måter (lydeffekter og rare treff som spiser opp ting).
Ved å ha kontroll over hvert element i settet, må vi tenke på måter å holde mønsteret mer interessant, noe som er bra for styrken av vår takt. Det er også mye lettere å gjøre endringer, vi kan bare skifte MIDI notater rundt og ikke må prøve å håndtere spleising opp lyd.
Til tross for rådene om å unngå å bruke løkker, la oss være helt ærlige: Looper er nyttige. Og de er også morsomme. Å kaste en god loop kan være en flott tidsbesparende og også et kreativt springbrett for andre ideer. Men hvis vi skal bryte ned og fortsatt bruke sløyfer en gang i stedet for å lage våre egne beats, er det minste vi kan gjøre å legge litt ekstra innsats for å gjøre dem gode.
Jeg har allerede dekket hvordan du kan krydre løkkene dine ved å automatisere EQ i en annen opplæring, så det vi skal gjøre nå, fokuserer mer på de faktiske beats i løkkene selv, i stedet for å slå på en effekt på hele sporet. Selv om du kan oppnå de samme resultatene ved å klippe opp lyd, vil dette bli mye enklere hvis du bruker noe som Stylus RMX eller REX-filer som allerede har splittet beats av dine looper opp i individuelle MIDI notater.
Det enkleste vi kan gjøre er å jobbe med en sløyfe. Her er en sløyfe som er ganske enkel:
Bare ved å se på MIDI kan vi se at det er veldig jevnt og repeterende.
La oss gjøre dette mer interessant ved å omorganisere MIDI-notatene for å lage fyllinger. Jeg gjør dette ved først å identifisere hvilke MIDI-notater som utgjør de viktige eller interessante lydene i løkken, ved hjelp av harde treff som spark og snare for rytmer og små treff som hattehatter er sprekker for fyllstoffer.
Alt det tok var å flytte rundt noen notater, men nå har vi en trommesløp som er variert og livlig.
En annen måte å bruke sløyfer mer interessant på er å stadig variere og blande forskjellige sløyfer. Denne sangen ble opprettet ved hjelp av 7 forskjellige trommel- og perkussjonsløkker:
Her er et bilde av løkkene som brukes i sekvensen:
Hvert spor er en annen sløyfe og hver farge er en variasjon. Legg merke til at mange av de samme regionene fortsetter å komme tilbake, men ideen her er å holde ting stadig variert. Du bruker et lite sett med materialer for å gi sangens samholdskraft, men de endres konsekvent for å holde lytteren på tærne.
Her er hele sangen som bruker disse løkkene, også bygget helt fra bas-, gitar- og messingløkker med samme konsept:
En av de største feilene jeg hører folk gjør er å gjøre sine mikser for opptatt. Mens de kanskje tror at de oppnår fullhet, er det virkelig de som er slutt på. Hvis du har trommer, bass, akustisk gitar, både blygitar og piano spiller akkorder og fyll, en sanger og bakgrunnssangere, spiller alle sammen samtidig hvordan i verden skal jeg vite hva jeg skal høre på? Bare fordi du har det betyr ikke at du skal bruke den.
Hvis du har både piano og gitar, kan en av de enkleste tingene du kan gjøre for å skape variasjon, få dem til å skifte. For eksempel, ha gitarist spille det første verset og piano det andre. Eller gi dem hver en annen funksjon, for eksempel å ha gitarlekkordene og pianoet bare spiller lekker og fyller mellom vokalene. I begge tilfeller vil det føre til stor skade på miksen ved å ha begge instrumentene som spilles oppå hverandre.
Sjekk ut dette eksemplet, som jeg bygget helt fra noen looper som fulgte med logikk.
"Vers" spiller gjennom tre ganger, men hver gang med en annen sammenkobling av instrumenter. Mens trommer og bass forblir det samme hele melodien, har versene enten fiol og elektrisk gitar, banjo og akustisk gitar, eller pedalstål og akustisk gitar. Hvis fiolin, elektrisk, akustisk, banjo og pedalstål alle prøvde å spille på samme vers, ville det være rotete galskap. Ved å spre dem ut og gi hver spiller sin tur til å skinne, kan lytteren fokusere på instrumentet for øyeblikket og ikke bli tvunget til å prøve å skyve gjennom rotet.
En solofløyte eller en soloobo kan høres vakker og lyrisk, men så snart du har dem, spiller de sammen, du mister hverandres unikhet og farge. Selv om du kan lage mange interessante og effektive lyder ved hjelp av forskjellige instrumentkombinasjoner, er det vanligvis de enkleste metodene som gir de beste resultatene og kommuniserer dine ideer på den klareste måten..
Noe er interessant når det tester våre forventninger. Etter mange år med å lytte til musikk har vi alle blitt vant til mange konvensjoner, et grunnleggende eksempel som er like setninger på 2, 4 eller 8 barer. Ved å leke med lengden på uttrykkene våre kan vi gjøre ting mer interessant og bryte ut fra commonality.
I dette eksemplet spiller A-delen av stykket hovedsakelig i tre strekkfraser:
Stykket kunne ha vampet for en ekstra bar for en fin jevn fire bar setning, men det ville vært lenge og unødvendig. Ved å forkorte uttrykket med en hel bar holder vi stykket i bevegelse og slår litt av lytterens forventninger. Kaster oss for en annen sløyfe, stopper det tredje uttrykket ikke ved tre stolper, men fortsetter å gå til 5 før du starter A-delen igjen. På samme måte kutter den siste setningen av den andre A-delen 3 bar-setningen kort til bare 2 barer, og forårsaker at B-seksjonen kommer uventet.
Til sammenligning, lytt til dette eksemplet hvor setningene har blitt strukket ut for å inkludere den fjerde linjen. Jeg vet ikke om deg, men det gjør meg ganske utålmodig.
En viktig ting å legge merke til i den opprinnelige versjonen er at selv om uttrykkene er uvanlige lengder, har stykket fortsatt et element av strømning. Vi bruker ikke merkelige lengder til å høre lytteren eller kaste dem helt uten vakt, men bare for å gjøre det mer interessant å høre på brikken. Det er den slags subtile teknikken som en ikke-musiker aldri ville merke, og vi ville egentlig ikke ha dem til.
Flertallet av vestlig musikk er i 4/4, med sporadisk spor som dukker opp i 3/4, 12/8 eller 6/8. Ved hjelp av en mindre vanlig tid kan signatur som 5/4 eller 7/8 legge til en unik vri på sangen din, men bare hvis den er gjort effektivt.
Ulike tids signaturer kan brukes til å kaste folk fra å komme inn i et komfortabelt spor. Led Zeppelin ville ofte bruke denne teknikken. Overvei sangen The Ocean, som har du bobbing hodet sammen til sporet når plutselig en bar på tre fanger deg bort.
Min all-time favorittbruk av odde tid i popmusikk er Peter Gabriels "Solsbury Hill". Sangen veksler mellom 4/4 og 3/4 (du kan vurdere det 7/4), men er gjort på en så jevn måte at du ikke merker noe merkelig hvis du ikke betaler oppmerksomhet. Han oppnår glattheten ved å holde en veldig stabil bass tromme på hvert kvartsnote og et konsekvent rystemønster. Sporet er aldri avbrutt, så det er aldri grunn til å føle at tiden er uvanlig, men formuleringen er bare merkelig nok til at vi kan føle at noe annet skjer. Låser av det fjerde kvartalet notatet holder også sangen konstant presset fremover.
Jeg har allerede skrevet en veiledning om hvordan du bruker The Rule of Three and Music. Konseptet sier i utgangspunktet at hvis du har gjentatt noe akkurat det samme, er det på tide å gå videre. Sjekk ut den opprinnelige opplæringen for et mer grundig utseende.
Velsignelsen og forbannelsen til musikk teknologi i dag er at vi kan oppnå nær "perfeksjon" med vår musikk. Rytmer kan være umenneskelig nøyaktig, plasser kan aldri vike fra en perfekt matematisk frekvens, og våre mikser kan svare på ned til millisekundens automatisering. Mens alle disse tingene kan være nyttige, er det veldig enkelt å ende opp med et spor som høres livløst og hjerteløst. En av måtene å bringe tilbake den "menneskelige" berøring er å inkorporere små forekomster av ufullkommenhet.
Sjekk ut første minuttet av dette stykket:
Foruten pianoet, er det ingenting som skjer, men en lang pute som holder de samme plassene hele tiden. Jeg hadde en strengkvartett spille de samme stedene veldig mykt under puten. De naturlige fluktuasjonene i bøyning, tuning og resonansen av strengene tilsatte en flair av uforutsigbarhet som ville vært umulig å oppnå ved ganske enkelt å holde fingeren ned på puten. Selv om jeg kunne ha svært enkelt strukket MIDI ut over lengden av introduksjonen og forlot det på det, ville vi ha blitt igjen med en kjedelig og statisk lyd. I stedet ved å legge til små ufullkommenheter kan vi legge til litt subtil interesse. Kombinasjonen av pute / strenger distrahere ikke fra pianoet, som er det viktigere elementet, men det har en organisk følelse som gjør at den føles som en touch mer levende.
Sjansen er at du ikke skal ha en live-spiller til din disposisjon hver gang du vil legge til en menneskelig berøring til musikken din, så hva annet kunne vi ha gjort med denne puten? Vi kunne automatisere et filter, slik at ulike frekvenser av puten kan passere gjennom på forskjellige tidspunkter. Vi kunne automatisere volumet slik at puten svinger og synes å "puste" ettersom det blir høyere og roligere. Vi kunne lag et par forskjellige pads, å få dem til å svinge forsiktig inn eller ut overhodet hverandre. Alle disse teknikkene vil bli ansatt for å holde puten fra å høres ut som en maskin, noe som gjør det til å lyde i stedet som et ufullstendig og organisk element.
Det er en fin linje mellom nyskapende og eksentrisk. Ofte når noen blir vurdert "foran sin tid", er det fordi folk ikke har brodd hullene mellom det som er standard og hva kunstneren uttrykker. Tenk deg om Eddie Van Halen prøvde å spille en ripping-solo, rive gjennom gitaren på tusen notater i minuttet, i 1955. Han ville vært enten lo av eller kanskje til og med låst opp. Det tok rock årtier å utvikle seg til å sette scenen for den slags spill.
Hvis du vil at musikken din skal være interessant, må du være unik på din egen måte, men for folk å være oppmerksom må du gi dem en slags referansepunkt. Som et eksempel, uten pounding streng orkester "Viva la Vida" ville være bare en annen Coldplay sang. Det er ikke noe revolusjonerende om akkordprogresjonen eller melodien, men den unike orkestrering for popmusikk gjør sangen spesielt interessant.
Det kan være en fin linje mellom "interessant" og "uregelmessig", noe som er en av grunnene til at konsistente, subtile endringer kan være så effektive. Minimalister som Philip Glass og Steve Reich har gjort hele karriere av konseptet at det ikke tar konstant skift i humør eller farge for å lage et flott stykke musikk, men det krever at musikken din bare er interessant nok til å holde lytteren din engasjert.
Accentsconagua