Share
Enten du er opptatt av en komiker eller en musiker som vet hvordan man improviserer, er et viktig håndverk. Selv om denne artikkelen ikke vil lære deg hvordan du skal improvisere, vil det gi deg et innblikk i tankeprosessen bak den og verktøyene du må starte.
I musikalske termer er improvisasjon prosessen med å utføre eller komponere musikk i sanntid, i fly, i øyeblikkets anspore, av mansjetten eller hva du velger å kalle det. I utgangspunktet gjør du det opp som du går! Dette kan inkludere skapelsen av nye musikalske ideer eller en ny tolkning av en eksisterende melodi eller sammensetning. Hele poenget er at det ikke forutsettes, men strømmer naturlig fra deg når du spiller med hvilken retning du ønsker.
Det morsomme er at vi er alle improvisatorer! Hver person på planeten gjør det opp når vi går. Vår evne til å løse problemer, ta beslutninger raskt og handle på dem, intellektualisere tanker og abstrakter og utvikle dem til konkrete objekter og scenarier i sanntid, er det som har gjort oss til en så vellykket art. Disse mentale og følelsesmessige prosessene vi opplever på daglig basis, ligger også i hjertet av improvisasjon.
Nå improviserer er vanligvis forbundet med Jazz and Blues, men sannheten er med mindre du spiller musikk som er stift konstruert og preformed 'akkurat' det samme hver gang ned til siste liten detalj, improviserer du!
Det store med improvisering er at alle kan gjøre det, du trenger ikke å ha en grad i jazz eller være musikalsk underverk. Det er gøy og en viktig del av det som gjør deg bra, du! Åpenbart er det et stort emne, og jeg kan ikke dekke alt i en artikkel, men jeg kan forklare noen av de grunnleggende konseptene og tankeprosessene bak god improvisasjon, det mest nyttige er parallellene mellom språk og musikk.
Nå er improvisasjon ikke for alle. Noen musikere improviserer aldri, og til andre er det den hellige gral og en livstid som strekker etter perfeksjonen av deres kunstform. Klassiske musikere er et godt eksempel på ikke-improvisere. Nå vet jeg det er en feiende generalisering, men for det meste er det sant. Dette er delvis ned til det faktum at klassisk musikk ikke er en improvisert sport, den har strenge regler og tradisjoner og er lest fra papir. Tenk deg et 60-stykke orkester i et rom og lederen sier, "Ok, la oss syltetøy i C!" Katastrofe!!
Det er åpenbart unntak, og jeg vet mange fantastiske klassiske spillere som improviserer veldig bra. Dette skyldes at de har musikalske interesser utenfor klassisk musikk, vanligvis Jazz.
Ta Gabriela Montero. Denne kvinnen er overnaturlig talentfull. Hun har tilsynelatende evnen til å improvisere på en hvilken som helst melodi som presenteres for henne tilfeldig. Som barn ble hun aktivt avskåret fra hennes improviserende ferdigheter av hennes klassiske pianolærer, som merket hennes talenter som "ubrukelig". Hun var så forferdet av dette hun ga opp med å spille i årevis. Heldigvis for oss startet hun igjen og kombinerte sin klassiske trening med sin kjærlighet til improvisasjon. Ta en titt på henne ta på den berømte gitarstukken 'Asturias'. Mind bøying!!!
Nå er det vanligvis den første tingen du tenker på når du hører ordet improvisasjon, utvidet, selvtillit overbærende gitar solos, 45 minutters Jazz Tuba freeform eksperimenter, og intellektuelle i svarte polar nakke gensere skrape sine goatees! Å si at jeg en gang gikk til en konsert hvor støtten var en fyr som spilte et dekk med en elektrisk sander i en halv time! Han hadde på seg en svart polar hals !! Sannheten er at å skrive en sang er en form for improvisasjon, du gjør det opp når du går, og skaper noe nytt som ikke eksisterte før. Denne raske etableringen blir deretter finjustert, arrangert, produsert og presentert som et ferdig stykke til verden.
Hvordan skjer den første gnisten av en ide skjønt? Hvor kommer det fra? Enda viktigere når det kommer, hvordan kan vi utnytte det og forme det til noe meningsfylt for lytteren når det skjer? Når improvisasjon skjer, skjer denne prosessen hele tiden. Nye ideer og musikalske historier blir født, spilt, pyntet, omorganisert og kastet til fordel for enda bedre i en alarmerende takt. Noen ganger forteller vi en gammel historie på en ny spennende måte.
Improvisasjon er funnet i de fleste om ikke alle kulturer. Det kommer vanligvis i form av tradisjonelle musikalske former som har blitt sendt ned gjennom generasjonene som fortolkes og improviseres kontinuerlig av den nye rasen av musikere.
Et godt eksempel på dette er Blues. '12' bar 'form' er veldig enkelt i konseptet, men harmonisk 'veldig' komplekst samtidig. De samme tre akkorder og enkle skalaer (pentatoniske) har blitt brukt som grunnlag for det som virker som en uendelig mengde melodiske variasjoner og improvisasjoner. Det samme gjelder for 'Ragasene' som er en indisk musikalsk form. Selvfølgelig hva som gjør disse "rammeverk" -variasjonene unike er personlighetene og talentet til de utøvende.
Improvisasjon er heller ikke begrenset til konvensjonelle instrumenter, og kan indulges av en eller en hel ensemble av villige musikere og lyddesignere. Elektronisk gadgetry og forberedte instrumenter har alltid vært stor kilde til eksperimentering og improvisasjon.
Et interessant konsept består av improvisasjon. Dette hvor musikk er skrevet og notert på en slik måte at det var åpent for tolkning av musikerne. Nedenfor er bildet av et stykke av Joe Pignato. Brikken er beskrevet som "En grafisk struktur for et hvilket som helst antall improvisere". Som du kan se er det ingen skriftlige notater bare en tidslinje og en indikasjon på hvor lyden skal forekomme i frekvensspekteret.
notations21.net
Det interessante er at selv om stykket har struktur, er det ingen måte det kan høres det samme to ganger. Å se som det ikke er noen indikasjon på hvilke lyder som skal spille hva, ville musikerne bare improvisere og ta beslutninger basert på hva de trodde ville fungere sonisk.
Når du går til et fremmed land, er det to ting som du finner forvirrende. Geografi og språk. Dette er også de to viktigste hindringene i å kunne uttrykke seg på et instrument fullt når improvisere.
La oss starte med Geografi. Å vite hvor notene er på instrumentet ditt er like viktig som å vite hvor du skal finne mat og vann på et ukjent sted. For enhver musiker er det å lære instrumentets geografi en grunnleggende nødvendighet. Etter å ha lært på et stort gitarinstitutt (og deltok i en), er det første du merker at studentene blir overveldet rent fordi de ikke vet hvor notatene er. Som lærer er det din plikt å prøve å få dem til fart, for noen kan det vise seg å være for mye.
Å kunne visualisere notatene før du spiller dem (spiller ingen rolle om du spiller Gamelan eller Stylophone) både mentalt og fysisk, mens de relaterer dem teoretisk til en musikalsk situasjon (harmonien, dvs akkorder, nøkkel) er "nyttig", jeg Jeg legger det mildt! Disse visuelle verktøyene tar vanligvis form av former, mønstre, fingerings osv. Du sannsynligvis aldri vil si de faktiske notatene i hodet ditt mens du spiller dem, men heller ubevisst plasserer hendene dine, pinner, elektrisk sander på stedet du vet vil Lag lyden du vil høre. Å si at hvis noen kaller noen akkorder som G7, F13 og C9, og du ikke vet hvor disse notatene er la alene, 7 og 13-årene, vil disse verktøyene ikke gjøre deg så bra som du ikke har noe referansepunkt. Litt som å bruke en sekstant 'inne i et skip'.
Å si at du kan ta trøst i disse ordene. "Din eneste noen gang en halvton unna et riktig notat".
Dette bringer oss til språk, og musikk er et språk! Her er avtalen, når du snakker bruker du språk for å formidle en ide til noen. Du tenker ikke bevisst på hvordan ordene staves, tegnsetting, eller hvor mange substantiver og adjektiver du bruker, du sier det bare. Dette er fordi siden du er gammel nok til å snakke, har du bygd opp et ordforråd av ord og uttrykk og samtaler med mennesker på daglig basis. Det er bare naturlig.
Dette er akkurat hva som skjer med å spille et instrument. Jo mer du lærer, spiller og trener jo større ditt musikalske vokabular blir til en dag, trenger du ikke lenger å analysere språket for å formidle ideen. Den flyter naturlig. Et musikalsk vokabular vil bestå av kunnskap om skalaer, intervaller, akkorder, setninger, stiler, teknikker, følelse, timing, dynamikk, tone osv. Du bruker disse til levering av en musikalsk ide på samme måte som du bruker variasjoner i timing , tone og dynamikk til "snakkespråk", bruker stemmen din til å forbedre meldingen du legger over. Enkel!
Likhetene mellom musikk og talespråk går videre og igjen. Å være en god lister er en viktig, evnen til å oppdage skift i harmoni og dynamikk og å reagere raskt på dem, er avgjørende. Et sympatisk øre vil tjene deg godt. Du har også fått vite når du skal holde munnen lukket også!
Lese kroppsspråk. En fantastisk mengde informasjon er bestått når vi snakker gjennom kroppsspråk. Å holde øye med og se på andre musikere er også svært viktig. Hvis en trommeslager nikker på deg, kan det bety en av to ting. Enten, sjekk ut blondinen i forreste rad eller gjør deg klar somethings kommer til å skje musikalsk. Vanligvis er det tidligere skjønt!
Til slutt er timing eller tegnsetting. Du gjør ikke, (hvordan kan jeg sette dette?) Kaste en historie over lytteren på 100 miles i timen uten å puste. Du tar deg selv. Du legger til pause, dynamikk og pynte viktige ideer for å tegne lytteren slik at de vil høre historien til slutten! Det samme gjelder for improvisasjon og sammensetning. Sannsynligvis er det viktigste punktet her historien, eller ideen du vil formidle. Ordforrådet er bare verktøyet som brukes til å formidle ideen!
Du trenger ikke å lese eller skrive musikk på papir for å være en god musiker eller improvisator. Det er en god ferdighet å ha skjønt. I det minste bør du kunne forstå og kommunisere navngivningskonvensjonene knyttet til akkorder og skalaer og kunne bruke dem på instrumentet. Her er en samtale for å forklare poenget mitt.
Du: "Hei, jeg har denne oppskriften (sangen) og den trenger denne bestemte ingrediensen (akkord), kan du få den for meg fra butikken? (Spill den)"
Me: "Sikkert hva heter denne ingrediensen (akkord)?"
Du: "Jeg er ikke sikker."
Meg: "Kan du beskrive det?"
Du: "Jeg skal prøve. (Fumler for å finne et C-notat) Det er gult."
Me: "Er det en banan? (C major?)"
Du: "Nei"
Me: "Er det en melon (C 7)?"
Du: "Nei det er litt surt (en mindre 3dje kanskje?), Men søt også (en niende?)."
Me: "Er det en sitron (C min 9)?"
Du: "Nei, faktisk er det mer søtt enn surt!"
Me: "Er det en grapefrukt? (C7 # 9)"
Du: "Ja mann, det er det"
Meg: "Er du på rusmidler?"
Som du ser vil du kaste bort mye tid på å prøve å forklare et musikalsk konsept hvis du ikke kjenner språket. En god produsent vil vanligvis komme fra en musikalsk bakgrunn og vil vite hvordan man snakker lingo med musikere, i et produksjonsmiljø kan du ikke fortelle en musiker å høre mer 'aubergine' og forventer at de forstår hva du mener. I en fastkjørt situasjon kan du ikke peke på en hån og forventer at tastaturspilleren forstår hva du mener som de ikke har frets. Etc etc.
Når du bruker musikkens skriftlige språk (på papir) må du være langt mer bevisst oppmerksom på stavemåten (notat / akkordnavn), tegnsetting (timing / dynamikk) og grammatikk (frasering) fordi du prøver å formidle ideen visuelt til noen kanskje på den andre siden av verden uten å si det. Staving det feil vil resultere i at leseren ikke er i stand til å forstå det, eller misforstå ideene dine. Like hvis jeg presenterer deg med et enkelt akkorddiagram i studiet og ber deg om å gjøre en del basert på disse akkordene, kan du umiddelbart identifisere hva du ser som en musikalsk lyd? Her er et eksempeltabell.
Kan du høre akkordene? Kan du se akkordformene? Hva om jeg vil ha dem en oktav høyere? Hva er de viktigste notatene i hvert akkord? Hvilken skala går med hvert akkord? Så mange spørsmål! I mange økter / gigging-situasjoner er evnen til å lage deler fra et diagram i fly standard praksis. Noen ganger er det ikke engang et diagram, så du må arbeide akkordene ut raskt når du hører og lager en del som passer til stilen til musikken der og da.
I utgangspunktet hvis du vil henge ut i 'Musicland', kan du bedre lære språket!
Når du begynner å spille et instrument, er det første du vil gjøre, å finne ut det som inspirerte deg til å plukke opp det. For gitarister riffs og ligner, for trommeslagere en favoritttslag. Faktisk vil du tilbringe det meste av tiden som en nybegynner som trener andre folks materiale. Dette er trolig den beste måten å lære. Problemet er på et tidspunkt du kommer til et punkt der alt du kan spille er andre folkeslag. Og når du klemmer deg, gjentar du alle de lekene som er ordentlige og går raskt tom for damp.
Dette skjer mye med gitarister som lærer alt fra TAB. Det kommer til et punkt der de ikke klarer å tenke for seg selv, de kommer inn i en felle for å lære avanserte setninger av rote i stedet for å lære teorien og grunnleggende teknikker bak dem. Det første en student vil spørre når du viser dem en slikk er: "Kan du TAB det for meg?". Mitt svar er vanligvis, "Nei, i stedet skal jeg forklare hvordan jeg kom opp med det, hvilken skala det kommer fra, teknikkene den bruker og hvordan det gjelder akkordene. På den måten får du muligheten til å gå vekk og lag dine egne licks for resten av livet ditt. "
En av de beste rådene jeg kan gi deg er å finne en god lærer, og lære av øret. Prosessen med øreopplæring og transkribusjon av musikk er smertelig sakte til å begynne med, men belønningene er gode. Sammen med noen teori og teknikk undervist av en god lærer som jobber med øre, blir det mye lettere. Fordelen er å identifisere skalaer, akkorder og setninger ved øret er viktig for improvisasjon. Du vil også huske noe du jobbet hardt for mye bedre enn noe som kom fri. Hvis du prøver å trene en solo, og du kan finne ut hvilken nøkkel det er i, hva akkordene er og hvilke skalaer (og stillinger) blir brukt sammen med lyden av teknikkene ved "øret" halvveis der allerede!!
Improvisering er en kunstform, ingen tvil. Det kan ta lang tid å få det bra. Selv om du har spilt en rekke år, vil noen dager være gode, og noen vil være dårlige. Uansett hvilket instrument, objekt eller "programvare" du spiller lærer å improvisere, er en fin måte å ha det gøy på og forbedre deg selv som musiker. Det vil hjelpe deg ut av klissete situasjoner, og du vil alltid lære noe av det. Hvis du bare vil jamre med vennene dine, trenger du sannsynligvis bare en grunnleggende forståelse av akkorder og noen få arbeidshestskalaer som Pentatonic og Major / Minor etc for å se deg gjennom. Hvis du ønsker å ta det videre, er det en studietid foran deg. Uansett, ha det gøy med det og vær kreativ!
Hjernen din er en rask maskin, som en 10 000 GHz Intel Xeon 100 000 kjerne megaprosessor (selv om ytelsen kan variere på enkelte modeller). Med riktig programmering er hjernen i stand til å tillate opprettelsen av nye og spennende lyder, melodier, harmonier og rytmer alt i sanntid! Uten verktøyene for å fange disse unike improviserte hendelsene, forsvinner de inn i aeteren uten spor uten å bli hørt igjen, bare bor i minnene til dem som har sett dem. Denne musikalske prosessen skjer over hele verden, akkurat nå som du leser dette. Og vil gjøre til slutten av tiden!
Accentsconagua