Share
I mange musikers sinn er musikkproduksjon enten en slags trollkarl eller overhypet køye. Selv om det er sant at det enten er en mulighet, kommer produsentens jobb mesteparten av arbeidet, opplevelsen, noen gode ører og en ekte følelse av hva som gjør musikken til å fungere. Denne serien om musikkproduksjon er basert på min nye bok, The Music Producer's Handbook, hvor jeg skisserer noen grunnleggende produksjonsteknikker og forhåpentligvis fjerner mysteriet fra mysteriet fra prosessen. Vær oppmerksom på at vi skal se på forholdet til en produsent med et band eller en artist med et band eller studio musikere. Vi vil takle selvproduksjon senere i serien.
Preproduksjon er den tiden da alle sangene og arrangementene blir utarbeidet og hert før de går inn i studiet for å spille inn. Det kan foregå i en garasje, et soverom eller et prøverom, og kan vare fra så lite som en dag til et par måneder.
En lang preproduksjonsplan er generelt en funksjon av å jobbe med kunstnere eller band som skriver egne sanger og er tidlige i karrieren, siden sangene og arrangementene noen ganger krever en hel del tilpasning. Kunstnere og band senere i karrieren har vanligvis en større følelse av arrangement og musikalsk utførelse, og har blitt sofistikert nok musikalsk for å holde preproduksjonsfasen til et minimum som et resultat.
Det er neppe noen preproduksjon for reklamefilmer og film- eller tv-poeng siden komponisten har arrangementet ganske godt utarbeidet på forhånd, og musikerne er dyktige nok til å lære eller lese det på stedet.
Hvis det er nok tid, er preproduksjon brutt i tre seksjoner: før, under og etter repetisjoner. Hver spiller en stor rolle i prosessen med å forberede kunstner eller band for selve opptaket.
Før den første repetisjonen begynner, vil produsenten vanligvis ta tid til å bli kjent med kunstneren eller bandet, og omvendt, hvis de ikke kjenner hverandre godt allerede. Det må være en periode hvor en rapport og komfortnivå er utviklet for at ting skal gå glatt i studio, og preproduksjon er tiden da det skjer.
En av de viktigste aspektene ved å bli kjent med en kunstner er å lære hvilken musikk hun elsker, var påvirket av, og lytter til nå. En effektiv måte å gjøre dette på, har sine røtter i dagene med vinylopptaksalbum, da produsenten ville gå til kunstnerens hus og få dem til å kaste en haug med album fra sin samling på gulvet, og deretter beskrive hva de likte og gjorde ikke ' t liker om hver av dem. Du kan fortsatt gjøre det samme med CDer, eller bruk en telefon, iPod eller iTunes-spilleliste (uten å kaste, selvfølgelig). Blant spørsmålene du kan spørre kan være:
Hva liker du eller misliker om kunstneren du lytter til? Hvorfor?
Liker du lyden av opptaket? Hvorfor?
Hvilke opptak liker du lyden av? Hvorfor?
Hva er noen av dine favorittrekorder? Hvorfor?
Hva er dine største innflytelser? Hvorfor?
Hva liker du om arbeidet mitt (produsenten - hvis du allerede har en jobb)? Hvorfor?
Disse spørsmålene gir produsenten en forståelse av kunstnerens innflytelser, liker og misliker, noe som gir produsenten en bedre ide om hva kunstneren eller bandet trenger å høre deres kommende opptak.
Det er også viktig å gå på middag sammen, for å henge ut, og for å få en følelse for noen av problemene med hot-knappen. For eksempel, hvis sangeren føler seg sterkt om innvandring (uansett), eller staten av nåværende lokal eller nasjonal politikk oppmuntrer til et nær opprør mellom bandmedlemmer, vet produsenten da å holde seg borte fra disse problemene for å effektivt få noe arbeid gjort senere under produksjon. Hvis trommeslagerens kjæreste bare brøt sammen med ham, og han føler seg ganske deprimert, er det godt å vite at han ikke skal gå hvor som helst i nærheten av motivet hvis du vil ha en god ytelse. På den annen side får du en enda bedre ytelse hvis motivet blir tatt opp, så det er på tide å finne ut hvilken vei å gå.
Selv om produsenten kan side med kunstnerens eller bandetes politikk, eller kanskje låne en storebror som hjelper hånden til en deprimert spiller på det rette tidspunktet for å flytte prosjektet sammen, er hele ideen å holde bandet fokusert på oppgaven ved hånden, som gjør flott musikk. Det betyr å holde distraksjoner til et minimum, spesielt de som er selvpåførte, som kontroverser om ting annet enn musikk.
En annen ting som er viktig for produsenten å utvikle er et sett grunnregler for arbeid i studioet under preproduksjon. Hvis produsenten sier på forhånd: "Vi skal jobbe fra klokken til klokka 9.00 hver dag, med mindre vi kommer på rulle, men jeg lover at du skal være hjemme ved midnatt," spiller spillerne en tendens til å bli mer fokusert fordi de vet hva som er forventet av dem og i hvor lang tid (arbeidstiden vil endres i henhold til kunstneren selvfølgelig). Når en rutine er satt opp før hånden, gjør det en stor forskjell i den daglige forberedelsen av spillerne, til og med hvor de er mer sannsynlig å komme seg til tiden, fordi starttiden er den samme hver dag. Dette hjelper også om noen av spillerne har en familie, siden det gir dem litt normalitet i livet mens de jobber.
Selvfølgelig, hvis sangeren kun kan krysse til klokka 5, da stemmen hans åpner magisk opp til en engel, må produsenten være smart nok til ikke å planlegge noen vokal økter i løpet av den tiden. Og det er en del av hva preproduksjonen gjør - det gjør det mulig for produsenten å lære seg styrkenes og kjennskapene til spillerne for å få mest mulig ut av dem når det teller.
Grunnreglene vil vanligvis strekke seg utover bare start og sluttid. Er gjestene velkommen i studioet? Hvis ja, når? Er alkohol eller narkotika tillatt (vanligvis ikke et godt valg)? Må et bandmedlem være der hvis han ikke spiller (som under overdubs)? Dette er bare noen av tingene som trengs, og tiden til å gjøre det er under preproduksjon.
Den ekte tunge løftingen av preproduksjon gjøres under repetisjoner. Du kan bli venner med kunstneren eller bandet, og du kan finne ut deres kjennskap, knapper, liker og misliker, men du må fortsatt få musikken til å være full, og det kan bare skje under repetisjoner. Dette er faktisk en tre-trinns prosess brutt ned i sangene, arrangementene og gjennomføringen av forestillingen. La oss se på hver.
Du (produsenten) har sikkert lyttet til demoer eller innspilte repetisjoner av sangene før begynnelsen, men du vet aldri akkurat hva slags form de er til du hører dem for ekte, og dette betyr enten ved en vis eller under repetisjon.
Hvis sangene er godt konstruert, avhenger tilstanden til sangene for opptak av arrangementene og utførelsen av disse arrangementene. Hvis en sang mangler form eller er ufullstendig, er det opp til produsenten å hjelpe forfatteren å piske det til bedre form, eller finne en alternativ sang.
Selv om sangskriving er en prosess som er for komplisert til å dekke i dybden, er dette innlegget her et par vanlige sangskrivingsproblemer for å være på utkikk etter:
Ingen fokus - Dette betyr at sangen sverger fra akkord til akkord uten en tilsynelatende struktur og ingen klar forskjell mellom seksjoner. Dette er resultatet av ikke honing sangen nok (eller i det hele tatt) og tenker at den er ferdig før det er på tide. Noen ganger er det virkelig en sang der inne hvis du skaler den litt tilbake, men vanligvis er den eneste måten å fikse det på å gå tilbake til tegnebrettet for en større omskrivning.
Et svakt kor - Et kor som er interessant er vanligvis en som er forskjellig fra verset. Det kan bare være litt annerledes, som å legge til bakgrunnssang eller et annet instrument, eller en aksent eller forventning til de samme akkordendringene og melodien (som Michael Jacksons Ikke stopp 'til du får nok med strengen og hornfylling, eller Coldplay's Klokker med retur av åpningsriffen). Eller det vil bli mye annerledes, som et annet sett med akkord endringer eller melodi kombinert med arrangement endringer som svimmelhet av U2. Uansett, noe må bytte i koret for å løfte energien og holde sangen minneverdig.
Ingen bro - Ved sangskriving er en bro en mellommann som forbinder to deler av sangen, og bygger en harmonisk forbindelse mellom disse delene ved å øke eller redusere spenningen. En bro er viktig fordi den gir en grunnleggende kvalitet som finnes i alle kunstformer - spenning og utgivelse (i musikk går høyt til stille eller stille til høyt, i maleri går det fra mørke til lyse farger, i fotografering vil det være lett å skygge, etc.), for å holde ting interessant. Nesten hver flott sang har en bro, men det er sporadiske unntak. Sanger som er basert på den rette 12 bar blues har ofte ikke broer, men kan bruke dynamikk eller arrangement for å gi spenningen og slippe ut.
Uansett antall sanger du planlegger å ta opp, vil du vanligvis ha en ekstra sang eller to i lommen av et par grunner:
Kanskje alt om økten blir magisk, bandet vil høres fantastisk ut, og utførelsen vil være så presis at du brenner gjennom sangene du vil gjøre og har litt ekstra tid igjen. Dette skjer nesten aldri, men hvis det gjør det, er det fint å kunne dra nytte av den varme strekningen og få en ekstra sang eller to klar til å gå.
En av sangene høres ikke så bra ut, uansett hva du gjør. Feilen er ikke riktig, sporet er borte, tempet er ute av vinduet - det skjer, så det er best å gå videre til noe annet, noe som bare kan skje hvis du har det noe ekstra forberedt.
På noen måter er det lettere å lære om ordninger ved å se på hva som gjør en dårlig først. Uansett hvilken slags musikk det er, fra rock til land til goth til rock-a-billy til alien space music, vil du at sangen skal være interessant for ditt bestemt publikum, så vær forsiktig med noen av følgende:
Seksjoner som er for lange - Med mindre du er ekstremt oppnådd eller gjør en musikkstil der dette ikke gjelder, er ideen å holde alle deler av det interessante og til det punktet. To minutters intro, tre minutters gitar solo og fem minutters outros er nesten alltid kjedelig, så du er alltid bedre å ha en seksjon for kort heller enn for lang. Det er unntak (Lynard Skynards klassiker Fri fugl, med den lille ordningen endres, sparker og aksenter hver 16 bar, kommer til hjernen), men det tar vanligvis mye å skaffe ferdighet for å trekke den av.
Ingen Intro / Outro kroker - Hvis vi snakker om moderne populær musikk (ikke jazz eller klassisk), har de fleste sangene en instrumental linje (eller krok) som du hører i begynnelsen av sangen, kanskje igjen i koret, og når som helst intro gjentar i sangen. Et godt eksempel ville være åpningsgitaren til Steinens Tilfredshet eller piano i Coldplay Klokker. Utvikling av intro / outro kroker er en av de store jobbene som alltid konfronterer produsenten.
Instrumenter som kolliderer - Hvis for mange instrumenter spiller i samme frekvensområde, vil de kollidere. Dette ses vanligvis når det er to gitarister som spiller lignende rigs (de har begge Strats and Marshalls, for eksempel), men kan skje mellom to instrumenter. Det er produsentens jobb å endre registret, endre delen, endre linjen eller endre lyden slik at alt passer.
Sanger utenfor rekkevidde for sangeren - La oss innse det, noen sanger skrevet på og for gitar bare høres bedre ut i A eller E, men det betyr ikke at sangeren faktisk kan synge den i disse nøklene. Det er produsentens jobb å sørge for at sangen er i nøkkelen som gjør at sangeren skinner, men ikke røver sangen til sin essens eller lyd (noen ganger en høy rekkefølge).
Du kan ha gode sanger og flotte arrangementer, men hvis du ikke kan utføre forestillingen, vil det fortsatt ikke høres noe bra ut. Det er uunngåelig at produsenten vil bli konfrontert med problemet "Hvorfor høres ikke denne sangen (eller en del i sangen) riktig ut?" Kanskje det vil føles bra på en gjennomgang og ikke så bra på den neste. Kanskje det høres bra bortsett fra en seksjon. Kanskje det hørtes aldri bra, men du tror sangen har noe spesielt og er villig til å bruke tiden på å jobbe med det.
Mens musikk er bygd rundt den unnvikende verdien av "feel", som kan være svært vanskelig å definere, er det visse mekanikker som bestemmer hvor tett musikken spilles, og for en bedre term, hvordan "stor" det høres ut. Disse prinsippene gjelder for enhver form for musikk, fra marching band til dypt hus til reggaeton for å øke hastigheten på metall, prinsippene er alle de samme. Hvis noe ikke høres "riktig", skyldes det sannsynligvis ett av følgende.
Spille med dynamikk betyr å spille med mindre intensitet på enkelte steder i en sang, og høyere eller med mer intensitet på andre steder. De fleste unge band er uvitende om dynamikk og spiller på ett volum gjennom hele sangen (eller alle sangene, for den saks skyld), som kan bli kjedelig for lytteren veldig raskt. Hvis bandet spiller sangen dynamisk, puster sangen volumvis. Å gå fra høyt til stille eller stille til høyt er et annet eksempel på "spenning og utløsning".
Den virkelige hemmeligheten til å spille dynamisk er dette: Når du spiller høyt, spill så høyt som mulig, og når du spiller mykt, spill så mykt som mulig, og finn et tredje nivå mellom!
For et virkelig godt eksempel på dynamikk, lytt til Lukter som Team Spirit av Nirvana hvor versene er stille, er prekorusene høyere, og korstene bare brøler.
Det er tre deler til timing at hvis ikke det blir gjort på samme måte av hvert bandmedlem, gjør sanglyden slurvet: sangen starter og stopper, sporet, angrepene og utgivelsene. La oss se på hver enkelt.
Sang starter og stopper (begynnelser og slutter) - Du kan ringe sangen starter og stopper "begynnelser og avslutninger" bortsett fra at det noen ganger er stopp og starter i midten av en sang. Trikset her er å sørge for at alle starter og stopper sangen på samme tid. Disse kan ikke overlates til senere, eller behandles med en "Det blir bedre i studio" -stillingen. Øv hver start og stopp til alle er låst inn og kjenner det som baksiden av hånden deres! Hvis det fortsatt ikke høres rett etter fem eller seks forsøk, spør hvert bandmedlem, "Hvordan spiller du det?". Som det er tilfelle med de fleste ting som ikke låser seg tett, er det minst en spiller som kan spille ting litt annerledes enn resten. Uansett hvordan sangen starter eller slutter, må alle spille det på samme måte - ingen unntak.
Rytmen - ALLE god musikk, uansett om det er Rock, Jazz, Classical, Rap eller noen ny plassmusikk som vi ikke har hørt ennå, har en sterk sporing. Du hører alltid om "sporet", men hva er det?
Groove er pulsen av sangen og hvordan instrumentene dynamisk puster med det.
En vanlig misforståelse av et spor er at det må ha perfekt tid, men Et spor er laget av spenning mot jevn tid. Det betyr at det ikke må være perfekt, bare engang, og alle forestillinger trenger ikke å ha samme mengde "jevnhet". Faktisk gjør det sporet føles stivt hvis det er for perfekt. Det er derfor kvantisering av deler og lining opp hvert treff på en arbeidsstasjon når du spiller inn, tar livet livet av en sang. Det er for perfekt fordi det ikke er spenning. Det er tapt sin spor.
Å få rytmeseksjonen til å spore med resten av bandet er mye vanskeligere enn du kanskje tror siden gitarister ikke alltid lytter til trommeslageren, en keyboardist kan ha metronomisk tid, men har en vanskelig tid å koordinere sin venstre hånd med bassist og vokalister vil ofte glemme at det er et band som spiller bak seg helt og holdent. Nøkkelen er for alle i bandet å lytte til hverandre!
Angrep og utgivelser - Angrep og utgivelser (noen ganger kalt "artikulasjoner") er en av de mest oversett, men likevel viktigste elementene i å spille sammen. Angrep og utgivelser refererer vanligvis til en setning som du enten spiller eller sang. Angrepsdelen er enkel - alle begynner å spille eller synge nøyaktig samme tid på samme måte. Utgivelsene er det som overses. En utgivelse er hvordan du avslutter et uttrykk og er like viktig som hvordan du starter den. Nok en gang må alle spille det nøyaktig det samme.
En annen ofte oversett del av en sang som trenger å være stramt, er vekselen mellom seksjoner, som en eller to streker mellom verset og koret, koret og verset, verset og outroen, koret og broen etc. Denne delen krever mye fokus fordi det vanligvis spilles litt annerledes enn resten av seksjonen. For trommeslageren er det vanligvis en tom eller snare rulle inn i neste avsnitt, men med mindre det er en konstruksjon, vil de fleste spillere som ikke har erfaring med opptak, noen ganger bare tilfeldig spille noe over rullen. Dette vil ikke fungere som du finner en vending, krever en presis linje som må spilles, for å holde seg stramt med trommene.
Hver sang trenger det perfekte tempoet til å spore. En av tingene vi oppdager tidlig når vi tar opp, er at så lite som en enkelt BPM (slag per minutt) kan gjøre en stor forskjell i hvordan en sang føles. Bare litt treg og sangen ser ut til å trekke; litt fort og det føles ubehagelig eller blir vanskelig å spille. Derfor er det veldig viktig at du etablerer sangenes ideelle BPM før du tar opp den.
Uansett hvor godt preproduksjonsøvelser synes å gå, er det veldig viktig å lage en preproduksjon-demoopptak, helst et annet sted enn repetisjonen din, fordi du aldri vet hva en spiller spiller før han registreres. Det er også viktig å få bandet ut av sitt trygge og behagelige repeteringsmiljø, slik at de vet at når ting høres annerledes ut i et nytt miljø (som de vil), er det ikke nødvendigvis en negativ ting.
Preproduksjon demoen trenger ikke å være dyrt, og det trenger ikke å ta mye tid. Faktisk, jo billigere og raskere, jo bedre. Det du prøver å lære er hvor bra alle spiller sammen, og hvis arrangementene og sangstrukturen faktisk virker, så er det bare et par passerer av hver sang alt som er nødvendig med mindre det er et stort togvrak. Ytelsesfeil er ok, så lenge du kan høre den komplette formen av sangen, og ikke bekymre deg for overdubs eller layering bortsett fra en rask gjennomgang for å sjekke ut en ide. Perfeksjon er ikke målet for demoen, informasjon om sangstrukturen, arrangementet og de enkelte delene er.
Etter å ha lyttet til opptaket (selv om du bare lytter til avspillinger under opptak), bør det være klart hva som må løses eller forbedres, noe som bør skje på en annen runde repetisjoner. Det vil også hjelpe spillerne da de hører hva de spiller mot alle andre. Det er ikke uvanlig å høre kommentarer som, "Jeg visste ikke at du spilte det slik," under en avspilling.
Tanken bak alt dette er å få delene ned, slik at det virkelige opptaket gjøres effektivt uten overraskelser, og spillerne trenger bare å konsentrere seg om sine forestillinger i stedet for å lære seg nye deler. Mange ganger, når en spiller lærer den nye delen i studioet, har hans ytelse lidd så mye det tar en ekstra økt bare for å fange en god ytelse. Preproduksjon eliminerer forhåpentligvis det.
I neste innlegg ser vi på å jobbe med en artist eller et band i studioet.
Accentsconagua