Share
hans serie om musikkproduksjon er basert på min nye bok, The Music Producer's Handbook, der jeg skal skissere noen grunnleggende produksjonsteknikker og forhåpentligvis gi noen detaljer om prosessen som tar noe av mysteriet bort. Vær oppmerksom på at denne delen av serien ser på forholdet mellom en produsent og et band, eller en produsent med en artist med et backing-band eller studio-musikere. Vi vil takle selvproduksjon senere i serien.
I del 3 ser vi på det av de mest kritiske elementene i å være produsent - å få de beste forestillinger fra kunstneren og musikerne.
Det er viktig at en produsent skikkelig grensesnittet til kunstneren fordi suksessen til et hvilket som helst prosjekt er avhengig av et enkelt og effektivt samarbeid. Når det blir sagt, er det ikke så enkelt å tenke ut noen som er "kunstneren" på et prosjekt, noen ganger.
Det er vanligvis ganske klart hvem kunstneren (eller musikalsk leder av et band) er når det kommer til en rekord- eller demonstrasjonsdato, men det er mange andre musikkproduksjonsjobber hvor kunstneren er en litt annerledes enhet. Hvis det er en jingle dato, kan komponisten eller noen fra reklamebyrået sees i samme lys som en kunstner, og hvis det er en film eller en TV-dato, er regissøren, produsenten (e), musikkveilederen (e) , studioeksperter eller noen av deres representanter bør også betraktes som en kunstner.
Uansett hva slags prosjekt, er det best å vise en rolig og vennlig respekt til kunstneren til enhver tid. Under opptak er du en verdsatt ressurs for deres kreative og forretningsprosess, og er vanligvis sett på som en peer i det minste og en foreldringsfigur eller lærer i det meste. I løpet av din tid som er involvert i aktivitetsområdet når du gjør opptaket, innbygger du kunstnerens musikalske, profesjonelle og sosiale univers som et kryss mellom en æret gjest og en partner i deres musikalske bedrift.
Når en kunstner begynner å stole på deg på et musikalsk nivå, kan den tilliten også overføre til et personlig nivå. Det er lett å bli en fortrolige som det intime bindet mellom deg (produsenten) og kunstneren vokser, men det kan være fare for å komme for nært. Det er enkelt for personlige problemer å komme seg i veien for musikken, og mens produsenten har å håndtere dem, er det lett for fokus å flytte bort fra musikken dersom produsenten er for personlig involvert. Mange produsenter er forsiktige med å sette grenser som gjør at de kan være fokuserte på jobben ved hånden, og blir bare engasjert i kunstnerens private saker hvis det har en negativ innvirkning på musikken.
Med hensyn til alle de tangensielle samspillene som kan oppstå på en økt, bør du vurdere noen som er tilknyttet kunstneren (som en ektefelle, familiemedlem, kjæreste eller kjæreste, gjest, sjåfør, personlig assistent eller medarbeider) også en "artist". Selv om det er lett å avvise disse menneskene som ubetydelig for produksjonsprosessen, kan de behandle dem lette, forklare kunstneren ned på deg!
Selv om en musiker er helt komfortabel om sitt miljø, er det ting du kan gjøre for å hjelpe ham med å ta sin prestasjon til et annet nivå. Med mindre de allerede har mye studioopplevelse, kan de fleste musikere være veldig selvbevisste om hva de spiller, spesielt etter å ha hørt en avspilling som avdekker noen feil de ikke var klar over før det øyeblikket. Det er viktig at deres selvtillit ikke flagger, og det er direkte opp til deg for å holde det i ferd med å skje. Her er noen triks som vil hjelpe.
En av de vanskeligste tingene i å lage en rekord, prøver å spille inn en vokalist som er ubehagelig. Selv en erfaren pro kan noen ganger ikke gjøre sitt beste med mindre forholdene er helt riktige. Vurder noen av disse forslagene før og under en vokal økt.
Mens erfarne studio-spillere kan kutte et flott spor uten en guide eller "scratch" vokal, ville nesten alle spillere foretrekke å ha en til å spille mot. Guiden vokal fungerer ikke bare som en kue for visse deler av sangen, men legger til sporet og følelsen som hjelper en spiller å utføre sitt beste. En av de andre fordelene er at hovedsangeren også kan gi retninger og påminnelser til spillerne som sangen utvikler seg.
Det er ingen spesielle regler for et skrape vokal. Noen vokalister har ikke noe imot å være i en vokalboks mens de utfører en scratch vokal, men nesten alle vokalister vil kunne se alle spillerne under en sang som de ikke liker å føle seg frakoblet fra resten av bandet. Som et resultat ville mange sangere egentlig foretrekke å være ute i rommet med de andre spillerne. Skrapeloddet vil ikke høres så bra i den situasjonen på grunn av lekkasjen (hovedsakelig på grunn av lekkasje fra trommene), men hvis det hjelper bandet og vokalisten, så er det det du vil gjøre.
Mange ledende sangere, produsenter og ingeniører kan ta et ripe vokal lett, siden det vil bli omgjort senere, under bedre forhold, men den klare produsenten er alltid forberedt bare i tilfelle det skjer magi som ikke kan gjenopprettes igjen. Behandle denne vokalen seriøst fordi du aldri vet når du kan ta tak i lyn i en flaske, og det vil ende opp som en keeper.
Det var en tid på 70-tallet da noen høybudsjettprosjekter ville ta en hel uke bare for å få den rette snare trommelyden. Mens de kanskje har oppnådd musical snare drum nirvana, må 99,99999% av øktene bevege seg raskere enn det, og de burde. Jo mer tid du tar før du tar opp, jo mindre tid vil du faktisk bruke innspillingen, siden oppmerksomhetsspenningen til spillerne reduseres forholdsmessig til tiden du får lyd. Selv om du vil at ting skal høres så godt som mulig, er et dårlig lydspor med god stemning mye mer brukervennlig enn en godt innspilt, men musikalsk foreldet spor.
Likevel, å få lyder er et nødvendig onde i opptak og minst en viss tid må tildeles for oppgaven. En god produsent vet når du skal gå videre når det tar for lenge, og ingeniøren prøver bare å ringe inn den siste 5% av lyden, eller vet når du skal fortsette når lyden ikke fungerer.
Gode baner kommer fra deltakerens fokus og komforten til spillerne. Selv om miljøet er nyttig, vil en spiller spille eller synge sitt beste når hun hører seg godt og i riktig forhold til de andre spillerne eller sangerne. Derfor er hodetelefonen (noen ganger kalt "cue") mikse så viktig.
Kanskje den største ulempen for en økt løper jevnt er manglende evne for spillerne til å høre seg komfortabelt i hodetelefonene. Dette er en av grunnene til at veteraningeniører bruker så mye tid og oppmerksomhet til cue-mixen og telefonene selv, i stedet for å la en assistent gjøre det. Faktisk er et sikkert tegn på et studio neophyte å behandle hodetelefonene og køen blandes som en ettertanke, i stedet for å bruke så mye tid som nødvendig for å få dem til å lyde bra. Selv om det er sant at en veteranstudiospiller kan skrape av en dårlig eller forvrengt telefonmiks og fortsatt levere en god ytelse, gjør gode "bokser" en økt raskere og enklere, og tar en variabel som muligens er den største skade for en økt ut av ligningen.
Klikksporet, eller innspilling mens du lytter til en metronom, er blitt et faktum i livet i de fleste økter i disse dager. Ikke bare spiller det bedre med en jevn tempo, men det gjør det enkelt og enkelt å klippe og lime inn redigering mellom forestillinger i en DAW. Å ha et spor basert på et klikk gjør også ting som forsinkelse og reverb timing lettere under blanding.
Å spille til et klikk kan imidlertid presentere en rekke problemer, for eksempel lekkasje av klikket i mikrofonen, og det faktum at noen mennesker ikke bare kan spille til jevn tid for å redde livet. Når det er sagt, blir de fleste spillere i dag tatt opp med et klikk eller et løkke, så problemet blir da en av å hjelpe spilleren å høre klikket mer enn noe annet.
Mange ganger bare å gi en metronome i telefonene er ikke nok. Hvor bra er et klikk hvis du ikke kan høre det, eller enda verre, ikke kan spore seg til det? Her er noen triks for å gjøre klikket ikke bare lyttet, men kutt gjennom de tetteste blandingene og virke som et annet instrument i sporet også.
For å få de beste forestillingene må du holde spillerne hele tiden fokusert, og den beste måten å gjøre det på er at en produsent skal klare økten godt.
Å bringe spillerne inn i kontrollrommet for å lytte til en avspilling kan enten være forstyrrende eller brukes til å strategisk øke momentet i økten. Hvis spillerne lytter til en avspilling etter hver gang, vil energien bremse ned når spillerne legger seg inn i kontrollrommet og deretter tilbake etterpå. Selv om spillerne lytter til en avspilling gjennom telefonene, kan momentumet bli forstyrret. Det tar vanligvis et minutt eller to til de blir komfortable igjen, noe som kan ta deg lengre unna den perfekte takten i stedet for nærmere.
En av de beste måtene å få poenget over, men vær så snill å holde energien høy, er å være selektiv på avspilling av kontrollrom. Det er vanligvis best å få spillerne til å lytte etter at de første parene tar og alle er til det punktet der de føler seg komfortabel med lyden og studiet. På det tidspunktet kan de få et referansepunkt for hvor de er nå og hvor de skal gå. Ikke ta dem tilbake i kontrollrommet til de enten har det som kan være en keeper, eller hvis en annen lytting hjelper dem til å spille noe bedre. Færre turer til kontrollrommet vil bidra til å holde energien høy og fart fremover.
En av de beste evner for en produsent å utvikle er å bestemme når det er på tide å ta en pause. Noen ganger kan en ti minutters pause pumpe ny energi til en flaggingssesjon, så produsenten må alltid holde fingeren på pulsen av spillerne for å måle konsentrasjonen. Faren er at du ringer en pause akkurat som spillerne kommer i et spor, og det vil være vanskelig å få det tilbake etter pausen, men vanligvis vil spillerne fortelle deg at de vil fortsette å gå, eller de vil Bekreft at en pause er nødvendig også. Det er vanligvis best å finne på en pause minst hver tredje time eller så, avhengig av hvordan økten går fremover.
Middagspauser kan være farlige fordi de må håndteres med forsiktighet, slik at du kan få spillerne tilbake i et spor etterpå. Hvis pause er for lang, kan det ta like lang tid for spillerne å få oppmerksomheten tilbake. Det samme gjelder hvis du lar dem forlate studioet for å spise et annet sted. Derfor er det alltid bedre å få mat inntatt. Et av de største problemene å beskytte mot er et stort måltid, siden normal fordøyelse naturlig reduserer spillerens evne å konsentrere seg etterpå. Hold måltidet kort, delene små, og la absolutt ingen alkohol, slik at alle blir friske og økten holdes på sporet.
Tidligere da de fleste musikk ble spilt inn i kommersielle studioer, gikk det rundt 12 timers "lock-out". Dette betyr at mens du bare blir belastet i 12 timer, kan ingen andre bruke studioet til de andre 12, så alle Musikerens utstyr og utstyret i kontrollrommet kan forbli konfigurert.
Med 87% av musikken som kommer fra personlige studioer i disse dager, er det ikke så mye et problem å holde oppsettet, men mentaliteten du kan spille så lenge du vil, kan faktisk spille tungt på øktens bevissthet. Hvis du betaler for en 12-timers dag i et kommersielt studio, er det ikke uvanlig å ønske å få hvert minutt verdt ved å holde seg i studio lenge forbi utbrentpunktet. Dette kan være kontraproduktivt som helhet, siden utbrentheten har en tendens til å hente seg med alle i alle påfølgende opptaksdager etterpå, noe som gjør det vanskeligere og vanskeligere å konsentrere seg og gjøre den nyttige tiden i studio kortere og kortere. Hvis du ikke betaler for tiden, er det lett å bli lackadaisical om tiden og holde deg langt borte fra punktet til et produktivt arbeid.
Studio-proffene har funnet ut at det er best å holde dagene til en rimelig 8 eller 9 timer, bare skyve forbi det hvis du er veldig nært til noe flott og alle ønsker å fortsette, eller en deadline vev. En av produsentens viktigste arbeidsoppgaver er å avdekke når utbrentpunktet er nådd og avslutte økten på den tiden.
Å vite når du har målvaktsporene du trenger å lage en god rekord, er en av de vanskeligere vurderingene for en produsent å lage. Under grunnleggende sporing er ultimat en feilfri ytelse med en stor spore og mye følelse, men å oppnå alle tre attributter er svært uklar. Vet at gitt nok tid og nok tar, er den perfekte ta i din forståelse. Det er ikke uvanlig å gjøre dusinvis av tar til den perfekte vises (Jimi Hendrixs landemerke All Along Watchtower var Take # 28).
Men noen ganger er det best å bestemme at, mens sporet ikke er perfekt, har du nok til å jobbe med. Kan du kutte og lime flere sammen for å få det du trenger? Skal du gå videre til en annen sang og gå tilbake til denne sangen senere for et annet forsøk? Igjen, den som betaler deg, har diktert deres behov før du har begynt å spore. Hvis jobben din er å få en rekke sanger ferdig innen en viss tidsperiode, må du kanskje slå på noen forestillinger for å møte fristen. Hvis jobben din er å få best mulig produkt, kan du kaste tidsplanen og budsjettet ut av vinduet.
Uansett kan grunnleggende sporing være over i løpet av noen få timer (som ved opptak av et jazz-prosjekt), eller kan fortsette i flere måneder eller til og med år (som et stort budsjett arv), men det er opp til produsenten å ringe ut at oppdraget å fange akkurat det som trengs for denne fasen av innspillingen, er oppnådd.
Neste måned vil vi se på overdubbingsprosessen.
Accentsconagua