Share
I denne opplæringen vil vi gå gjennom hele prosessen med å skape en instrumentell sammensetning, fra de første skissene til en ide gjennom til den endelige blandingen. Selvfølgelig er det tusen måter å skrive et stykke musikk på, dette er bare en metode.
Du bør ikke forvente å bruke denne metoden for alt du noensinne skriver, men det bør være nyttig for deg å se en prosess for å utvikle en komposisjon i denne stilen.
Dette blir ikke skrevet til film, så det er ikke noe drama som blir diktert av handlingen på skjermen. Generelt vil jeg utvikle stykket for å lede meg hvor det vil gå, så jeg skal bare planlegge noen få ting. Jeg vil lage en 1: 30-2: 30-minutters instrumental spor i en understreket drama / thriller stil. Brikken skal føle seg mystisk med visse øyeblikk av interesse. Det er alt planleggingen jeg skal gjøre, vi ser hvor resten fører oss.
Vær også oppmerksom på at et av målene for å skrive dette stykket skal komme raskt ut, så selv om vi vil gjøre det bra, finner vi også gode steder å ta snarveier som repeterende seksjoner eller loopingideer.
Det første jeg liker å gjøre er å finne en slags grunnleggende fragment for å få meg i gang. Jeg kunne tilbringe dager som stirrer på en tom side / skjerm uten å anta hvor du skal begynne, så det beste for meg å gjøre er å laste opp en lyd og bare starte noodling. Du kan starte med alt du liker, selv om jeg generelt prøver å lene seg mot instrumenter som kommer til å høres godt ut som MIDI som pianoer, tastaturer, harpe eller hengekøye perkusjon.
Vibes sound intreresting til meg for øyeblikket, så jeg skal laste opp et enkelt vibes instrument i EXS. Legg til et snev av reverb for smak, og så begynner jeg bare å spille på tastaturet uten å klikke, riffing på forskjellige mønstre og lick og prøver å føle seg rundt for noe som føles inspirerende.
Det er ikke mye av en vitenskap til det på dette stadiet, men generelt ser jeg etter noe med noen grunnleggende krav:
Her er hva noen av min noodling rundt hørtes ut som:
Etter ca 8 minutter med å rote rundt, landet jeg på denne slikken som jeg trodde hadde potensial:
Det jeg liker om denne slikken er både hopprytmen til de to første beatsene (En - og en to - og en tre), men også tritonintervallet i melodien til de andre to beatsene (E Bb Ab E). Legg merke til den lave Eb på beats 1 og 3 som er veldig jording og stabil. Jeg holder også bærepedalen nede for hele slekten, noe som gir en utvasket romslig følelse.
Jeg registrerte ikke et klikk, så jeg må nå finne det rette tempoet (føles som om det er 85bpm) og spille i en renere versjon. Jeg vil også kvantisere det og rette ut hastighetene til alle være de samme ved å bruke MIDI Region Parameters-boksen øverst til venstre i arrangere vinduet.
Her er vår rydde opp slik:
Dette er den eneste scenen som skriver brikken som vi skal tilbringe tid med å nudle rundt for en ide. Fra nå av er målet å få ideene ut av hodet og inn i sesjonen så raskt som mulig. Stol på instinktene dine. Hvis du hører en kul piano linje i hodet ditt, ta det ned og fortsett å fortsette. Timer kan bli bortkastet ved å gå over de samme to tiltakene igjen og igjen til du tror de er "perfekte", men nå har du hørt materialet så mye at du har mistet alt perspektiv. Husk at musikken er lineær og hold den flytende.
Nå som vi har vår første ide, kan vi begynne å utvikle alt annet rundt det. Det enkleste jeg kan gjøre er å velge min region, slå L, og få den til å bli uendelig.
Ved den femte gjentakelsen vil det begynne å kjøre meg litt nøtter, så la oss begynne å spise det opp. På femte måten hører jeg en hard bass og trommeslag, så jeg skal laste opp en bass og taiko trommeplate og få dem til å slå en lang Eb.
Taiko hit er ganske kjedelig, så la oss krydre det opp ved å legge til et 32. notat blomstre inn i det. Det vil ikke være helt annerledes, men vil legge til litt mer subtilitet. Legg merke til at jeg har hastighetene økt til nedslaget er høyest hit.
Det er fortsatt flere ting vi bør gjøre for å gjøre introduksjonen mer interessant, men vi lagrer finjusteringen til senere. Det er viktig at vi fortsetter å pløye fremover og jobbe med å få det store bildet på plass.
Ved stolpe 9 har vi hørt mye av introduksjonen og vibes slikker begynner å bære seg litt ut, så vi bør plukke opp ting ved å bringe inn vårt viktigste A-materiale. Jeg hører lydspor på en enkel melodilinje, som jeg skal spille inn over vibene.
Jeg flater ut hastighetene, kvantiserer tiden og bruker modulering for å skape dynamikk og form. Se veiledningen om hvordan du lager mer uttrykksfull MIDI-musikk for detaljer om hvordan du bruker modulering på denne måten.
Selv om denne melodilinjen er veldig enkel, er det noen viktige ting å legge merke til. Det er et rytmisk mønster med Bb-pickupen som går ned i nedadgående notater. Den tredje linjen er uttrykket i uttrykket, fordi ikke bare B er det naturlige dissonante notatet i mønsteret, men det rytmiske mønsteret er også brutt. I stedet for den stiplede halvnoten til kvartnotermønsteret som vi har etablert, har vi to halvnotater. Begge disse elementene gjør dette tiltaket mest spent, noe som også gjør den lange Bb-følelsen på slutten føler seg spesielt avslappet og rolig.
Legg merke til at melodien er fem måler lang i stedet for den typiske fire. Dette tillater ikke bare å puste litt ved det femte målet, men det er også en subtil måte å opprøre den perfekte balansen mellom jevne setninger, noe som gir økt interesse og ustabilitet.
La oss gjenta dette uttrykket, men denne gangen i stedet for en avtagende melodi, vil jeg få den å snu og klatre opp, og igjen lagre det mest dissonante notatet for "klimaks" av uttrykket før du slapper av på Eb.
Nå som vi har en to-setnings melodi, kan vi vurdere at vår A-seksjon. Siden vi bare har hørt det hele veien en gang, la oss gjenta det, men denne gangen vil vi holde det interessant ved å intensivere orkestrasjonen.
Jeg kommer til å forlate to barer ved slutten av den første A-delen før du begynner vår gjentagelse, som vil fungere som et øyeblikk av pust og legge til den "mystiske" kvaliteten vi skal.
Jeg skal gjenta strengene, men denne gangen vil jeg doble dem med en spooky synth. Jeg har valgt Starry Night-oppdateringen som er en forhåndsinnstilt i Skulptur. Jeg skal hente opp en oktav, og resultatet gir melodien lengre lengsel.
Deretter legger jeg mer intensitet til den generelle følelsen ved å ha bassen slått et lavt Eb hele notat på hver stolpe. Selve delen er ikke veldig interessant, men det legger vekt på alt rundt det.
Den andre tingen som kan bruke litt variasjon er våre slitne vibber slikker, så jeg skal prøve å fordoble det på harpe for å se om det endrer det opp nok. Jeg får det opp en oktav og også veldig stille, så det er bare litt følt.
Så her er det vi har så langt:
Og hva sesjonen ser ut: (se seksjonene som er bokstavelig kopi pastaer av tidligere materiale)
Det er fortsatt litt kjedelig, men nå har vi en oversikt som er viktig på dette stadiet.
Som jeg nevnte i begynnelsen, er mållengden for brikken bare 1: 30-2: 30. Siden vi allerede er klokka 1:15, har jeg egentlig ikke tid til å utvikle en forseggjort B-seksjon. På den annen side kan stykket bruke en slags variasjon fordi bare å gjenta A-seksjonen en gang til ville være ganske kjedelig. Så for å løse dette problemet vil jeg lage en veldig kort B-seksjon som er basert på A-materialet med bare noen svært små endringer.
Den mest åpenbare tingen jeg kan forandre er harmonien, som har vært på en Eb-pedal siden begynnelsen av stykket. Jeg kommer ikke til å bli komplisert her i det hele tatt. Enkle harmoniske endringer kan være like effektive som mindre vanlige, så jeg vil bare ha B-delen på en Ab. For å gjøre dette vil jeg ha basen legge ned et fint fett Ab og justere noen av plassene i vår vibes ostinato for å reflektere endringen.
Jeg skal gjøre Ab for to målinger og deretter tilbake til Eb for to målinger. Legg merke til hvordan Ab (iv-akkordet) føles som det løfter oss opp, og så legger Eb oss ned igjen.
Jeg tror det er et bra sted for vår taiko, så jeg legger ned et veldig enkelt mønster, som jeg også vil etterligne med basen. Her er begge deler (basen er rød):
Til slutt legger jeg til en melodi på strenger og synth, igjen noe veldig enkelt. Jeg vil da gjenta alle fire stolper for en åtte bar B-seksjon.
Noe interessant skjedde da jeg la til melodien jeg hørte i hodet mitt, som var utilsiktet, men fungerte bra. Jeg hadde tenkt at harmoniendringen skulle være fra Ab-minor til Eb-minor, men på grunn av melodienotene endte vi faktisk med Db minor / Ab til Eb minor. Funksjonelt fungerer det fremdeles mitt formål med spenning og frigjøring, men på en annen måte enn forventet.
B-delen ga oss en sjanse til å hvile fra A-materialet, så nå når vi tar det tilbake, vil det ikke være så kjedelig. La oss gjenta den fulle A-delen bare en siste gang som enden til vårt stykke. Alt jeg skal gjøre er å kopiere og lime inn vår andre A-seksjon, og plasser den etter B-delen. Enkel nok, men jeg skal justere, så det er mer en "slutt" ved å ta ut noen elementer for siste halvdel av seksjonen. Jeg vil dempe alt, men synth og harpe for den siste setningen, noe som vil gi stykket mer en følelse av at det kommer til å lukke.
Her er hele stykket så langt, som jeg vil si er 90% der:
Nå som grunnleggende komposisjon er på plass, er det på tide å gå tilbake og legge til interesser og farge. Det betyr ikke at vi bare skal dekke hele saken i percussion og effekter, fordi det på egen hånd fungerer stykket generelt. Vi bør bare finne noen fine øyeblikk for å legge til interesse og finjusteringer.
For å komme igjennom denne prosessen effektivt finner jeg det hjelper å lytte gjennom hele stykket, ta notater underveis om ideer for hva du skal bruke. Da blir listen bare en sjekkliste, som du raskt kan flytte gjennom å sjekke av ett element om gangen. Som jeg nevnte tidligere, kan du tilbringe timer med å gjenta to tiltak igjen og igjen til du kjørte deg gal, men denne teknikken tvinger meg til å komme inn, få det gjort og gå videre.
Lytt gjennom brikken, her er hva jeg synes jeg vil legge til.
Alle disse notatene gjelder enten å fylle hull, legge til et element for å gjøre en seksjon unik fra en annen, eller trekke oss inn i nye seksjoner. Nå begynner jeg å gå ned på listen
La oss starte med en interessant lyd i begynnelsen. Interessant trenger ikke å bety uvanlig eller kompleks, selv en sterk tromme kan være en interessant måte å lede oss av. Jeg skal gå for en lang og dyp bassdrumtast. Jeg vil gjøre det fint og dypt ved EQing av høyden, og lenge ved å legge til det egne reverb plugin.
Deretter legger jeg til en uhyggelig pute til introduksjonen. Jeg velger en underliggende lyd med mye bevegelse, som kombinert med vibes ostinato vil gi øre mer en utfordring for å prøve å holde tritt. Jeg har lastet opp "Random Wave Groove" forhåndsinnstilt i ES2, som på egen hånd er for eksplisitt synth-lydende.
Etter at jeg kaker den i reverb og rulle av den lave enden, vil det høres mer mystisk ut. Jeg vil få det til å falme inn i begynnelsen og deretter tilbake igjen til den første A-delen.
Deretter har vi cymbalskrapen i bar fem, lett nok. Jeg vil også legge til litt reverb og forsinkelse.
Deretter har jeg et notat for å legge til shaker til den første A-delen. Jeg skal registrere en live shaker, hvor feilene hans vil legge til litt subtil nyanse (knapt merkbar, men det hjelper). Jeg markerte bare A-delen i notatene, men jeg registrerer den gjennom hele stykket (det tar bare to minutter!) Slik at jeg kan velge og velge hvor ellers jeg kanskje vil ha det.
I dette tilfellet vil jeg få det til å begynne i den andre delen av introduksjonen. Her er vår nye innføring i den første A-delen:
For puten bruker jeg noe veldig tynt og glatt, Beroligende forhåndsinnstilling av EFM1. For det meste holder du bare en Eb og Bb, men ekko deretter Gb til Eb-intervallet fra melodien i nærheten av enden. Jeg tror også jeg trenger litt mer for å fylle ut plassen på slutten av den første A-delen, så jeg tar tilbake puten fra introduksjonen.
Jeg har forandret meg om lyden som trekker oss inn i den andre A-delen, jeg føler at bass og synth er nok til å foreslå bygg og utvikling uten å hamre starten på hver ny del over hodene våre med en stor hit. Slik lyder den andre delen av vår første A-del nå:
Jeg vil gjenbruke Calming-puten til den andre setningen i A-delen igjen, denne gangen bare litt høyere. Jeg vil også gjenbruke cymbalskrapet som en ledelse inn i B-delen.
Neste kommer perkusjon i B-delen. Jeg har holdt shakeren på dette punktet, så jeg skal bare legge til et nytt lyselement: en tikkende hue. Jeg vil også legge til en cymbal-rulle som kommer ut av B-delen og trekker oss inn i den siste A-delen. Her er den nye B:
Jeg har stoppet shakeren i den siste A-delen for å begynne å sette opp ideen om at ting dør ned.
I den siste setningen bringer jeg både vår Calming Pad og den bevegelige Intro Pad, som vil gi en følelse av plass, og få dem begge til å falme ut med synthen på slutten.
Jeg bruker en ritard for å få harpa til å føle at det gir opp damp. For å gjøre dette vil jeg sette et tempo punkt hvor jeg vil at ritten skal begynne, måle 46 og hvor jeg vil avslutte den, 49.
Deretter bruker jeg tempo-editoren til å lage ritarden ved å dra det siste punktet ned og lytte tilbake til det føles riktig. Jeg vil også justere kurven for å bli langsommere senere i uttrykket.
Til slutt renser jeg slutten av harpostinato, slik at de to siste plassene slutter sammen veldig mykt.
Her er vår nye slutt:
Så her er hvordan det endelige stykket ser i sequencer:
Vel det er det, nå legger vi til noen grunnleggende mastering, og vi er ferdige!
Mange av dere vil trolig forvente at nå at alle elementene er på plass, er det på tide å gjøre en blanding. Vel jeg tror at for den måten vi har skrevet, er det sløsing med tid. Siden hvert element har vært under kontroll gjennom hele prosessen, har vi blandet dem som vi jobbet. Hvis du har gjort det så langt inn i å skrive stykket og ikke har blitt blandet mens du går, vil jeg bli veldig overrasket, så hva forventer du å blande på slutten?
Vår "mix" bør bestå av et siste pass eller to bare sørge for at alt sitter pent og fungerer. Jeg skal justere noen nivåer her og der, men generelt blir alt igjen.
For veldig rask og skitten mastering har jeg en tendens til å laste opp en logisk forhåndsinnstilling, og kanskje gjøre subtile justeringer om nødvendig. For dette stykket bruker jeg egentlig den utilstrekkelige navnet Final Pop Master Wide og bruker standard Multipress, Direction Mixer og AdLimit innstillinger. I stedet for Match EQ bruker jeg en vanlig kanal EQ og bruker analysatoren for å kontrollere at ingen frekvenser er ute av kontroll. Ofte vil jeg ende opp med å rulle av noe av den lave enden og oppreise en hylle i høyden bare et snev.
Selvfølgelig er dette bare en rask og funksjonell måte å få gjøre noen grunnleggende "mastering". Det er fantastiske teknikker for å gjøre en seriøs jobb, og jeg oppfordrer deg til å sjekke ut Audiotuts + Mastering-opplæringen, men med fokus på å skrive ut musikk virker denne metoden bra.
Så her er det, det siste stykket. Vanligvis vil et stykke som dette ta mindre enn en time å lage, mindre enn to hvis jeg skal registrere en haug med levende elementer. Det er ikke noe kunstverk, men det fungerer og det oppfyller våre stil- og lengdekriterier. Dette er musikk for å tjene en funksjon (kanskje for understreket i et TV-program eller en film), vi skriver det ikke for å skape et uttak for ekte selvuttrykk. Av den grunn er det viktig å ha metoder for å kunne produsere denne typen musikk raskt og effektivt.
Accentsconagua